Aldebarans gesammelte Ergüsse

RoboCop

2012-01-25T20:05:00.004+01:00

In den 80er Jahren ist eine Menge guter Actionfilme entstanden, die thematisch im Bereich Science-Fiction anzusiedeln waren und beim Publikum so gut ankamen, dass sie fest heute, bald dreißig Jahre später, immer noch Teil der Popkultur sind. Darunter fallen Streifen wie TERMINATOR, TOTAL RECALL, PREDATOR, ALIENS aber eben auch ROBOCOP. Letzter war so erfolgreich, dass er zwei Fortsetzungen, Fernsehserien, Comics, Videospiele und einen Schwung an Merchandising, der bis heute anhält, generieren konnte. Nicht alles, was früher gut war, hat den Zahn der Zeit schadlos überstanden. Wie sieht es mit diesem futuristischen „Dirty Harry“ aus?

Die Entstehungsgeschichte von ROBOCOP („RoboCop“, 1987) ist wie bei vielen Filmen eine steinige. Mehrere Regisseure und Hauptdarsteller wurden verschlissen, bis der erste Meter Film durch die Kameras gerollt war. Schließlich entschieden sich die Produzenten für den Niederländer Paul Verhoeven. Dieser hatte kurz zuvor mit FLESH AND BLOOD bewiesen, dass er blutige Action im großen Stil, aber mit Niveau und guter Schauspielerführug beherrschte. Der Charakter des Robocop war von Anfang an von „Judge Dread“ einer ultraharten Comicfigur aus Großbritannien inspiriert. Insofern war es nur stimmig, auch einen europäischen Regisseur zu engagieren. Den Hauptdarsteller fand man in Peter Weller, der im SF-Bereich zuvor durch den damals wenig beachteten, heute zum Kultfilm avancierten DIE ABENTEUER DES BUCKAROO BANZAI aufgefallen war.

"Weißt Du, wo ich Dir den gleich hinstecken werde?"

In nicht allzu ferner Zukunft ist die Polizei in Detroit völlig damit überfordert, die Kriminalität einzudämmen. Streiks drohen, doch wer soll sich dann erst recht gegen die Scharen von Gangstern durchsetzen? Besonders gefährlich ist die marodierende Bande um ihren Anführer Clarence Boddicker (Kurtwood Smith). Der Megakonzern OCP nutzt diese Gelegenheit, um ihre neuesten Erfindungen an die Sicherheitskräfte verkaufen. Dummerweise läuft der unter Vize-Präsident Dick Jones (Ronny Cox) entwickelte Kampfroboter ED-209 bei der Präsentation Amok und tötet eins der Vorstandsmitglieder. So bekommt der arrogante Emporkömmling Bob Morton (Miguel Ferrer) die Chance, sein Projekt um einen stark gepanzerten Polizisten-Cyborg in die Tat umzusetzen. Codename: RoboCop! Fehlt nur noch ein Freiwilliger. Dieser taucht in Form des kürzlich versetzten jungen Polizisten Murphy (Peter Weller) auf, der bei einer Schießerei mit Boddickers Gang im wahrsten Sinne des Wortes in Stücke geschossen wurde. Nach einer langwierigen Umwandlung geht der scheinbar unaufhaltbare RoboCop gegen die Unterwelt Detroits vor. Anfangs kann er sich an seine Vergangenheit nicht mehr erinnern, doch dann beginnen die Träume, und auch seine ehemalige Partnerin Lewis (Nancy Allen) erkennt den Menschen hinter dem stählernen Kämpfer wieder. Derweil kann sich Bob Morton über seinen neuen Einfluss bei OCP nicht lange freuen...

Die meisten, die an ROBOCOP denken, werden zahllose blutige Schießereien, herumfliegende Körperteile und menschenverachtende Gewalt vor Augen haben. Kein Wunder dass es der Film in Deutschland immer schwer hatte. Doch damit wird man dem Streifen nicht gerecht. Bereits Regisseur Verhoeven zeigte sich enttäuscht über die Schnitte, die er schon in den USA tätigen musste, um eine vertretbare Altersfreigabe zu erhalten. Er selbst sagt, dass die Gewalt in dem Film durch die Schnitte erst wirklich erschreckend wurde, da er sie zuvor so überzeichnet hatte, dass sie eher wie ein Cartoon wirkte. Recht hat. Ohne Frage: In die Hände von Kindern oder Jugendlichen gehört ROBOCOP auf keinen Fall, aber, wenn man sich den auf DVD erhältlichen Director´s Cut anschaut, schmunzelt man bei den Ballereien eher, als dass man sich geschockt zeigt (mit Ausnahme der „Hinrichtung“ Murphys zu Beginn des Films). Dies ist schwarzer Humor in seiner Endstufe und wird durch die satirisch überzeichneten Nachrichten- und Werbespots, die in den Film eingestreut sind, unterstrichen.

"WARUM soll ich mich umdrehen? WAS steht hinter mir?"

ROBOCOP ist Sozial- und Medienkritik. Natürlich funktioniert er auch als Actionfilm, doch hält er uns gleichzeitig einen Spiegel vor, wenn wir uns an den blutigen Schlachten erfreuen. Sofern er merkt, dass hier eigentlich über ihn gelacht wird, dürfte dem Voyeur das Grinsen wohl vergehen. Dies gelingt Verhoeven hier viel besser als in seinem Jahre später entstandenen STARSHIP TROOPERS. Tricktechnisch ist der Film allerdings schlecht gealtert. Während die Effekte um den RoboCop selbst wunderbar gelöst sind und auch heute noch überzeugen, ruckeln die Stop-Motion-Bewegungen des ED-209 eher unschön über den Bildschirm. Das stört aber nicht wirklich, da diese Sequenzen nicht unnötig in die Länge gezogen wurden.

Den Großteil meiner Kindheit verbrachte ich in den 80ern und hatte daher erst viel später die Gelegenheit, ROBOCOP zu sehen, und dann auch direkt in der vom Regisseur beabsichtigten Fassung. Ich sehe in dem Streifen kein über alle Maßen anbetungswürdiges Meisterwerk, aber durchaus einen feinen Film, der viel intelligenter ist, als man ihn für gewöhnlich ansieht, und dabei auch gut zu unterhalten weiß. Wer übrigens mal lachen will, sollte sich bei Ebay eine geschnittene 16er-Fassung holen und mit der ungeschnittenen Version vergleichen. Es lohnt sich: Selten so gelacht (Grüße an Sebastian S.).

Shooter

2011-12-18T14:41:00.005+01:00

Ich gestehe, dass ich nie gedacht hätte, dass sich Mark Wahlberg im Filmgeschäft durchsetzen würde. Als jemand, der 1992 Zeuge wurde, wie „Marky Mark and the Funky Bunch“ mit den Singles „Good Vibrations“ und „Wildside“ Hits ablieferte und später gemeinsam mit Prince Ital Joe unter der Produktion von Alex „U96“ Christensen im Eurodance-Bereich wilderte, konnte ich anfangs nicht glauben, dass Mr. Wahlberg – Bruder eines der New Kids on the Block“ - ernstzunehmender Schauspieler sein sollte. Okay, da gab es den einen oder anderen Fehlgriff (PLANET DER AFFEN, MAX PAYNE z.B.?), aber bereits mit seinem Frühwerk BOOGIE NIGHTS und später unter der Regie von Martin Scorsese in DEPARTED bewies Mark Wahlberg, dass er es wohl wirklich drauf hat. Daher habe ich mir guten Gewissens seinen Streifen SHOOTER von 2007 angesehen.

Der Film basiert auf dem Roman „Point of Impact“ von Stephen Hunter, einem Thrillerautoren und selbst erklärten Waffennarren (dazu später mehr). Regie führte Antoine Fuqua, von dessen Arbeiten man Werke wie DIE TRÄNEN DER SONNE (mit Bruce Willis), KING ARTHUR (mit Clive Owen) und THE REPLACEMENT KILLERS (mit Til Schweiger...) kennen sollte. Neben Mark Wahlberg spielen als bekanntere Namen wie Danny Glover, Ned Beatty und Rhona Mitra mit. SHOOTER war weder in den USA, noch im Rest der Welt ein wirklich großer Erfolg – was aber natürlich nichts über die Qualität eines Films aussagen muss. In Deutschland ist er ab 18 Jahren freigegeben, was sicherlich mit dem Thema „Selbstjustiz“ zu tun hat – etwas, was die liebe FSK gar nicht mag.

"Mist! Wo ist das Klopapier?!"

Der US-Scharfschütze und absolute Schusswaffen-Experte Bob Lee Swagger (Wahlberg) verliert bei einem Einsatz in Äthiopien seinen Spotter und besten Freund Donnie (Lane Garrison), weil sich seine verbündeten Streitkräfte aus einem Kampfgebiet zurückziehen, und die beiden Schützen sich selbst überlassen. Desillusioniert quittiert Swagger seinen Job. Einige Zeit später wird er von Colonel Johnson (Glover) angesprochen. Der Geheimdienst hat herausgefunden, dass ein Attentat auf den US-Präsidenten geplant wurde, und nun hofft man auf Swaggers Expertise, herausfinden, wo und wie der Anschlag verübt werden soll. Nach anfänglichem Zögern willigt Swagger ein und kommt zur Erkenntnis, dass der Präsident während einer Gemeinschaftsrede mit einem äthiopischen Erzbischof in Philadelphia getötet werden könnte. Swagger ist während des Einsatzes vor Ort, als tatsächlich Schüsse abgegeben werden und den Erzbischof töten. Dann geht alles ganz schnell: Johnson und dessen Unterlinge eröffnen das Feuer auf Swagger und wollen ihm das Attentat in die Schuhe schieben. Schwer verletzt kann der ehemalige Soldat, der jetzt wieder auf seine einst antrainierten Überlebenskünste angewiesen ist, flüchten. Während Johnson eine unbarmherzige Jagd auf ihn ausruft, und die Öffentlichkeit überzeugt ist, dass er ein Killer ist, kommt Swagger bei Donnies Witwe Sarah (Kate Mara) unter. Derweil ist der junge FBI-Agent Nick Memphis (Michael Pena) von der Unschuld des vermeintlichen Attentäters überzeugt und stellt auf eigene Faust Nachforschungen an...

USA-Fans dürften hier voll auf ihre Kosten kommen. Selten habe ich so viele in Zeitlupe gedrehte Ami-Flaggen gesehen – natürlich unterlegt von dazu passender, patriotischer Musik. Der Film ist dramaturgisch ein wenig an AUF DER FLUCHT angelehnt. Auf der einen Seite haben wir einen Mann, der eines Verbrechens beschuldigt wird, das er nicht begangen hat, vor dem Gesetz flieht und gleichzeitig versucht, die Wahrheit hinter der Verschwörung aufzudecken. Auf der anderen Seite haben wir die Vertreter der Justiz, die ihn eigentlich zur Strecke bringen sollten – aber auf dem Weg dorthin entdecken, dass an der Sache mehr dran ist, als man auf den ersten Blick erkennt. Besser gut geklaut, als schlecht neu erfunden. Spannend ist SHOOTER streckenweise auf alle Fälle. Zudem ist er handwerklich sehr gut gemacht. Es gibt tolle Landschaftsaufnahmen (gell, liebes Lexikon des internationalen Films? ;) ), die Schauspieler machen das Beste aus dem Drehbuch, und es gibt genug blutige Action, um Fans der selbigen bei Laune zu halten.

"Mittlerweile ich bin DEFINITIV zu alt für diesen Scheiss!"

Aaaaaber: Leider hat SHOOTER auch mit ein paar Problemen zu kämpfen. Wer nicht gerade darauf steht, dürfte mit der zur Schau gestellten Soldaten-Romantik nichts anfangen können. Wenn darüber gesprochen wird, wie jemand, dessen Beruf es ist, Leute aus dem Hinterhalt zu erschießen, erklärt, dass er Spaß an seinem Job hat, dann – nun ja – kommt mir das Grausen. Wundern sollte man sich über solche Sätze allerdings nicht, da die Inszenierung der Waffen und Abschüsse beinahe fetischartig anmutet. In Anbetracht dessen, dass Autor Hunter das Abfeuern einer Pistole als „sinnliches Vergnügen“ beschreibt, passt das ja. Selbstverständlich wird das ganze mit einem gehörigen Maß an Hurra-Patriotismus gewürzt: Die USA sind schon toll, könnte aber noch besser sein, wenn „die da oben“ sich doch ein wenig mehr am Geist der Gründerväter orientieren würden. Gähn. Am Ende wird’s dann witzigerweise richtig links-liberal – aber zu diesem Zeitpunkt wirkt diese Botschaft dann nur noch scheinheilig. Aber selbst wenn man nicht die Moralkeule schwingt, strotzt das Drehbuch nur so vor logischen Fehlern und Irrungen und Wirrungen (z.B., wenn sich der ansonsten sehr überlegt handelnde Protagonist unnötigerweise in die Höhle des Löwen begibt und dabei natürlich von der Polizei aufgegriffen wird...). Auch die Love-Story wirkt total aufgesetzt und plump, da die gute Dame immer wieder dazu angehalten wird, in unsinnig engen Tops oder nur im BH durchs Bild zu stolzieren. Und Marky Mark? Der macht seinen Job okay, liefert hier aber verständlicherweise kein Oscar-Material ab.

Ich fand diese Pille schwer zu schlucken. Wäre man das Ganze ein wenig vielschichtiger angegangen und dann auch so manche Schwäche des Scripts ausgebügelt worden, hätte ein kurzweiliger und unterhaltsamer Actionthriller bei SHOOTER herumkommen können. So aber ist der Film für Nicht-Amerikaner, die nicht jeden Morgen die Stars and Stripes im Vorgarten hissen, schwer zu empfehlen. Wenn es einem aber gelingt, sein Gehirn noch mehr auszublenden als bei Roland Emmerich, mag man sogar gut unterhalten werden.

Bram Stokers Draculas Gast

2011-12-18T00:27:00.006+01:00

Aaaah, Dracula. Die erste Rezension zu meinem Lieblings-Blutsauger seit des Neustarts dieses blogs. Diesmal handelt es sich um BRAM STOKERS DRACULAS GAST (Dracula´s Guest, 2008), einem Direct-to-DVD-Movie von B-Film-Profi Michael Feifer, der sich in diesem Fall für Drehbuch und Regie verantwortlich zeigt. Daher kommt es auch, dass keine bekannten Gesichter in diesem Streifen zu sehen sind. Den einen oder anderen Darsteller kennt man vielleicht aus einer Fernsehserie (wie Hauptdarsteller Ramsey, der aus CSI: MIAMI bekannt sein dürfte), aber das war´s dann auch. Manchmal findet man unter den extra für Videotheken produzierten Filmen ja so manches Kleinod. Dass die DVD neu 2,99 Euro gekostet hat, hätte mich stutzig machen können. Zu recht? Wir werden sehen...

Ende des 19. Jahrhunderts: Der junge Bram Stoker (Wes Ramsey) arbeitet als Immobilienmakler und erhält den Auftrag, dem transsylvanischen Grafen Dracula (Andrew Bryniarski), der just in England weilt, ein Haus zu verschaffen. Wenn Stoker gerade nicht arbeitet, flirtet er mit seiner großen Liebe Elizabeth (Kelsey McCann). Doch deren Vater Admiral Murray (Dan Speaker) will von diesen Liebeleien nichts hören und zwingt das junge Paar, sich ein Jahr lang nicht zu sehen. Während Stoker niedergeschlagen ist und sich in seine Arbeit stürzt, macht Elizabeth Nägel mit Köpfen und nimmt Reißaus. Dabei wird sie aber zufällig (?) von Dracula abgefangen, der die junge Frau hypnotisiert und nach Transsylvanien auf sein Schloss entführt. Ihr Vater bricht kurz entschlossen auf, um sich den Grafen zur Brust zu nehmen. Auch Stoker macht sich auf den Weg nach Siebenbürgen, als er die Nachricht vom Verschwinden seiner Geliebten erfährt. Er ahnt nicht, dass sein Widersacher ein übernatürliches Wesen ist...

"Hab ich nicht schöne Zähne?"

Oh, boy... Wo fängt man bei so einer langen Mängelliste an? Am besten beim Technischen. Hier fällt direkt auf den ersten Blick auf, dass der Film auf billigstem digitalen Video gedreht wurde. Gut, das liegt wahrscheinlich genauso am Budget wie die lachhaft schlechten Spezialeffekte (darunter ein CGI-Zug der in ruckelnden Sprüngen über die Gleise huscht). Die Kameraführung und Bildkomposition sind für ein erfahrenes Drehteam selbst aus dem B-Movie-Bereich dilettantisch und sehen in manchem Porno besser aus. Dazu kommen ständige Gegenlichtaufnahmen, bei denen man sich fragt, ob irgend jemand der Beteiligten schon einmal einen Film gesehen, geschweige denn gedreht hat. Da passt es, dass man einmal schön deutlich den Filmscheinwerfer im Hintergrund herumstehen sieht... Unterhaltsam sind auch die Tonprobleme. Manchmal klingen die Dialoge so dumpf, dass man glauben könnte, das Boom-Mikrophon hätte in einem Sack voller alter Socken gesteckt. Das Make-Up hat maximal Kleinstadttheater-Niveau, mein Favorit war ganz klar die völlig künstlich aussehende Perücke von Elizabeths Mutter (die Gott sei dank nur einen Auftritt hat – ja, ich meine das Toupet). Gefallen haben wir auch die Unterlagen, die Stoker durcharbeitet, aber trotz des Settings von vor ca. 150 Jahren deutlich sichtbare Computerausdrucke sind. Rein stilistisch macht es da auch Sinn, dass Draculas modern renoviertes Schloss über elektrische Deckenlampen verfügt – neben Metallabsperrgittern, die wahrscheinlich Besucher bei offiziellen Rundgängen daran hindern sollen, sich in private Gemächer zu verirren.

Leider sorgen die Darsteller dafür, dass es keine Stimmungsbrüche gibt. Sprich: Sie sind genauso schlecht wie der Rest des Films. Dafür müssen sie sich aber auch mit zum Wegschmeißen dummen Dialogen abmühen. Die unterhaltsamste (?) Casting-Entscheidung bezieht sich auf Dracula selbst: Horrorfans könnten Andrew Bryniarski als Leatherface (!) aus dem Remake von TEXAS CHAINSAW MASSACRE kennen. Der übergewichtige Mime kämpft mit einem drolligen rumänischen Akzent und bleckt unentwegt seine langen Fangzähne auch in den Situationen, in denen es überhaupt keinen Sinn ergibt. Rein optisch kann ich mir ihn übrigens auch in einem Porno vorstellen.

Die natürliche Körper-Abwehrreaktion bei Sichtung dieses Films.

Inhaltlich darf man sich fragen, warum dieser Titel gewählt wurde. DRACULAS GAST ist eine Kurzgeschichte Bram Stokers, bei der es sich wahrscheinlich um das erste, später aus dem Roman entfernte, Kapitel von „Dracula“ handelt. Dieser Film hat NICHTS mit besagter Story zu tun. Im Gegenteil: Es werden sogar Elemente aus Bram Stokers „Das Haus des Schafrichters“ in die Geschichte eingeflochten, obwohl diese eigentlich gar nichts mit dem Vampirfürsten zu tun hat, und diese Szenen deswegen auch arg aufgesetzt wirken. Dabei besitzt die Story einen interessanten Ansatz: Anstatt, dass Harker von Dracula gefangengehalten wird und sich Mina Sorgen macht, ist es hier die Frau, die eingesperrt ist, während der Mann zur Rettung naht. Okay, auf den zweiten Blick erscheint das wiederum sehr konventionell. Mir ist zudem nicht ganz klar, wie Stoker, der den größten Teil des Weges von England nach Transsylvanien zu Fuß (!) meistern musste schneller bei Elizabeth ist, als ihr Vater, der immerhin mit der Kutsche reist. Und überhaupt: Was soll das mit dem Charakter namens „Bram Stoker“? Abgesehen davon, dass erwähnt wird, dass irisches Blut in seinen Adern fließt, gibt es keinerlei Hinweise darauf, dass dies derjenige sein soll, der später den Roman „Dracula“ schreibt. Warum heißt er dann nicht einfach Harker? Eine Idee, die völlig ungenutzt verpufft. Schade ist auch, dass der Showdown lächerlich ist, und am Ende wichtige Fragen nicht aufgeklärt werden. Bei 83 Minuten Laufzeit wären da ein paar erklärende Worte durchaus drin gewesen.

Man mag es nicht glauben, aber zwischendurch kommt sogar so etwas wie Atmosphäre auf. Eine extrem billige Atmosphäre, aber immerhin. Doch dennoch sollte nach Lektüre dieser Rezension kein Zweifel bleiben: BRAM STOKERS DRACULAS GAST ist eine filmgewordene Katastrophe, in der nichts funktioniert, und die durch die Bank weg von mangelndem Talent oder aber – im Zweifel für den Angeklagten – ungenügender Motivation, etwas von Qualität auf die Beine zu stellen, zeugt. Sei es drum: Ein Loch weniger in meiner DRACULA-Sammlung. Deshalb auch nur für Komplettisten wie mich zu empfehlen.

Super Mario 3D Land

2011-12-17T14:17:00.003+01:00

Erinnert Ihr Euch noch daran, wie sehr es Nintendo damals half, dass das über-geniale SUPER MARIO WORLD bei Verkaufsstart dem SNES beilag? Oder wie SUPER MARIO 64 zur gleichen Zeit in den Regalen war, in der auch das N64 auf den Markt kam, und der ansonsten etwas absatzmüden Konsole zu großen Verkaufserfolgen verhalf? Nintendo selbst scheint diese goldenen Zeiten vergessen zu haben. Zum Start des Gameboy Advance gab es das müde SUPER MARIO ADVANCE (eine modifizierte Version der West-Version von SUPER MARIO BROS. 2). Der Gamecube bekam sogar nur Marios trotteligen Bruder in Form von LUIGI´S MANSION spendiert, während der DS eine spezielle, aber wenig aufregende Abwandlung von SUPER MARIO 64 als Launchtitel erlebte. Die Wii musste ein Jahr auf ein erstes Mario-Abenteuer warten, und der 3DS hätte die anfänglich eher schleppenden Verkäufe wahrscheinlich mit einem Titel über den pummeligen Klempner ankurbeln können. Nun ist er hier – etwa ein dreiviertel Jahr später: SUPER MARIO 3D LAND.

Hier die epische Handlung: Bowser hat Prinzessin Peach entführt. Mario schreitet ein.

"Ein Stern... der Deinen Namen trägt..."

Spielerisch erwartet die Gamer eine Mischung aus NEW SUPER MARIO BROS. und SUPER MARIO GALAXY. Es gibt acht Welten, die jeweils auf durchschnittlich sechs Levels bestehen. Diese sind mal länger, mal kürzer, sind gespickt mit Ebenen, Bergen, Pyramiden, sich bewegenden Plattformen, wegbrechenden Untergründen, Münzen und der üblichen Gegnerschar aus Gumbas, Koopas, Hammerbrüdern, Boos usw. Dazwischen warten Geisterhäuser, Luftschiffe und Bowsers Festungen. In jedem Level sind drei Große Münzen versteckt. Sammelt man genug von ihnen, lassen sich weitere Abschnitte freispielen. Auf der Mission, seine pink liebende Prinzessin zu befreien, findet Mario diverse Kostüme. Darunter ist die beliebte Feuerblume, die bereits seit frühesten Tagen bekannt sein dürfte. Neu ist der Bumerang, und das in SUPER MARIO BROS. 3 eingeführte Tanooki Kostüm, das Mario in eine Art Waschbär verwandelt, mit dessen Schwanz Nintendos Maskottchen durch die Luft schweben kann.

Technisch ist SUPER MARIO 3D LAND ausgereift. Natürlich bekommt man hier keine fotorealistische Grafik geboten. Dafür ist ist alles crisp und scharf, Gegner lassen sich auch aus einiger Entfernung als solche erkennen, da es dank der hohen Auflösung des 3DS-Bildschirms nicht zu pixelig wird. Wasser- und Glanzeffekte fallen genauso gut aus wie bei SUPER MARIO GALAXY. Alles ist schön bunt und knallig. Der 3D-Effekt ist nicht zu drastisch, aber für einige Levels absolut notwendig, um Entfernungen perfekt abschätzen zu können. Etwas problematisch ist der Kamerawinkel, der sich nicht groß drehen lässt. Zwar ist alles gut erkennbar, was vor einem liegt, doch wenn man mal zurück laufen will, kann zu einem Sprung in die Leere kommen. Ein ungewohntes Manko für ein SUPER MARIO Spiel. Das Gehör bekommt jede Menge teilweise aus Vorgängern bekannte Melodien geboten, die allesamt Ohrwurmqualitäten haben.

"... Hineinspringen, wie ein Maulwurf drin wühlen, es hoch werfen und sich auf die Glatze prasseln lassen..."

Auf den ersten Blick richtet sich SUPER MARIO 3D LAND an den unerfahrenen Spieler. Die Levels sind zwar allesamt recht komplex ausgefallen, aber dafür extrem einfach zu absolvieren. Selbst, die drei Großen Münzen zu finden, ist keine große Leistung. Und dennoch haben es Nintendos Programmierer geschafft, dass man sich am Ende jeden Levels wie ein kleiner Held fühlt. Das gelingt nur Nintendo. Aber erfahrene Spieler sollten sich davon nicht abschrecken lassen: Nach dem ersten Durchspielen wird der Special-Kurs freigeschaltet, der alle acht Welten mit veränderten Levels bietet, die so anspruchsvoll sind, dass man sich eher einen Knoten in die Finger spielt, bevor man das Ende dieses Durchgangs erlebt (mir tut immer noch mein linker Daumen weh).

SUPER MARIO 3D LAND wird vielleicht kein Klassiker der Marke SUPER MARIO WORLD und die Levels sind zwar kreativ aber um Längen nicht so kunstvoll wie bei SUPER MARIO GALAXY, aber dennoch bietet das Spiel ein bombastisches Maß an Spaß, das jede Generation von Spielern zufrieden stellen dürfte. Ein weiteres Mal beweist Nintendo, dass der 3D-Effekt seines neuesten Wunderkinds kein aufgesetztes Gimmick sein muss, sondern effektiv-elementares Bestandteil des Spielerlebnisses sein kann und sollte. Ein Must-Have für den 3DS und jeden Mario-Fan.

Lego Star Wars - Die Padawan Bedrohung

2011-12-03T17:31:00.005+01:00

Auch wenn man es auf den ersten Blick glauben könnte: Bei LEGO STAR WARS - DIE PADAWAN BEDROHUNG ("Lego Star Wars - The Padawan Menace", 2011) handelt es sich nicht um eines der mittlerweile zahlreichen Videospiele, welche die Themen STAR WARS und Lego gekonnt miteinander verknüpfen und damit Millionen Spieler an diverse Konsolen fesseln. Obwohl es aus der Lego-Reihe mittlerweile auch Titel über INDIANA JONES, BATMAN, HARRY POTTER und PIRATES OF THE CARIBBEAN gibt, sind es noch immer die Abenteuer aus George Lucas´ Universum, die besonders begeistern. Wahrscheinlich kommt hier der typische Lego-Humor, der ohne Worte auskommt, am besten rüber. Ein böse grummelnder, aber zum liebhaben knuffiger Darth Vader hat eben was. Und abgesehen davon verkauft sich ja scheinbar alles gut, auf dem das STAR WARS Logo prankt.

Die drolligen Lego-Figuren bieten sich geradezu an für jede Menge Komik, und so wundert es nicht, dass die zum Totlachen witzigen Zwischensequenzen der Lego-Spiele bereits diverse Kurzfilme zum Thema inspirierten. Dies wurde nun konsequent zu Ende gedacht, indem man einen "richtigen" Lego-Film auflegte. "Richtig" im Sinne davon, dass eine längere Story (natürlich in Lego-Optik) erzählt wird, denn rein technisch gesehen ist DIE PADAWAN BEDROHUNG mit knapp 22 Minuten Laufzeit noch immer ein Kurzfilm. Zeitlich ist er in der CLONE WARS Ära angesiedelt, wobei man die Geschichte nicht zu ernstnehmen sollte. Immer wieder werden auch Elemente aus der Klassischen Trilogie mit hineingenommen. Kontinuitätsjünger (sprich: hoffnungslose Nerds) werden hier reihenweise explodierende Köpfe erleben, alle anderen bemerken, worum es den Machern wirklich ging: Spaß!

"Merchandising Wars? Was meinst Du damit, R2?"

Meister Yoda führt eine Gruppe von Jedi-Kindern auf eine Besichtigungstour von Coruscant. Sie bemerken nicht, dass sich unter die Kinder ein vorwitziger Waisenjunge namens Ian gemischt hat. Als die Sith-Schülerin Asajj Ventress im Senatsgebäude auftaucht, übergibt der Jedi-Meister die Padawane in die Obhut von C-3PO und R2-D2. Natürlich kommt es, wie es kommen muss: Die Droiden und ihre jungen Begleiter werden in die Kampfhandlungen verwickelt und finden sich bald auf Tatooine wieder, während Yoda, Ian und Commander Cody nach Hoth aufbrechen, um die Agenten der Separatisten ausfindig zu machen. Bis die Gruppe am Ende wieder vereint ist, müssen die Freunde eine Reihe wahnwitziger Abenteuer durchstehen.

"Nein, Vader, das sind MEINE Spielsachen! Finger weg!"

DIE PADAWAN BEDROHUNG ist in erster Linie ein überlanger Werbespot für STAR WARS Spielzeug aus dem Hause Lego. Und natürlich richtet sich das Filmchen vor allem an Kinder. Aber das ganze ist so witzig und unterhaltsam, dass auch erwachsene Fans aus dem Schmunzeln und Kichern nicht rauskommen werden. Beinahe jede Einstellung wartet mit gelungenen Hintergrundgags auf, und sogar die Dialoge (im Original wird C-3PO natürlich von Anthony Daniels gesprochen) sind echt komisch. Wer die Lego-Spiele mochte, wird DIE PADAWAN BEDROHUNG lieben. Auf Bluray sieht das Bild zudem absolut spitzenmäßig aus, und die kurze Dauer wird durch mehrere Kurzfilme im Bonusmaterial zumindest halbwegs ausgeglichen. Weniger schön ist, dass in der deutschen Veröffentlichung die "Ian"-Minifigur fehlt, die zumindest in der US-Version dabei ist. Schade.

Wer sich mit dem Preis von knapp 10 Euro arrangieren kann und sich STAR WARS Fan schimpft, kann mit dem Kauf eigentlich nichts falsch machen. George Lucas´ Saga lebt jenseits der Filme mittlerweile von einer stetig zur Schau gestellten Riesenportion Selbstironie, und in diesem Lego-Abenteuer gibt es davon eine Menge. Wir haben es hier nicht mit einem Meilenstein zu tun, aber auch kleine Häppchen mögen zu unterhalten. Empfehlenswert!

Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 1-2-3

2011-11-13T09:19:00.004+01:00

Vor vielen Jahren stolperte ich zu später Stunde auf einem der dritten Programme über den Film STOPPT DIE TODESFAHRT DER U-BAHN 1-2-3. Auf den ersten Blick erkannte ich, dass es sich dabei um eine Produktion aus den 70er Jahren handelte und vermutete hinter dem grausigen (deutschen) Titel eine Trashperle aus dem Katastrophen-Genre, welches ja im Jahrzehnt der Schlaghosen und Discomusik so extrem populär war. Laut Vorspann spielten mit Walter Matthau und Robert Shaw zwei bekanntere Schauspieler mit, die auf jeden Fall Lust auf mehr machten. Was dann folgte, überraschte mich: Kein Film über eine außer Kontrolle geratene U-Bahn (okay, fast), sondern ein knallharter Thriller. TODESFAHRT fesselte mich so sehr, dass ich bis zum Ende dabei blieb. Kein Wunder, dass Jahre später die dazugehörige DVD ihren Platz in meiner Sammlung fand. Ich ging immer davon aus, dass ich einer der wenigen war, die den Film überhaupt kannten. Aber scheinbar bin ich in bester Gesellschaft, da Quentin Tarantino seine Gangster aus RESERVOIR DOGS mit den gleichen Code-Namen wie hier versah: „Mr Brown“, „Mr Blue“ etc.

STOPPT DIE TODESFAHRT DER U-BAHN 1-2-3 („The Taking of Pelham 1-2-3“, 1974) basiert auf dem Roman von John Godey, weicht aber in vielerlei Hinsicht von der Vorlage ab. Wo das Buch aus den Perspektiven etlicher unterschiedlicher Charaktere geschildert wird, erlebt der Kinozuschauer es in erster Linie aus dem Blickwinkel des U-Bahn-Polizisten Zachary Garber (Walter Matthau) und der beiden Entführer Mr Blue (Robert Shaw) und Mr Green (Martin Balsam). Der Film war so erfolgreich, dass zum einen die New Yorker U-Bahn-Gesellschaft auf Jahre Abfahrten der Züge von Pelham um 1:23 Uhr aussetzte, zum anderen zwei überflüssige Remakes, die mal mehr auf dem Roman, mal mehr auf der ersten Verfilmung basierten, produziert wurden. Zuletzt geschah dies 2009 mit Denzel Washington und John Travolta in den Hauptrollen.

"Wenn Du noch einmal etwas gegen mein Hemd sagst, setzt es was!"

Als Lieutenant Garber eine Gruppe japanischer U-Bahn-Direktoren durch die Sicherheitszentrale der New Yorker U-Bahn führt, ahnt er nicht, dass ihm ein entsetzlicher Tag bevorsteht. Erst als sich der Zug Pelham 1-2-3 scheinbar verselbstständigt und damit den Fahrplan durcheinanderbringt, bemerkt man, dass da etwas nicht stimmt. Schließlich erreicht Garber die Nachricht, dass der Zug mitsamt seiner Insassen von vier schwerbewaffneten Männern (Shaw, Balsam, Hector Elizondo, Earl Hindman) gekidnappt wurde. Die Entführer fordern eine Million Dollar Lösegeld und setzen ein äußerst knapp gemessenes Ultimatum an. Während der Bürgermeister (Lee Wallace) mit sich hadert, ob er das Geld wirklich bereitstellen soll, tut Garber alles dafür, die Verbrecher hinzuhalten und das Überleben der Geiseln sicherzustellen. Doch der Anführer der Gangster, der gefühlskalte Mr Blue, lässt ihn schnell den Ernst der Lage spüren...

Regisseur Joseph Sargent gelingt es leichtfüßig, eine packende Spannung aufzubauen, die den Zuschauer in ihren Bann zieht. Allein das Grundthema sorgt dafür, dass man sich gut in die Geschichte hineinversetzen kann – denn jeder fährt wohl irgendwann einmal mit der U-Bahn, und die Vorstellung tief unter der Erde von kaltblütigen Gangstern festgehalten zu werden, dürfte ausreichen, einen zum Schlucken zu bringen. Aber: Sargent tut gut daran, aus TODESFAHRT keinen ultrabrutalen Thriller zu machen. Denn dafür wird die Story durch viel (teilweise sehr schwarzen) Humor aufgeweicht, wodurch der Film zu einem perfekten Unterhaltungsstück wird. Natürlich ist das vor allem den beiden Hauptdarstellern zu verdanken. Matthaus Garber ist ein gemütlicher Typ, ein Arbeiter, der seinen Job gut und gerne macht, in dieser Extremsituation einen kühlen Kopf behält und souverän durch die Krise steuert. Mit ihm möchte man gerne mal einen trinken gehen. Dem gegenüber steht der berechnende Mr Blue von Robert Shaw, dessen einzige Gefühlsregungen mühsam unterdrückte Ungeduld und Hass sind. Das Duell zwischen diesen beiden Protagonisten prägt den Film.

"Nächster Halt: Transsylvanien!"

Man darf aber nicht vergessen, was TODESFAHRT noch ist: Eine Ode an New York. Garber und seine Mitarbeiter (darunter Jerry Stiller) sind Prototypen der Menschen vom Hudson River. Aber auch die Geiseln innerhalb der U-Bahn geben ein perfektes Abziehbild der Metropole ab: Ein bunt gemischter Haufen aus allen Ebenen der Gesellschaft. Sie streiten, beleidigen sich, halten aber dennoch zusammen, wenn es die Situation erfordert. Mr Blue (mit starkem britischem Akzent) und seine Gangster wirken da wie Störfaktoren, die nicht in diese Welt gehören. Sie stören in mehrfacher Hinsicht die Harmonie, werden aber sehen, was sie davon haben, in den Großstadtdschungel einzudringen, der doch eigentlich nicht ihr Revier ist. Da hat der ebenfalls in New York lebende Mr Green noch die besten Überlebenschancen...

Bevor ich zu sehr in Spoiler-Territorien abdrifte, beende ich dieses Review lieber. Ich möchte nur noch sagen, dass STOPPT DIE TODESFAHRT DER U-BAHN 1-2-3 zu meinen absoluten Lieblingsfilmen jenseits der phantastischen Genres gehört. Lasst euch nicht von der bunten MTV-Ästhetik des 2009er Remakes blenden: Das hier ist die echte Verfilmung, die jeder Filmfan gesehen haben sollte. Punkt.

Der Hund von Baskerville

2011-11-11T18:48:00.005+01:00

DER HUND VON BASKERVILLE ist wohl die bekannteste Geschichte um Englands berühmtesten Detektiv Sherlock Holmes. Der Stoff wurde unzählige Male verfilmt, wahrscheinlich auch, weil er mit der spannenden Kriminalgeschichte auf der einen und den gruseligen Horrorelementen auf der anderen Seite genug Möglichkeiten bietet, ein episches Kinoabenteuer zu erzählen. Als die Hammer-Studios den Plan ins Auge rückten, eine Serie von Sherlock-Holmes-Filmen zu produzieren, verwundert es darum auch nicht, dass man DER HUND VON BASKERVILLE als Startpunkt auswählte. Trotz moderaten Erfolges (obwohl der Film seitens der Kritiker nicht so wohlwollend aufgenommen worden war) blieb es aber bei diesem einen Holmes-Titel aus dem Hause Hammer.

Dabei fuhr man alles auf, was die zuvor im Kino so wunderbar eingeschlagenen Horrorstreifen ausgemacht hatte: Peter Cushing als Sherlock Holmes, Christopher Lee als Sir Henry Baskerville, Terence Fisher als Regisseur und James Bernard zuständig für Musik. Damit hatte man das Quartett zur Hand, das bereits DRACULA und FRANKENSTEINS FLUCH unverwechselbar gemacht hatte. Gefilmt in Surrey (das für Dartmoor herhielt) und in den bereits berühmten Bray-Studios, sollte der Film die gleiche Optik aufweisen wie die bisherigen Produktionen. Peter Bryan nahm sich Sir Arthur Conan Doyles Roman vor und adaptierte ihn in ein Drehbuch, das einen stärkeren Schwerpunkt auf die Horrorelemente legte als die Vorlage.

"Schnittchen? Käffchen? Milch und Zucker?"

Dr. Mortimer (Francis De Wolff) bittet Sherlock Holmes und Dr. Watson (André Morell) auf den Neffen seines vor kurzem unter mysteriösen Umständen verstorbenen Freund Sir Charles Baskerville aufzupassen. Mortimer ist der festen Überzeugung, dass Baskerville dem Höllenhund aus dem Familienfluch zum Opfer gefallen ist. Sir Henry, der letzte Erbe, könnte das gleiche Schicksal drohen. Da Holmes verhindert ist, beauftragt er Watson Sir Henry nach Dartmoor auf das Baskerville-Anwesen zu begleiten. Seine Aufgabe ist es, nicht von der Seite seines Schützlings zu weichen. Doch das stellt sich schwieriger heraus, als ursprünglich geplant, denn neben einem Vogelspinnenangriff, dem tückischen Moor, und unheimlichen Lichtern in der Nacht geht Gefahr auch von einem entflohenen Mörder aus. Und dann ist da noch dieses unheimliche Heulen in der Nacht...

Die zeitgenössischen Kritiker können über DER HUND VON BASKERVILLE ("The Hound of the Baskervilles", 1959) sagen, was sie wollen: Der Film gehört zum Besten, was Hammer je produziert hat. Es sieht so aus, als hätte man all die Erfahrung, die man in den Vorgängerproduktionen machte, zu einem großen Kinoerlebnis vereint. Natürlich, die teilweise erheblichen, und mitunter nicht ganz nachvollziehbaren Abweichungen von der Vorlage sind typisch für Hammer und kommen teilweise etwas plump daher, wenn man ein Holmes-Purist ist. Aber Fans der Horrorschmiede bekommen genau das, was man erwarten darf. Und ich muss gestehen, dass ich das Ausbauen des Mortimer-Charakters zu einem weiteren Verdächtigen durchaus clever fand.

"Da guckst Du blöd, was?!"

Cushing agiert souverän und glaubwürdig wie immer. Man spürt, dass er ein großer Verfechter seines Charakters ist, und ihn mit viel Liebe zum Detail umsetzt. Aber besonders Christopher Lee, der als charismatischer Frauenheld auftritt und endlich mal mehr Text als "Guten Abend, Mr. Harker" oder "Grrrrr! Fauch!" hat, kommt voll zum Zuge und kann seine Vielseitigkeit beweisen. Es wirkt beinahe so, als wären die beiden Mimen froh, sich ihrer Gruselfesseln entledigt zu haben, und in einem halbwegs "normalen" Film spielen zu dürfen. Aber auch André Morell, der in vielen Hammer-Produktionen in Nebenrollen auftrat, macht das mögliche aus dem Script. Sein Watson ist nicht der tolpatschige Trottel anderer Adaptionen, sondern durchaus in der Lage, seinem Freund Holmes so manchen Denkansatz mit auf den Weg zu geben. Darüber hinaus legt Fisher eine überraschend einfallsreiche Regie an den Tag. Dabei spielen die stimmungsvollen Sets aber vor allem die atmosphärischen Außenaufnahmen eine große Rolle. Hier stört auch das exzessive Day-for-Night-Filming kaum.

Die Geschichte ist altbekannt, wird hier aber in einem schönen Rahmen präsentiert, der alle Fans des Gothic-Horrors begeistern dürfte. DER HUND VON BASKERVILLE ist keine Sekunde langweilig, schauspielerisch und drehtechnisch auf hohem Niveau und ein Paradebeispiel dafür, wofür diese Produktionsfirma einst stand. Im Gegensatz zu manch anderer Hammer-Produktion ist diese in keiner Weise angestaubt und wirkt noch immer frisch, unterhaltsam und rundherum gut.

Krieg der Eispiraten

2011-11-10T11:50:00.005+01:00

Es gibt Sachen aus der Kindheit, die man mit so verklärtem Blick betrachtet, dass es wahrscheinlich nicht gut wäre, sich als Erwachsener diese Sachen nochmal anzusehen. Das ist der Grund, warum ich es bislang nicht über´s Herz gebracht habe, mir DIE DREIBEINIGEN HERRSCHER auf DVD zuzulegen. Die britische Science-Fiction-Serie war für mich Horror pur, den ich als Dreikäsehoch wöchentlich im ZDF genossen habe. Ich befürchte nur, dass mich die schlechten Trickeffekte heutzutage auf den Boden der Tatsachen zurückholen und mir all die schönen Erinnerungen kaputtmachen würden. Das will ich (noch) nicht, von daher hoffe ich einfach, dass es irgendwann einmal eine (sogar geplante) Neuverfilmung des Stoffes geben wird.

Eine andere Geschichte, die garantiert nicht neu aufgelegt werden wird, ist der Film KRIEG DER EISPIRATEN. Eine Science-Fiction-Komödie, die irgendwann in den 80er Jahren im Spätprogramm der ARD lief und von meinen Freunden und mir auf Video aufgenommen wurde. Damals war man Fan von STAR WARS und KAMPFSTERN GALACTICA, also freute man sich über jedes neue Weltraumabenteuer. KRIEG DER EISPIRATEN ("The Ice-Pirates", 1984) lieferte mir damals genau das. Ich habe den Film x-mal gesehen und konnte ganze Szenen mitsprechen. Hey, auf dem Schulhof habe ich mit meinen Kumpels und Kumpelinen neben HE-MAN und besagtem STAR WARS auch regelmäßig KRIEG DER EISPIRATEN gespielt. Es lässt sich also sagen: Ich war ein Fan. Nun sind zwanzig Jahre vergangen, seitdem ich den Streifen zuletzt gesehen hatte, und wahrscheinlich war es die nostalgische Verklärung, die mich bislang davon abgehalten hatte, mir die DVD zu kaufen. Doch ein Mann muss tun, was ein Mann tun muss, und daher ist die silberne Disc nun doch bei mir eingetrudelt. War dies weise?

So sieht eine glückliche Familie aus...

Die gesamte Galaxis leidet unter einer furchtbaren Dürre. Der Orden der Templer verfügt über die letzten Wasservorräte und beherrscht damit effektiv die Galaxis. Eine Gruppe von Piraten - angeführt von Frauenheld Jason (Robert Urich) und seinem Freund und Roboterexperten Roscoe (Michael D. Roberts) - überfällt regelmäßig die Wasserkonvois der Templer, um mit dem erbeuteten Nass über die Runden zu kommen. Bei einem ihrer Unternehmungen entern Jason und seine Crew das Schiff der schönen Prinzessin Karina (Mary Crosby). Abgelenkt von der berühmten "Liebe auf den ersten Blick" wird der Piratenkapitän nachlässig und auf der Flucht von den Templern gefangengenommen. Gemeinsam sollen er und Roscoe zu Eunuchen-Sklaven gemacht werden, doch verbotenerweise rettet Karina die beiden Glückspilze vor diesem Schicksal - allerdings nicht ohne Gegenleistung. Jason soll ihr dabei helfen, ihren verschollenen Vater (Myron Natwick) zu finden. Angeblich besitzt dieser das Wissen, wie man zur sagenumwobenen "siebten Welt" gelangen kann - wo genug Wasser für alle existiert...

Ach ja... Erst einmal: Nerdigerweise kann ich immer noch Teile des Films mitsprechen. Und beim Sehen ist mir wieder etwas in Erinnerung gekommen, das ich ganz vergessen hatte: Als Kind liebte ich die ersten zwei Drittel des Films und fand das Ende öde. Mit gutem Grund, wie ich jetzt merke. KRIEG DER EISPIRATEN wirkt wie für´s Fernsehen gedreht. Die Hauptrollen werden allesamt von Darstellern verkörpert, die man aus dem TV kennt - mit Ausnahme von Ron Perlman und Anjelica Huston (!), die hier in ihren schauspielerischen Anfängen steckten. Die Trickeffekte sind für das offensichtlich geringe Budget gut, können sich aber natürlich nicht mit großen Produktionen wie STAR WARS, STAR TREK oder ALIEN messen. Einige Effekte sind sogar aus anderen Filmen wie ROLLERBALL übernommen worden. Der Humor ist infantil, die Roboter ulkig, die Bösewichter ohne jede Tiefe und es wird aus den großen Vorbildern zusammengeklaut, was nicht niet- und nagelfest ist (sogar eine MAD MAX Sequenz ist dabei).

"Das Schiff ist krank... es hat Herpes..."

Aber das kommt mit einem gewissen Charme daher, so dass man sich in der ersten Stunde des Films gut unterhalten fühlt. Nichts nimmt sich ernst, und gerade junge Zuschauer bekommen viele unterhaltsame Momente geboten. Das ändert sich dann aber schlagartig und zwar mit einer Sexszene, die in einem Film, der bis daher trotz einiger abgetrennter Gliedmaße eher drollig-kindlich im Stile eines Bud-Spencer-Streifens daherkam, völlig irritierend wirkt. Okay, die Sequenz ist harmlos gefilmt, aber schon als Kind war ich der Meinung, dass dies in dem Film nichts zu suchen hätte. Und tatsächlich: Ab dem Moment kippt alles, und der Film trudelt müde bis zum Ende. Der Showdown ist lachhaft (vielleicht auch, weil er über-ambitioniert ist für so ein B-Movie) und total unbefriedigend.

Schade. Fast hätte es zu einem richtig spaßigen kleinen Filmchen gereicht. Aber leider geht KRIEG DER EISPIRATEN auf den letzten Metern dann doch die Puste aus. Ideen wie der "Weltraum-Herpes" bleiben allerdings in Erinnerung, so dass alte Fans zumindest das eine oder andere Mal schmunzeln können. Im Großen und Ganzen wird hier keine Nostalgie kaputtgemacht, man merkt eher, dass der Film eine Verklärung im Grunde genommen gar nicht verdient hatte. Aber das klingt eigentlich fast schon zu böse. Als Lehrer würde ich diesem Projekt ein "befriedigend" geben - denn über weite Strecken ist KRIEG DER EISPIRATEN das.

Resident Evil: The Mercenaries 3D

2011-11-09T19:16:00.007+01:00

Immer wenn eine neue Konsole auf den Markt kommt, bemühen sich diverse Hersteller direkt diverse Launchtitel parat zu halten. Dabei handelt es sich meist um Spiele, die oftmals sehr schnell und eher lieblos herunterprogrammiert wurden. Dennoch bringt der Umstand, unter den ersten zu sein, welche das neue Spielgerät mit Software versorgen, den Vorteil, viele Käufer zu finden, weil die Gamerschaft einfach danach giert, die Hardware mit möglichst vielen Spielen zu füttern. Solche Schnellschüsse verlieren schnell an Attraktivität, sobald sich das Softwareangebot entsprechend vergrößert.

Ich gestehe, dass ich enttäuscht war, als Capcom RESIDENT EVIL: THE MERCENARIES 3D für den 3DS ankündigte - auch wenn der Titel optisch ansprechend aussah. Wir haben es hier mit keinem vollwertigen Spiel zu tun, das die RESIDENT EVIL Story weiterspinnt. Nein, es handelt sich vielmehr um einen "Remix" eines Bonusspiels, das bereits aus RESIDENT EVIL IV und V bekannt sein dürfte. Capcom hat diesem Extramodus einfach einen neuen Rahmen spendiert und - voila - fertig ist ein Vollpreistitel. Glücklicherweiser wurde gemeinsam mit dem vorliegenden Spiel mit RESIDENT EVIL: REVELATIONS ein weiterer 3DS-Spross vorgestellt, der mit einer richtigen Story aufwartet und die Hauptgeschichte bereichert. Und Capcom tat gut daran, eine (kurze) Demo von REVELATIONS MERCENARIES hinzuzufügen. Doch immer der Reihe nach:

Michael Bay´s DER NAME DER ROSE

MERCENARIES 3D ist ein Ballerspiel, wie es im Buche steht. Im Grunde genommen geht es lediglich darum, sich einen Charakter aus einer Auswahl bekannter Resi-Figuren auszusuchen, um daraufhin in diversen Arenen, die an Schauplätze der letzten beiden Serienableger angelehnt sind, ein Massaker anzurichten. Dabei kämpft man logischerweise nicht gegen die Zombies, welche die Reihe berühmt gemacht haben, sondern an die Gegner aus Teil IV und V: Von Parasiten befallene Los Illuminados Mönche und Majini. Dazu gesellen sich mehrere Zwischen- und Obermotze. Das eigentliche Spielprinzip bedeutet, dass man in einem bestimmten Zeitlimit möglichst viele Gegner erledigt. In den Schauplätzen sind Bonusgegenstände verteilt, welche Combo-Boni erhöhen oder die begrenzte Zeit erweitern. Bei entsprechendem Erfolg werden neue Arenen, bzw. neue Aufgaben in besagten Arenen freigeschaltet. Außerdem lassen sich neue Waffen, Trophäen und Charaktere erspielen.

Man merkt: Das Spiel an sich ist stupide und auf pure Action ausgelegt - die aber durchaus zu unterhalten weiß. Wer einmal überwunden hat, hier keine schöne B-Movie-Story präsentiert zu bekommen, wird sicher so manche launige Stunde vor seinem 3DS verbringen können. Es motiviert, ständig neue Highscores zu knacken und dadurch diverse Boni freizuspielen - zumindest eine Zeit lang. Irgendwann setzt dann doch etwas Langeweile dabei ein, durch die immer wieder gleichen Arenen zu hetzen, und die sich wiederholenden Gegnerhorden niederzumetzeln. Arcade-Fans, die darin aufgehen, ständig neue Rekorde aufzustellen, werden mit MERCENARIES garantiert den meisten Spaß haben. Online lässt sich auch im Verbund mit Freunden kämpfen.

"The Doctor is in!"

Kommen wir zum Technischen, und dazu gehört auch die Steuerung. Diese geht nach einer kleinen Eingewöhnungsphase flott von der Hand, so dass man meistens den Überblick im Kampf gegen die Infizierten behält. Nur wenn es von allen Seiten auf einen zuströmt, wird´s etwas haarig - aber das trägt der Stimmung nur bei. Grafisch wird für 3DS-Verhältnisse ganz großes Kino aufgefahren. Natürlich kann das Ganze nicht mit RESIDENT EVIL V mithalten. Dafür mangelt es an ausgeklügelten Lichteffekten, Animationsphasen und hochauflösenden Texturen. Dennoch sieht das Spiel verdammt gut aus, und dass selbst bei größtem Gegneraufkommen kein Ruckeln auszumachen ist, zeigt, dass in Nintendos neuestem Kind eine Menge Power steckt, die in den kommenden Jahren sicher noch weiter ausgereizt werden wird. Dafür hinkt der Sound etwas hinterher. Die Musik pumpt zwar noch halbwegs okay ins Gehör, dafür rascheln die Soundeffekte doch arg blechern aus den Lautsprechern.

Noch etwas zum Drumherum. MERCENARIES 3D besitzt einen nicht-löschbaren Spielstand, wodurch ein Gebrauchtkauf einen unveränderbaren Status an freigeschalteten Extras mit sich bringt. Also: Lieber neu kaufen, wenn man sich nicht um etwas Spaß bringen will. Wie bereits anfangs erwähnt, befindet sich auf der Karte auch eine Demo, die einen kurzen Einblick in das im Frühjahr 2012 erscheinende RESIDENT EVIL: REVELATIONS gewährt. Auch wenn man hier nach fünf Minuten bereits alles gesehen hat, bekommt man Lust auf mehr. Traurig, dass die Demo mehr Gruselstimmung verbreitet als das Hauptspiel...

Wie dem auch sei: Highscore-Jäger werden MERCENARIES 3D lieben und sicher nicht so schnell aus der Hand legen können. Resi-Komplettsammler schlagen ohnehin zu. Und auch Grafikfetischisten darf das Spiel wärmstens empfohlen werden. Wer ein gehaltvolleres Erlebnis auf seinem 3DS sucht, sollte lieber zu OCARINA OF TIME greifen.

The Green Hornet

2011-11-02T20:41:00.002+01:00

THE GREEN HORNET ist ein Comicheld aus den 30ern, der zu damaliger Zeit vor allem durch packende Radio-, später auch Kino-Serials von sich reden machte. Ende der 60er Jahre erfuhr der Charakter einen erneuten Popularitätsschub durch eine Fernsehserie, in der Kato – der Gehilfe des Titelhelden – von niemand geringeren als Bruce Lee verkörpert wurde. Seit den 90er Jahren geisterte immer wieder das Gerücht umher, dass es eine Kinofassung des Stoffes geben sollte. Diverse Regisseure und Schauspieler (u.a. George Clooney und Jackie Chan) wurden mit dem Projekt in Verbindung gebracht, ohne dass - abgesehen von einem französischen Kurzfilm – etwas greifbares dabei herumkam.

Das änderte sich schließlich, als 2007 Comedian Seth Rogen („Beim ersten Mal“) sich daran machte, aus dem Stoff ein „Buddy-Movie“ zu machen, der mit viel Humor an solche modernen Klassiker wie NUR 48 STUNDEN und LETHAL WEAPON anknüpfen sollte. Regisseur Michel Gondry (VERGISS MEIN NICHT), der bereits zuvor schon einmal an der Entwicklung einer Filmversion beteiligt gewesen war, stieß erneut hinzu. Während Rogen sich die Titelrolle auf den Leib schrieb, gesellten sich Stars wie Cameron Diaz, und der jüngst durch INGLORIOUS BASTERDS international bekannt gewordene Christoph Waltz hinzu. Mit Jay Chou, einem taiwanesischen Multitalent in Sachen Film und Musik, besetzte man die Rolle des Kato mit einem im Westen eher unbekannten Darsteller, der jedoch in Sachen Martial Arts einiges zu bieten hat.

"Wer macht sich hier über mein Kostüm lustig, hä?! Wer?!"

Britt Reid (Seth Rogen) ist reicher Playboy in seinen 20ern, der auf Kosten seines Vaters (Tom Wilkinson), eines Zeitungsmoguls, lebt. Zu diesem hat er eine äußerst schlechte Beziehung, da er ihm doch nur Vorwürfe macht und stets mehr Zeit in die Arbeit als in seinen Sohn investiert hat. Als sein Vater jedoch an einer allergischen Reaktion auf einen Bienenstich stirbt, sieht sich Britt gezwungen, die Geschäfte seines Vaters zu übernehmen. Doch dazu fehlt ihm jede Lust und Motivation. Viel lieber beschäftigt er sich mit dem ehemaligen Chauffeur seines Alten. Kato (Jay Chou) hat in den riesigen Fuhrpark des Hauses Reid allerlei Spielereien wie Panzerglas eingebaut. Als die beiden eher zufällig einen Überfall auf ein junges Pärchen vereiteln, weiß Britt mit einem Mal, was er aus seinem Leben machen will: Als Kämpfer für das Gute, als „Green Hornet“, wird er es mit der Unterwelt aufnehmen. Doch je erfolgreicher das neue Heldenduo wird, desto mehr gewinnen sie die Aufmerksamkeit des Obergangsters Chudnofsky (Christoph Waltz), der andere Gegner schon aus weniger gewichtigen Gründen brutalst ermordet hat...

Technisch gesehen ist THE GREEN HORNET (2011) eine runde Sache. Auch wenn hier oder da mit den Effekt-Haschereien übertrieben wurde, wissen die perfekt choreographierten Kampfszenen zu begeistern. Das „Black Beauty“ Auto würde in jeden JAMES BOND Film passen, und auch die digitialen Tricks sind sehr gut gelungen. Ich habe nicht die 3D-Version des Streifens sehen können, aber auch in 2D wirkt alles sehr plastisch, farbig und lebendig. Den Schauspielern (mit einer Ausnahme, dazu gleich mehr) merkt man an, dass sie mit viel Spaß an die Sache herangegangen sind. Besonders Christoph Waltz sticht – wieder einmal – hervor. Er gibt hier im Grunde genommen nichts anderes als eine Parodie auf seinen Hans Landa. Das ist nicht sehr einfallsreich, aber sehr unterhaltsam. Aber auch Jay Chou zeigt, dass er ein großer Fan der Lee-Serie war, und gibt alles, um in diese Fußstapfen treten zu können.

"Hier drin steht, dass ich als Deutscher in Hollywood per Gesetz den nächsten Bond-Bösewicht spielen MUSS."

ABER: Der Humor des Films geht gar nicht. Seth Rogen ist ohnehin jemand, der mit seiner Komik polarisiert. Ich habe nichts gegen ihn und finde auch einige Komödien von Judd Apatow – Rogens Weggefährte – richtig klasse. In THE GREEN HORNET funktioniert der Witz aber leider gar nicht, und auch Rogens Darstellung ist ein Totalausfall. Ja, natürlich soll es eine Wandlung des Charakters geben, aber bis kurz vor Ende ist Rogens Britt Reid so ein unsympathisches Arschloch, dass man ihm nie die Daumen drückt. Davon abgesehen sorgen auch die vielen Toten nicht dafür, dass die „Green Hornet“ besonders heldenhaft wirkt. Dieses Manko reißt den ganzen Film herunter. Aber auch die völlig fehl besetzte Cameron Diaz spielt, als wüsste sie gar nicht, was sie da gerade macht. Ihr humoristisches Talent bleibt ungenutzt, und man spürt regelrecht, dass sie sich allein als das „blonde Love-Interest“ gar nicht eignet.

THE GREEN HORNET hat ein paar Elemente, die ihn sehenswert machen, aber im großen und ganzen bleibt ein Werk zurück, das einfach nicht in sich stimmig ist, und den Zuschauer oftmals eher verärgert als unterhält. Das ist bedauerlich, da man einfach sagen muss, dass hier viel Potential verschenkt wurde. Einmal ausleihen und anschauen reichen hier völlig aus.

The Walking Dead (Season One)

2011-10-30T13:41:00.005+01:00

In den 80er Jahren waren Zombies ein sehr beliebtes Thema im Horrorfilm. Angestachelt durch den enormen Erfolg von George A. Romeros DAWN OF THE DEAD überschwemmten Dutzende Trittbrettfahrer den Kino- und Videomarkt. Vor allem im Letzteren erschienen endlos viele, auf billigste Weise schnell herunter gekurbelte Zombiestreifen, die in erster Linie durch brutale Splattereffekte, weniger durch interessante Storys auffielen. So ganz war das Subgenre „Zombie“ nie verschwunden, aber in den 90ern ebbte der Strom an neuen Produktionen etwas ab. Erst in den 2000er Jahren ging es wieder los. Filme wie das Remake zu DAWN OF THE DEAD oder die Videospielverfilmungen zu RESIDENT EVIL lockten eine ganze Armee von Fans in die Kinos. Neben den zusätzlichen „Direct-to-DVD“-Produktionen stöhnten sich die Untoten aber auch durch diverse andere Medien. In Video- und Computerspielen konnte man nun selbst die Shotgun in die Hand nehmen und beinahe photorealistisch den Zombies mit einem gezielten Kopfschuss Einhalt gebieten. Aber auch in der Welt der Comics machten sich die verwesenden Grabflüchter einen Namen. Man denke nur an die Marvel-Zombies. Eine Reihe schaffte es, nicht nur ein großer kommerzieller Erfolg zu werden, sondern auch bei den Fachleuten extrem gut anzukommen: THE WALKING DEAD, ersonnen von Robert Kirkman.

Der Erfolg dieser Heftchenserie blieb auch Hollywood nicht verborgen. Gale Anne Hurd, Produzentin des TERMINATOR, schnappte sich die Filmrechte gemeinsam mit Frank Darabont. Überraschenderweise sollte das ganze aber kein Kinofilm, sondern vielmehr für das Fernsehen, genauer gesagt den amerikanischen Kabelsender AMC, aufbereitet werden. Darabont hatte bereits als Drehbuchautor von A NIGHTMARE ON ELM STREET III und DIE FLIEGE II, sowie mit der Stephen King Adaption DER NEBEL im Horrorbereich gewildert. Gleichzeitig konnte er mit DIE VERURTEILTEN – ebenfalls auf ein Werk von King basierend – einen Klassiker vorweisen, der auf subtile Charakterentwicklung setzte. Und trotz aller herumspritzender Gehirne und heraushängender Gedärme sollte die Adaption von THE WALKING DEAD den Schwerpunkt auf die komplexen Figuren legen. Da bot sich das Medium TV natürlich viel besser an als ein Stand-Alone-Film, der mit 90 Minuten nicht viel Platz für Charaktere gehabt hätte.

Die Apokalypse - Wo Männer noch echte Männer sein können.

Genauso wie bereits die Comicvorlage fand auch die sechsteilige erste Staffel ihr Publikum. Bereits nach den ersten, erfolgreich gelaufenen Folgen gab AMC eine zweite Staffel in Auftrag. Eine dritte ist nach anhaltend guten Quoten der ersten Episoden der Season 2 ebenfalls schon beschlossene Sache. Trotzdem verlor Darabont zu Beginn der zweiten Staffel seinen Job als Showrunner und Chefautor – angeblich war der Sender nicht mit seinem diktatorischen Leitungsstil unzufrieden. Es bleibt abzuwarten, wie sich das auf die Qualität der Serie auswirkt. Derzeit ist das deutsche Publikum erst einmal in den Genuss der ersten Staffel gekommen – erst über Pay-TV, nun auf DVD bzw. Bluray.

Deputy Rick Grimes (Andrew Lincoln) vom Police Department King County, Georgia, wird während eines Einsatzes angeschossen und fällt ins Koma. Als er daraus wieder erwacht, findet er sich in einem verlassenen Krankenhaus wieder. Der Strom ist ausgefallen, auf den Fluren herrscht das totale Chaos, an den Wänden finden sich Einschusslöcher... und der Boden ist übersät von Leichen, die aussehen, als hätten wilde Tiere ihnen die Eingeweide herausgerissen. Vor dem Gebäude sieht es nicht besser aus: Myriaden von Leichensäcken, bedeckt von einem Vorhang aasfressender Fliegen, und eine Stadt ohne jede Spur menschlichen Lebens deuten darauf hin, dass es eine schreckliche Katastrophe gegeben haben muss. Geschwächt schleppt sich Rick nach Hause. Auf dem Weg dorthin begegnet er einer halb verwesten Frauenleiche ohne Unterkörper, die sich stöhnend durch das Gras auf ihn zuzieht. Bald darauf findet Grimes heraus, dass seine Frau Lori (Sarah Wayne Callies) und ihr gemeinsamer Sohn Carl (Chandler Riggs) scheinbar geflohen sind. Von dem Überlebenden Morgan (Lennie James) , der mit seinem Jungen Duane (Adrian Kali Turner) in einem Nachbarhaus Unterschlupf gefunden hat, erfährt Rick, dass die Welt, wie wir sie kennen, zu existieren aufgehört hat. Horden von Untoten ziehen durch das Land, nach menschlichem Fleisch gierend und bereits mit einem Biss ihre Opfer infizierend, dass auch diese als „Beisser“ von den Toten wiederauferstehen. Außerdem weiß Morgan, dass es in Atlanta wohl noch weitere Überlebende geben soll. Kurzentschlossen macht sich Rick auf den Weg nach Westen – in der Hoffnung, dass seine Familie zu den letzten Menschen gehört...

"Sieht meine Zunge belegt aus?"

So etwas hat das Fernsehen noch nie gezeigt. Dabei erinnert das Ganze auf den ersten Blick an eine typische Ensemble-Serie, wie man sie seit LOST immer wieder im amerikanischen TV sehen konnte (ohne jetzt größere Spoiler vom Stapel zu lassen). Aber in Sachen Gewalt hat meines Wissens nach keine andere Fernsehreihe bislang etwas vergleichbares gezeigt. Selbst AKTE X und SUPERNATURAL, die in Sachen Gore sicherlich Vorreiter waren, haben nicht soviel Blut, abgetrennte Gliedmaßen, herausgerissene Organe und halb verweste Körper gezeigt. THE WALKING DEAD (2010) ist wahrlich nichts für zartbesaitete. Glücklicherweise verlassen sich die Macher aber nicht auf den reinen Ekelfaktor, sondern schaffen es, eine erschreckende Atmosphäre aufzubauen, welche die Zuschauer in Sachen Spannung immer wieder an die Grenzen des aushaltbaren treibt.

Aber auch wenn Action, Horror und Splatter Gewehr bei Fuß stehen, so lebt THE WALKING DEAD von seinen Figuren. Hier handelt es sich nicht um eine Gruppe Überlebender, die sich zusammenrauft, sondern vielmehr um eine Vielzahl unterschiedlichster Charaktere, die dummerweise alle einen eigenen Kopf haben, und durch ihr Verhalten zueinander sich vielleicht schlimmer Feind sein könnten, als die auf sie lauernden Zombies. Und dennoch gibt es auch immer wieder Hoffnung in dieser dunkelsten Stunde der Menschheit. Die erste Staffel schafft es zudem, genügend Handlungsstränge zu Ende zu führen, um die Zuschauer einigermaßen befriedigt zurückzulassen, gleichzeitig aber noch mit zahlreichen offenen Fragen die Vorfreude auf weitere Folgen aufrecht zu erhalten. Technisch gibt’s hier nichts auszusetzen. Alles ist auf Kinoniveau: Regie, Kameraarbeit, Schnitt, Musik, aber auch die schaurigen Make-Up-Effekte. Realistischer geht es wohl kaum.

"Ich hasse diese Sommerschlussverkäufe!"

Für mich gibt es eigentlich nur zwei Kritikpunkte: Zum einen gibt es den einen oder anderen Logikfehler, zum anderen ist die finale Folge der ersten Staffel etwas zu „explosiv“ im Vergleich zum fühlbaren und extrem realistisch anmutenden Rest der Serie. Hoffen wir mal, dass dies nicht ein Ausblick auf die kommenden Episoden ist, weil sich THE WALKING DEAD ansonsten nicht mehr allzu sehr von der üblichen Hollywood-Zombie-Kost unterscheiden würde. Vielleicht sollte ich mir doch mal die Comics zulegen...

Horrorfans und Freunde guten Fernsehens, die zudem einen starken Magen haben und nachts gut schlafen können, kommen um THE WALKING DEAD nicht herum. Wenn LOST ein Gutes hatte (und in Anbetracht von dessen Finale wird es wohl so sein), ist es das, dass immer mehr qualitativ hochwertige Fernsehserien herauskommen, in denen gute Geschichten erzählt werden, die sich nicht an den Grenzen einer dreiviertelstündigen Folge orientieren, sondern sich die Zeit nehmen, die sie brauchen. THE WALKING DEAD ist so ein Fall und wirklich wärmstens zu empfehlen.

The Legend of Zelda - Ocarina of Time 3D

2011-10-29T23:13:00.003+02:00

Nintendo hatte es mit dem N64 schwer. Obwohl es Third-Party-Entwickler gab, welche die Konsole mit diverser Software versorgten, ließ dieser Strom schnell nach (ein Trend, der mit dem N64-Nachfolger, dem Gamecube, seinen Höhepunkt erreichen sollte). Also hatte der japanische Spielegigant, der noch mit Super Nintendo der absolute Marktbeherrscher gewesen war, die Aufgabe, selbst für angemessenen Softwarenachschub zu sorgen. Einer der Titel, die von den Fans sehnsüchtigst erwartet wurden, war der neueste ZELDA-Teil. OCARINA OF TIME wurde bereits früh angekündigt, doch die Veröffentlichung ließ lange auf sich warten. Screenshots zeigten, dass sich das Spiel im Laufe der Entwicklungsphase immer stärker veränderte, und vor allem die Grafik immer detaillierter wurde – und das, obwohl es auf der modifizierten Engine von SUPER MARIO 64 basierte. Pünktlich zum Weihnachtsgeschäft kam THE LEGEND OF ZELDA – OCARINA OF TIME auf den Weltmarkt – und brach diverse Verkaufserfolge. Auf der Playstation erschien zwar ein Spiel nach dem anderen, doch OCARINA kam bei Fans genauso gut wie bei der Fachpresse an. Letztere überschlug sich mit Lob, und bis heute gilt das Game bei vielen als das beste Spiel aller Zeiten.

Dieser beinahe mythische Ruf, den das Spiel bekam, war gleichzeitig Segen und Fluch für das Franchise. Auf der einen Seite sorgte jede ZELDA-Ankündigung dafür, dass die Fans in ekstatische Verzückung verfielen, da man einen Hammer wie OCARINA, einen wahren System-Seller, erwartete. Doch, wie es so ist: Nur selten kann ein Spiel solch einem Hype gerecht werden, und noch immer warten die Fans auf einen Nachfolger, der es qualitativ mit dem offiziell fünften Teil der Reihe aufnehmen kann. Kein Wunder, dass Nintendo sich alle Mühe gab, vom Erfolg und Mythos OCARINAs zu zehren. So wurde das Spiel als Teil einer limitierten Auflage des Gamecube-ZELDAs THE WIND WAKER und einer ebenfalls auf dem Würfel erschienenen Collector´s Edition mit mehreren ZELDA-Spielen wieder ausgegraben. Und natürlich kann man es sich auch auf der Wii über die Virtual Console herunterladen.

"Bei der nächsten Ausfahrt fahren Sie bitte rechts." - "Navi, Du musst Deinen Namen nicht zu wörtlich nehmen."

Als Nintendo seinen neuesten Handheld, den 3DS, ankündigte, mussten die Fans nicht lang warten, bis auch eine neue ZELDA-Episode am Horizont erschien. Ursprünglich als reine Technikdemo gedacht, entschied man sich, OCARINA OF TIME mit etwas aufgebohrter Grafik, einem komplett überholten Interface und natürlich in schönsten 3D auf dem DS-Nachfolger zu veröffentlichen. Obwohl sich so mancher Fan sicherlich eine ganz neue Fortsetzung gewünscht hätte, waren die Zocker, die bislang keine Möglichkeit gehabt hatten, den Klassiker zu spielen, über die Möglichkeit, dies in zeitgemäßer Optik nachholen zu können, erfreut. Und selbst die, die das Spiel bereits vor vielen Jahren durchgeackert hatten, sahen dem Remake mit jeder Veröffentlichung neuer Screenshots und Videos mit großer Spannung entgegen. So wundert es auch nicht, dass dieses „alte“ Spiel seit seiner Veröffentlichung zu den absoluten Topsellern des (zugegebenermaßen noch etwas übersichtlichen) Software-Line-Ups des 3DS gehört.

Link ist ein Elf, der im Dorf der Kokiri unter dem wachsamen Augen des Deku-Baums aufgewachsen ist. Während all seine Freunde bereits eine Fee als ständigen Begleiter erhalten haben, ist dieses Glück Link noch nicht anheim geworden. Das ändert sich, als sich die Fee Navi an seine Seite gesellt und ihn auffordert, den Deku-Baum aufzusuchen. Dieser liegt im Sterben, weil eine dunkle Macht versucht hat, ihm ein wichtiges Geheimnis zu entreißen. Obwohl er die Häscher des Bösen besiegen kann, gelingt es Link nicht, den Baum zu retten. Dessen letzte Worte fordern den grün gewandeten Elf auf, das Dorf zu verlassen und über die Ebene von Hyrule zu reisen, um im königlichen Palast Prinzessin Zelda aufzusuchen. Schweren Herzens reißt Link sich von seinen Freunden los und folgt dem Auftrag des Deku-Baums – nicht ahnend, dass er in ein Abenteuer stolpert, dessen Auswirkungen weit in die Vergangenheit reichen werden. Dabei wird ihm das Spiel auf der sagenumwobenen Ocarina der Zeit von großem Nutzen sein...

"Ich kann dieses Bild WIRKLICH nicht leiden."

Wer schon einmal ein ZELDA gespielt hat, weiß genau, was ihn hier erwartet. Für alle anderen: OCARINA OF TIME ist ein Action-Adventure. Mit seinem Schwert oder einer Vielzahl anderer Waffen und Werkzeuge, die Link im Laufe des Spiels findet, kämpft und rätselt man sich durch Hyrule. Man bereist eine Oberwelt, begibt sich an exotische Orte, unterhält sich mit deren Bewohnern und schlüpft von dort in düstere Dungeons, an deren Ende teilweise wuchtige Endgegner warten. Neben der Hauptaufgabe warten Dutzende Sidequests optional darauf, gelöst zu werden. Zur Belohnung winken dafür eine größere Geldbörse, erweiterte Lebensenergie und sogar das treue Pferd Epona, mit dem sich die Ebene von Hyrule gleich viel schneller erkunden lässt. Gesteuert wird Link mit dem Slidepad des 3DS. Zu benutzende Objekte können den Tasten und dem Touchscreen zugeteilt werden. Im Gegensatz zur alten N64-Version bietet das Berührungsfeld eine ständig sichtbare Karte und die Möglichkeit, Items mit Leichtigkeit auszutauschen, ohne sich durch langsame Menüs durchwählen zu müssen. Ebenfalls neu ist die Zielsteuerung. Auf Wunsch kommt hier nämlich, genauso wie beim einfachen Umsehen, der Gyrosensor des 3DS zum Einsatz.

"Kaufen... Kaufen macht soviel Spaß..."

Als ich damals OCARINA OF TIME auf dem Gamecube spielte, fand ich nicht so rechten Zugang. Ich hatte direkt zuvor THE WIND WAKER durchgezockt, der mich mit seiner tollen Cartoon-Optik begeistert hatte, und – da kann man ruhig ehrlich sein – die 3D-Grafik des N64 ist extrem schlecht gealtert, so dass mich damals irgendwann die Motivation verließ, OCARINA zu Ende zu bringen. Auf dem 3DS sah das ganz anders aus. Auch wenn die Grafik nicht ganz so detailliert wie z.B. bei RESIDENT EVIL – THE MERCENARIES 3D ist, sieht sie richtig schön aus. Der 3D-Effekt ist super und hilft dabei, dass man in die Welt von Hyrule regelrecht hineingezogen wird. Nur bei hektischen Duellen mit den diversen Endgegnern habe ich das 3D ausgeschaltet, um nicht die Übersicht zu verlieren. Die Steuerung geht absolut leicht von der Hand. Ich habe Kritiken gelesen, in denen die Bewegungssteuerung kritisiert wurde. Nun, die kann man ausschalten, aber ich fand sie gerade ziemlich praktisch und präzise. Einziger Wermutstropfen ist in meinen Augen bzw. Ohren, dass der Soundtrack 1:1 den MIDI-Klängen des N64 entsprechen. Die Kompositionen sind nach wie vor genial und filmreif, aber rein technisch hätten die Möglichkeiten des 3DS da durchaus mehr Bombast reinbringen können.

Ich gebe zu, dass ich mir OCARINA OF TIME anfangs nur geholt habe, um die Wartezeit auf das mit raschen Schritten nahende SKYWARD SWORD für die Wii zu überbrücken. Das Original habe ich nie mit so verklärten Augen gesehen, wie manch anderer ZELDA-Fan. Doch jetzt auf dem 3DS hat es mich dann doch gepackt. Eine grandiose Atmosphäre und eine Nintendo-typische tadellose Spielbarkeit ergeben ein Must-Have für den 3DS. Beim ersten Durchspielen sollte man ca. 30 Stunden einplanen, und selbst dann ist nach dem zu Tränen rührenden Abspann dank freispielbarem MASTER QUEST (eine alternative Version des Spiels, in der die ganze Welt gespiegelt, mit neuen Rätseln und schwierigeren Gegnern versehen wurde) und einem Boss-Battle-Modus noch lange nicht Schluss. Wer vorhat, auf seinem 3DS ein tolles Abenteuer zu erleben, kommt an OCARINA OF TIME nicht vorbei.

Swamp Shark

2011-10-28T10:36:00.004+02:00

Gut, dass es solche Sender wie RTL2, Tele5, aber auch Kabel1 gibt. Wo sonst könnte man zur besten Sendezeit C-Filme zu sehen bekommen, die in Konkurrenz zu solchen Quotentitanen wie den TATORT laufen? Ich meine, es ist ja wohl klar, dass man mit Perlen der Marke MEGA SHARK VS. GIANT OCTOPUS den anderen Programmen nicht ernsthaft Paroli bieten kann. Aber entweder hat man einfach keine besseren Filme auf Lager, oder aber man bedient damit – und das fänd ich auf meine naive Art und Weise schöner - absichtlich und mit einer Prise Selbstironie die kleine, aber feine Gemeinde der Fans des schlechten Filmgeschmacks – zu denen ich mich ja auch zähle. Optimistisch sah ich mir also vorletzten Sonntag SWAMP SHARK („Swamp Shark“, 2011) an, den RTL2 seinem Publikum um 20.15 Uhr servierte.

Man sollte eigentlich meinen, dass bereits seit DER WEISSE HAI alles gesagt wurde, was es zum Thema „Hai-Horror“ zu sagen gibt. Und spätestens seit DER WEISSE HAI IV – DIE ABRECHNUNG sollte man zudem wissen, dass es nicht die beste Idee ist, altbekannte Ideen immer wieder neu aufzuwärmen. Das hat sich auch der amerikanische Kabelsender Syfy gedacht und darauf geachtet, dass SWAMP SHARK die Regeln ein wenig neu mischt. Anstatt einer Hai-Jagd auf hohem Meer zu präsentieren, verlegt der Film die Story in die Sümpfe Lousianas – also da, wo normalerweise der ebenfalls sattsam bekannte Alligator-Horror angesiedelt ist. Wo anderswo eine sexy Wissenschaftlerin mit einem harten, aber weichkernigen Bootsverleiher (oder so ähnlich) gegen die Bestie kämpft, haben wir es hier mit einer sexy Restaurantbesitzerin zu tun. Diese wird von der mittlerweile nicht mehr ganz frischen, aber immer noch sehr attraktiven Kristy Swanson (der Original-„Buffy“ aus dem Kinofilm) gespielt und darf auch immer wieder ihren tiefen Ausschnitt in die Kamera halten. Abgesehen davon hält sonst nur noch Robert Davi (bekannt aus JAMES BOND 007 – LIZENZ ZUM TÖTEN und der Thrillerserie PROFILER) die Fackel der „Starpower“ hoch. Der Rest der Mimen ist unbekannt und geistert maximal hier und da durch diverse Fernsehserien und TV-Premieren.

Dieses Bild verspricht mehr, als der Film zu halten vermag...

Seit dem Tod der Eltern hält Rachel Bouchard (Kristy Swanson) die Familie zusammen. Sowohl ihr Bruder Jason (Jeff Chase) als auch ihre jüngere Schwester Krystal (Sofie Sinise) arbeiten gemeinsam mit ihr im alten Familienrestaurant mit angeschlossenem Alligator-Gehege. Kurz vor Beginn des jährlichen Gator-Festes, wird Rachel nachts Zeuge davon, wie ihre Reptilien von einem Hai gefressen werden. Als sie dies dem widerlichen Sheriff Watson (Robert Davi) erklärt, lacht dieser sie nur aus und lässt das Restaurant, das ihm schon länger ein Dorn im Auge war, schließen. Rachel macht sich gemeinsam mit ihren Geschwistern, ihrem untreuen Freund Tyler (Richard Tanne), dem undurchsichtigen Tommy (D.B. Sweeney) und ihrem Angestellten Martin (Jason Rogel) daran, den Hai, der sich scheinbar aus dem Meer in die Sümpfe verirrt hat, zu finden und zu erbeuten. Sie erhoffen sich, dass die Jagdtrophäe Watson überzeugen kann, ihr Restaurant wieder zu öffnen. Bis sich zeigt, dass der Sheriff, der ein Auge auf die schöne Rachel geworfen hat, selbst hinter dem Auftauchen des Hais steckt...

"Siehst Du? Selbst mit dieser winzigen Kamera kann ich bessere Filme als den hier drehen!"

Wenn man einen C-Film, wie man ihn früher in erster Linie aus den hintersten Regalen der Videothek gefischt hat, macht, muss man auf zwei Dinge achten: Blut und nackte Haut. Das ist es, was einen potentiellen Zuschauer bei der Stange und die langweiligen Handlungsszenen aushalten lässt. Da stören auch schlechte Schauspieler, eine bescheuerte Handlung und lachhafte Trickeffekte nicht (alles hier vorhanden). Fernsehproduktionen haben das Problem, dass sie sich in Sachen Sex und Gore ein wenig zurückhalten müssen. Und da ist bei SWAMP SHARK der Hai, pardon, der Hund begraben: Die Handlung läuft genauso ab und es sind alle Elemente enthalten, wie man es sich von einem guten Schundfilm erhofft. Wir haben herumsexelnde Teenager, perverse Cops, Blondinen in hautengen, weit ausgeschnittenen Tops, und ein Monster, dessen modus operandi blutig und Körperteile abtrennend verläuft. Leider geht SWAMP SHARK dabei nie in die Vollen. Der Sex wird maximal angedeutet, Voyeure werden mit diversen Bikini-Schönheiten Vorlieb nehmen müssen. Wenn der Sumpfhai zuschlägt, sieht man das Vieh herandonnern und das Opfer verschwindet unter der schäumenden Wasseroberfläche, gefolgt von aufsteigendem Blut. Okay, eine Enthauptung ist drin, dass muss ich zugeben. Es KANN sein, dass die RTL2-Version zusätzlich geschnitten war, aber den Eindruck hatte ich eigentlich nicht (sachdienliche Hinweise nehme ich aber gerne an.). Da nutzt auch die hübsche Kristy nichts, um mich wach zu halten.

Na ja, irgendwie bin ich dann doch dabei geblieben und wurde Zeuge eines völlig unspektakulären Showdowns. Und genau das lässt sich als Fazit ziehen: SWAMP SHARK ist in jeder Hinsicht belanglos und hat wirklich nichts, was ihn aus der Masse ähnlicher Produktionen hervorstechen lassen würde. Er ist für einen Film dieser Sparte handwerklich akzeptabel gemacht und besitzt wenigstens ein paar nette Bilder (die Färbsättigung bei einigen Landschaftaufnahmen ist enorm). Aber alles in allem wird hier nichts geboten, was den Film aus meiner Sicht für irgendjemanden empfehlenswert macht. Wenn er wenigstens schlecht genug wäre, um damit zu unterhalten. Aber selbst den Gefallen tut man uns nicht.

Die Abenteuer von Tim und Struppi - Das Geheimnis der Einhorn

2011-10-27T23:06:00.006+02:00

"Tim und Struppi" gehörten zu den Comics, die ich in erster Linie dank der gut sortierten Sammlung meiner Eltern kennengelernt habe. Anders als bei Asterix, Lucky Luke und dem Marsipulami habe ich mich als Kind aber anfangs etwas schwer mit den recht komplexen und teilweise durchaus "erwachsenen" Geschichten getan. Erst mit meinem ersten Hörspiel, in dem u.a. der unvergessene Gottfried Kramer als "Käptn Haddock" dabei war, bemerkte ich, dass in den Comics mit den roten Einbandrücken doch eine Menge witziger Unterhaltung zu stecken schien. Und so machte ich mich daran, die diversen Alben durchzuarbeiten, und gemeinsam mit meinem Bruder ließ ich auch unsere Hörspiel-Auswahl anwachsen.

Unter dem Namen "Tin Tin" erfand der belgische Comiczeichner Hergé die Abenteuer des schlauen und mutigen Reporters Tim, der in aller Welt umher reiste, um dort Verschwörungen aufzudecken, Verbrecher zur Strecke zu bringen oder historischen Mysterien auf die Spur zu kommen. Begleitet wurde er anfangs nur von seinem treuen Hund Struppi. Später stießen die vertrottelten Geheimpolizisten Schultze und Schulze, der brummelig-gutmütige und dem Alkohol verfallene Seebär Haddock sowie der umtriebige, aber völlig zerstreute Erfinder Bienlein hinzu. Bis 1976 erschienen insgesamt 23 Bände, nach Hergés Tod folgte noch mit "Tim und die Alpha-Kunst" ein von ihm nicht mehr fertiggestelltes Album. Die frühen Abenteuer Tims mögen aus heutiger Sicht vielleicht nicht mehr ganz politisch korrekt anmuten (Schwarze werden meist sehr überzeichnet dargestellt, und auch Ostasiaten sehen bei ihm alles andere als schmeichelhaft aus). Aber Hergé hat nie ein Hehl daraus gemacht, dass er bei einigen seiner Geschichten rückblickend kein glückliches Händchen hatte (weshalb er u.a. die teilweise erschreckende Brutalität gegen Tiere in "Tim am Kongo" bei einer späteren Veröffentlichung überarbeitete). Aber das sind nur Anekdoten: Fest steht, dass "Tim und Struppi" auf der ganzen Welt gelesen und geliebt wurde, und bis zum heutigen Tag eine riesige Fangemeinde besitzt.

"Unsere ersten Kritiken lesen sich wirklich nicht schlecht."

Da wundert es auch nicht, dass die Comics auch jenseits der bunt bedruckten Seiten ausgewertet wurden. So existieren Live-Action-Filme aus den 60er Jahren genauso wie eine Zeichentrickserie und der abendfüllende Zeichentrickfilm TIM UND DER HAIFISCHSEE. Aber auch Hollywood schielte schließlich auf Tims Abenteuer. Niemand geringeres als Steven Spielberg, der Hergés Werke als eine seiner Inspirationsquellen für die INDIANA JONES Reihe bezeichnet, machte sich daran, eine zeitgemäße Kinoauswertung des Stoffes zu entwickeln. Dafür holte er sich Peter Jackson - Neuseelands Mastermind hinter den DER HERR DER RINGE Filmen - mit ins Boot.

Gemeinsam fassten sie den Plan, aus der Vorlage einen Animationsfilm zu machen, wie die Welt ihn noch nie gesehen hatte. Mit modernster Motion-Capture-Technik wurden Schauspieler gefilmt, und deren Performance beinahe nahtlos auf die digitalen Abbilder der Comic-Charaktere übertragen. Diese sind fast photorealistisch. Nur der Umstand, dass diese eine Art Hybrid-Version zwischen gezeichneter Vorlage und "echten Menschen" darstellen, hält den Film davon ab, mit einer Realversion verwechselt zu werden. Die Hauptrolle des Tim wurde von Jamie Bell - am ehesten als BILLY ELLIOTT bekannt - übernommen, während Käptn Haddock von Andy Serkis verkörpert wird. Serkis ist ja bereits ein Experte in Sachen Motion-Capture-Aufnahmen. Nachdem er den "Gollum" in der RINGE-Trilogie spielte, ließ er sich erneut für die Titelrolle des KING KONG und den Oberaffen aus RISE OF THE PLANET OF THE APES Tischtennisbälle auf den Ganzkörperanzug kleben. Daneben brillieren Daniel Craig und das britische Komikerduo Simon Pegg und Nick Frost. Es sei an dieser Stelle erwähnt, dass man hinter keiner Figur den jeweiligen Darsteller erkennt - nur deren Schauspiel ist übrig geblieben.

"Na, seid ihr froh, dass ich im Gegensatz zu den Hörspielen hier nicht als Erzähler fungiere?"

DIE ABENTEUER VON TIM STRUPPI - DAS GEHEIMNIS DER EINHORN ("The Adventures of Tin Tin - The Secret of the Unicorn", 2011) stellt ein Amalgam mehrerer Comicgeschichten dar: Neben der Story gleichen Namens findet man Versatzstücke aus "Der Schatz Rackhams des Roten", "Die Krabbe mit den Goldenen Scheren" und "König Ottokars Zepter". Diese Herangehensweise wurde gewählt, um eine "Origin-Geschichte" für die Beziehung zwischen Tim und Haddock, gleichzeitig aber auch einen echten Epos erzählen zu können: Der bekannte Reporter Tim kauft auf einem Trödelmarkt das Modell eines Schiffs aus der Zeit des Sonnenkönigs. Es zeigt sich schnell, dass mindestens zwei weitere Gruppen an der Miniatur interessiert sind. Und als es den ersten Toten gibt, erkennt Tim, dass hinter der Sache mehr stecken muss. Er findet in seinem Modell eine versteckte Schriftrolle, die scheinbar ein Hinweis auf einen versteckten Schatz darstellt. Bevor Tim weitere Nachforschungen anstellen kann, wird er niedergeschlagen und an Bord eines Frachtschiffes entführt. Der finstere Sacharin (Daniel Craig) will sich einen sagenumwobenen Schatz unter den Nagel reißen. Doch gemeinsam mit dem ebenfalls gefangenen Käptn Haddock, der in Verbindung mit dem Geheimnis zu stehen scheint, kann Tim auf hoher See fliehen. Es folgt ein Abenteuer, das die beiden Männer und Tims Hund Struppi bis nach Marokko führen soll...

Optisch ist TIM UND STRUPPI ein Genuss. Obwohl das 3D - wie bei so vielen Filmen - eigentlich überflüssig ist, weiß der Quasi-Photorealismus zu begeistern. Denn erstmals ist es den Künstlern gelungen, Nicht-Cartoon-Figuren nicht wie seelenlose Zombies wirken zu lassen. Besonders die Augen haben es mir angetan, da diese echte Tiefe mit echten Gedanken dahinter vermitteln. Das Spiel der Darsteller wurde perfekt übertragen, und ich für meinen Teil wurde in keinem Moment aus der Story herausgerissen, weil etwas zu unecht oder nicht stimmig wirkte. Gleichzeitig haben Spielberg, Jackson und ihre Animatoren viel Liebe zum Detail bewiesen. Die Hintergründe strotzen so vor Details, und selbst kurz durch´s Bild laufende Figuren wirken nicht weniger mühevoll gestaltet als die Helden. Bei allem hielt man sich an Hergés Vorlagen. Es ist bemerkenswert, dass trotz der realistischen Ausgestaltung von Haut, Umgebung, Kleidung etc. hier kein Konflikt entsteht. Auch Wasser-, Feuer- und Partikeleffekte sind tadellos.

"Wo ist die Ziege?"

Wie es sich für einen Spielberg-Film gehört, ist die Geschichte selbst ein großes Abenteuerspektakel, das seinen INDIANA JONES Filmen in nichts nachsteht. Fast hat man das Gefühl, dass Komponist John Williams sich mit aller Mühe zurückhalten musste, nicht die Themen aus JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES anzustimmen. Vielleicht wäre das sogar nett gewesen, da Williams´ Musik ansonsten nur zwischen "nett" und "belanglos" hin und herpendelt. Zurück zur Action: Besonders packend ist die Jagd durch die orientalische Stadt und Haddocks Vision vom Kampf zwischen seinem Vorfahren Franz von Haddock und Rackham dem Roten. Unterhaltung pur, die Jung und Alt packen wird. Anders sieht es mit dem Humor aus, der ein wenig infantiler als in der Comicvorlage ausgefallen ist. Zwar darf man auch als Erwachsener immer wieder mal schmunzeln, doch so ganz hat mich der Witz nicht gepackt.

DIE ABENTEUER VON TIM UND STRUPPI sind vielleicht nicht der ganz große Wurf, aber ein sympathischer Abenteuerfilm, der voll und ganz in die Vorweihnachtszeit passt, damit hier die ganze Familie einen gelungenen Kinoabend verbringen kann. Und das offene Ende macht auf jeden Fall Lust auf mehr. Absolut empfehlenswert. Fans der Comics werden zufrieden sein, Neulinge werden sich überzeugen lassen und Technikfetischisten werden staunen können. Gerne mehr davon.

PS: Witzige Zusatzinfos: Lutz Schnell, der im Film Haddock synchronisiert, sprach in den Hörspielen noch Tim.

Star Wars - Episode VI: Die Rückkehr der Jedi-Ritter

2011-10-23T19:40:00.003+02:00

Ich kann mich noch dran erinnern, wie in Film- und Fernsehzeitschriften das Kinoereignis 1983 angekündigt wurde. Die ersten Bilder zu STAR WARS – EPISODE VI: DIE RÜCKKEHR DER JEDI-RITTER („Star Wars – Episode VI: Return of the Jedi“) machten meinen Bruder und mich – beides eingefleischte Fans – heiß darauf, was wir in der Weihnachtszeit endlich zu sehen bekommen würden. Irgendwann im Spätsommer kamen dann die ersten Actionfiguren zum Film raus. Obwohl die beiden, die wir gekauft hatten („Chief Chirpa“ und „Logray“) auf der Rückseite geschwärzt waren (häh?), konnte man allerlei andere Charaktere, Figuren und Aliens bewundern. Mein Bruder und ich bastelten uns aus den wenigen Informationen, die wir vom Film hatten, eine eigene Story zusammen und spielten diese auch nach. Natürlich lagen wir damit weeeeeiiiiit entfernt von dem, worum es in JEDI wirklich ging, aber Spaß machte das trotzdem. Und dann – kurz vor Weihnachten – ging meine ganze Familie ins Kino. Nachdem ich EPISODE IV nur von einer Hörspielschallplatte und EPISODE V sogar nur aus einem Comic her kannte, war dies der erste STAR WARS Film, den ich im Kino sehen durfte. Wow.

Was für mich in gewisser Weise ein Anfang war, sollte für die Beteiligten in vielerlei Hinsicht ein Ende werden. Natürlich wurde die Geschichte zu einem Abschluss geführt, aber da bereits damals das Gerücht die Runde machte, dass die nächsten Filme – wann immer diese gedreht werden würden – die Vorgeschichte erzählen würden. Insofern war den Hauptdarstellern klar, dass sie höchstwahrscheinlich nicht mehr gebraucht würden. Harrison Ford wollte sogar Nägel mit Köpfen machen, und Lucas dazu bewegen, Han Solo in JEDI sterben zu lassen. Doch der „Maker“ hatte andere Pläne. STAR WARS war ein Märchen, und wie es sich für ein Märchen gehört, sollte dies mit einem Happy End aufwarten.

"Keine Angst, mein süßes Schweinchen. Ich schieße Dir schon den Hauptpreis."

Und auch das Publikum sollte einen würdigen und fulminanten Abschluss der Trilogie erleben. Daher wurde ein bislang noch nie bekanntes Maß an Geheimniskrämerei betrieben, um jede erdenkliche Überraschung für das Kino aufzubewahren (damals gab´s ja noch keine Internet-Spoiler ;) ). Daher die geschwärzten Ewoks auf den Packungsrückseiten der Actionfiguren, und daher auch der „Arbeitstitel“ REVENGE OF THE JEDI, welcher aber angeblich nur verwendet wurde, um Bootleg-Merchandising entlarven zu können.

Am Ende wurde es das allen bekannte RETURN OF THE JEDI (Rache hätte Luke eh auf die Dunkle Seite der Macht geführt), und der Film war der erste STAR WARS Teil, der sogar bei einigen Fans nicht so gut ankam („Profi“-Kritiker entdeckten die Saga erst im Laufe der folgenden für sich). Die erste halbe Stunde rund um Jabbas Hofstaat kam so manchem wie eine gruselige Variante der MUPPET SHOW vor, und die knuddeligen Ewoks (die später zwei Fernsehfilme und eine Zeichentrickserie erleben durften) waren anderen zu kindisch. Aber das sahen wohl in erster Linie nur die älteren Fans so. Ich weiß, dass mein Freundeskreis damals die coolen Aliens genauso liebten wie die kämpferischen Teddybären.

Weight Watchers - eine Erfolgsstory

Luke Skywalker (Mark Hamill), Leia (Carrie Fisher), die Droiden (Anthony Daniels und Kenny Baker), Chewbacca (Peter Mayhew) und der sich den Rebellen angeschlossene Lando (Billy Dee Williams) befreien Han Solo (Harrison Ford) aus den Klauen des Gangsterbosses Jabba the Hutt. Bei dieser Rettungsaktion beweist Luke, dass er mittlerweile über alle Fähigkeiten verfügt, die ihn zu einem Jedi-Ritter machen. Nachdem er vom sterbenden Yoda erfahren hat, dass nicht nur Vader sein Vater, sondern Leia auch seine Schwester ist, begibt er sich zurück zur Rebellenallianz. Dort bereitet man einen Angriff vor: Unter der Leitung Darth Vaders (David Prowse und James Earl Jones) hat das Imperium mit dem Bau eines neuen Todessterns begonnen. Diesmal will man eingreifen, bevor die Kampfstation fertig gestellt wurde. Luke, Han und Leia sollen den Schutzschildgenerator deaktivieren, der den Todesstern beschützt, während Lando die Flotte der Allianz gegen die Streitkräfte des Feindes führt. Luke glaubt, dass noch Gutes in Vader steckt, und er setzt alles daran, seinen Vater zurück ins Licht zu führen. Die Freiheitskämpfer ahnen nicht, dass ihnen der Imperator (Ian McDiarmid) persönlich eine Falle gestellt hat...

Für sich genommen ist JEDI ein sehr guter Film, der die Trilogie zu einem angemessenen Abschluss führt. Es gibt viel zu sehen, alles strotzt vor der Fantasie Lucas´, seines Regisseurs Richard Marquand, und der Konzeptkünstler. Die Trickeffekte sind besser denn je, und eigentlich wird wirklich jeder Aspekt der kompletten Serie zu Ende erzählt. Kinder freuen sich an den coolen Tricks und den fremden Wesen, Erwachsene werden Fingernagel kauend die Szenen verfolgen, in denen der Imperator und Vader Luke auf die Dunkle Seite der Macht ziehen wollen. Dies sind auch die Momente, die in meinen Augen den Film wirklich grandios machen. Hier beweist Mark Hamill, dass er sehr wohl ein guter Schauspieler ist, und Ian McDiarmid... also, wenn es Christopher Lee nicht geben würde, dann könnte der gute Ian ganz klar mein Lieblingsmime sein. Am Ende sind alle glücklich, und man kann mit einem befriedigten Lächeln das Kino verlassen, bzw. den Fernseher ausschalten. Besonders bemerkenswert ist, dass der Film durch die Prequels aufgewertet wird, da es immer wieder Momente gibt, die Ereignisse, die „vorher“ geschahen, widerspiegeln. Wenn man heutzutage die Szene sieht, in der Vader dem Imperator dabei zusieht, wie dieser Luke röstet, erinnert man sich an die gleiche Situation, als Anakin vor Mace Windu und Palpatine stand. Gänsehaut pur!

"So wie es aussieht, bist Du nicht mehr das Süßeste in diesen Filmen!"

Als Kind war JEDI mein Lieblingsteil, aber als Erwachsener sind mir schon ein paar Dinge aufgefallen, welche die Qualität des Streifens etwas mindern. Zum einen: Ein zweiter Todesstern? Musste das sein? Hier darf man sich fragen, wieso Lucas nichts anderes eingefallen ist. Ursprünglich war vorgesehen, den ersten Todesstern bis zum Ende des dritten Films beizubehalten. Da aber EPISODE IV eine abgeschlossene Handlung haben musste, wurde die Vernichtung der Station vorgezogen. Nicht zu ändern, aber ein wenig kreativer hätte man hier doch sein können. Ein weiterer Minuspunkt ist in meinen Augen der Umstand, dass Luke und Leia Geschwister sind. Ich erkenne, warum Lucas das gemacht hat: Leia entscheidet sich für Han, und damit Luke nicht traurig sein kann, findet er heraus, dass sein voriges „Love Interest“ seine Schwester ist. Macht Sinn, ist aber etwas plump. Und außerdem wäre es für Luke ein größeres Opfer gewesen, wenn er bewusst auf Leia „verzichtet“ hätte, weil er als Jedi-Ritter sich ohnehin um größere Dinge als sein privates Glück kümmern muss.

Davon abgesehen schafft es Lucas aber dennoch, seine Saga königlich abzuschließen. Egal, was für Schmonzes in den die Handlung weiterspinnenden Romanen und Comics beschrieben wird: DIE RÜCKKEHR DER JEDI-RITTER bringt dramatisch, aber voller Hoffnung, zu Ende, was inhaltlich mit DIE DUNKLE BEDROHUNG begann. Hier werden nochmal alle Register gezogen, damit ein wirklich episches Abenteuer entsteht. Allen Kritikpunkten zum Trotz: Das Endergebnis hallt noch lange nach.

PS: Nachdem der Film bereits in der Special Edition und der DVD-Auswertung ein paar Änderungen erleben durfte, zieht die Bluray hier ebenfalls nach: Erwähnt seien blinzelnde Ewoks, eine digitale Kamerafahrt auf Jabbas Palasttor und ein Dug („Sebulbas“ Rasse aus EPISODE I) unter den Höflingen das Gangsters. Einen gewaltigen Aufschrei verursachten zwei kleine „No“´s, die Vader nun vor sich hin raunt, bevor er den Imperator in den Reaktorschacht schleudert. Überflüssig? Absolut, da die Worte nur das aussprechen, was man ohnehin sieht. Ärgerlich? Die Szene, nein, den ganzen Film kaputtmachend? Ich bitte Euch...

Star Wars - Episode III: Die Rache der Sith

2011-10-22T19:32:00.005+02:00

Die Klonkriege wüten in der Galaxis. Den Separatisten ist es unter der Führung des Cyborg-Generals Grievous (Matthew Wood) gelungen, Kanzler Palpatine (Ian McDiarmid) gefangen zu nehmen. Anakin (Hayden Christensen) und Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) gelingt es, den Anführer der Republik zu befreien, der dabei den jungen Skywalker dazu bringt, den wehrlosen Count Dooku (Christopher Lee) zu ermorden. Zurück auf Coruscant eröffnet Padmé (Natalie Portman) ihrem Mann Anakin, dass sie schwanger ist. Während Obi-Wan die Suche nach dem flüchtigen Grievous leitet, verschafft sich Palpatine immer mehr Macht im Senat. Als die Jedi den mit ihm befreundeten Anakin auf ihn ansetzen, erliegt dieser nach und nach den Einflüsterungen des Kanzlers. Schließlich beginnen ihn auch noch Visionen einer während der Geburt sterbenden Padmé zu plagen. Palpatine verspricht ihm, ihn für seine Loyalität mit der Macht zu belohnen, seine Frau vor dem Tod zu bewahren – und gibt sich als der düstere Sith-Lord Darth Sidious zu erkennen. Nun muss sich Anakin entscheiden: Verteidigt er, wofür er steht und gekämpft hat? Oder hilft er dem Bösen, um Padmé retten zu können?

Auch wenn STAR WARS – EPISODE III: DIE RACHE DER SITH („Star Wars – Episode III: Revenge of the Sith“, 2005) die mittlerweile übliche Kritik einstecken musste, gilt der Film im Gemeinen als bester Teil der Prequels. Selbst die Hasser der neuen STAR WARS Filme müssen zugeben, dass Lucas hier ganze Arbeit geleistet hat. Der Film kommt äußerst düster daher und ist wahrscheinlich der brutalste Teil der Saga. Die Merchandising-Kampagne, die SITH begleitete, war ganz auf Darth Vader zugeschnitten, obwohl die ikonische Maske erst in den letzten zehn Minuten zu sehen ist. Überhaupt wird stärker auf die alten Filme Bezug genommen. Sowohl in Sachen Design (z.B. sehen die Klonkrieger ihren Nachfolgern, den imperialen Sturmtruppen, immer ähnlicher) als auch den Umgebungen und Charakteren (Chewbacca – erneut verkörpert von Peter Mayhew - ist mit von der Partie).

"Och, jetzt schau doch nicht so böse. Wenn ich gewusst hätte, dass das Dein Joghurt war, hätte ich ihn nicht gegessen."

Die Entwicklung der Geschichte war wohl das schwierigste am Film. Wenn man sich die Produktionsskizzen, Entwürfe und Konzeptzeichnungen anschaut, merkt man schnell, dass George Lucas eine Weile brauchte, um die Struktur der Geschichte und die Ausrichtung der Charaktere zu finden. Als Beispiel sei hier Grievous erwähnt, der in der CLONE WARS Micro-Serie noch als forscher Schurke auftrat, in SITH aber eher ein Feigling ist, der nur kämpft, wenn es nicht zu vermeiden ist. Aber auch ganze Handlungsteile wurden noch nach den Hauptdreharbeiten geändert und durch Nachdrehs verfeinert. Ursprüngliche Pläne, wie den jungen Han Solo auftreten zu lassen, wurden genauso verworfen, wie ein pupsender und sich im Schlamm wälzender Yoda (kein Witz!). Leider blieben auch die Szenen auf der Strecke, welche die Geburt der Rebellenallianz zeigen sollten. Aber in Anbetracht der Längen, die EPISODE II aufwies, war es vielleicht doch keine schlechte Idee, diese Szenen (die man auf der DVD sehen kann) herauszuschneiden.

SITH lebt von der packenden Atmosphäre, die ich selten bei einem Film dieser Art bemerkt habe. Okay, ich bin auch ein kleiner (großer?) Nerd, der sich intensiv mit STAR WARS auseinander gesetzt hat, aber dennoch muss man klarmachen, dass George Lucas es gelungen ist, eine dermaßen beängstigende und verstörende apokalyptische Stimmung in diesem Film heraufzubeschwören, dass man auch noch ein Weilchen nach Sichtung des Films darüber grübelt. Die gezeigten Ereignisse führen dazu, dass die Welt, die wir in den ersten beiden Prequels kennengelernt haben, aufhört zu existieren. Wir werden Zeuge, wie es einem wahrhaften Dämon gelingt, die Macht an sich zu reißen, und der Gesellschaft schreckliche Veränderungen aufzuzwingen. Die „Order 66“-Sequenz dürfte wohl jedem unter die Haut gehen und vielleicht sogar das eine oder andere Tränen hervor locken. Ich kann nur sagen, dass ich bei jedem Schauen des Films irgendwie hoffe, dass Anakin sich diesmal anders entscheidet. Und wenn ein Film mich so manipulieren kann, muss ich einfach applaudieren.

"Bin kein Bösewicht... tu nur meine Pflicht..."

Der fehlende Heldenweg der Vorgänger wird hier aufgelöst, und zwar als bewusstes Scheitern. Als Spiegel dessen, was Luke in der Original-Trilogie erlebt, steht Anakin vor ähnlichen, teilweise sogar gleichen Entscheidungen. Da, wo sein Sohn „später“ das Gute wählt, handelt Anakin aus Eigensucht und zerstört dabei das, was er zu retten gehofft hatte. Er macht sich nicht zum Helden, der er sein will. Er wird zu dem, was er zu bekämpfen geschworen hatte. Denn die einzige Möglichkeit, sich zu ändern, indem er Charakterstärke zeigt, nutzt er falsch. Er hätte seine „Vaterfigur“ (Palpatine) aufhalten müssen. So aber wird er selber zum väterlichen Antagonisten, gegen den sein wirklicher Sohn 20 Jahre später antreten muss.

Der heimliche Star des Films ist Ian McDiarmid. Hielt er sich in den vorigen Teilen noch zurück und spielte den freundlichen Onkel, der mit motivierendem Rat zur Seite steht, so bröckelt diese Fassade zu Beginn von SITH. Langsam aber sicher erkennt auch der nicht eingeweihte Zuschauer, dass mit diesem netten Politiker irgend etwas nicht stimmt, und dass Anakin ihm besser nicht so viel Vertrauen entgegen bringen sollte. Es ist eine Freude, dabei zuzusehen, wie Palpatine seinen Schüler „verführt“ und manipuliert. Und man merkt McDiarmid an, mit welchem spitzbübischen Spaß er dies umsetzt. Doch als er dann sein wahres Gesicht und sich als das pure Böse offenbart, kann der Schauspieler zeigen, was in ihm steckt. Aus dem zurückhaltenden älteren Gentleman wird ein tobender Berserker, dessen heiseres Lachen Angst und Schrecken verbreitet. Unterstützt von verstörendem Make-Up ist McDiarmids Imperator ein wahrer Teufel, dessen gelbe Augen einen bis in die eigenen Alpträume verfolgen können.

Zahnstein im Endstadium.

Schade ist nur, dass einige Charaktere ein wenig in den Hintergrund fallen. Padmé hat nicht mehr zu tun, als sich Sorgen um ihren Ehemann zu machen. Während R2-D2 anfangs noch für einige schöne Momente verantwortlich ist, sind er und C-3PO im Großteil des Films nicht mehr als Statisten. Der Auftritt Chewbaccas ist zwar nett, aber doch irgendwie überflüssig. Und man hätte sich schon gewünscht, dass Jar Jahr mehr als ein „Xcuse me“ von sich geben kann. Auch, wenn der Gunganer mit einem hohen Nervfaktor aufwartet, wäre es zumindest mir wichtig gewesen, dass auch diese Figur zu Ende erzählt wird. Schade drum, aber vielleicht wird das in der ja geplanten Fernsehserie, die zwischen EPISODE III und IV spielen soll, nachgeholt.

DIE RACHE DER SITH ist ein packender Film, der die Bühne für die allseits beliebte Original-Trilogie vorbereitet. George Lucas präsentiert sich erfahrener Geschichtenerzähler, der in meinen Augen mit diesem Streifen beweist, dass ein Effektfeuerwerk nicht von einer tollen Story ablenken muss, wenn diese von echten Menschen und deren inneren Dramen handelt. EPISODE III ist der FAUST unter den Phantastik-Filmen.

Kurz zur Bluray: Es gibt keine Änderungen im Vergleich zur Kinofassung. Von allen sechs Filmen ist EPISODE III der technisch am besten ausgefallene.

Star Wars - Episode II: Angriff der Klonkrieger

2011-10-21T19:33:00.006+02:00

Christopher Lee! Als ich erfuhr, dass die nächste STAR WARS Episode meinen absoluten Lieblingsschauspieler beinhalten sollte, war mir völlig egal, dass es ein Wiedersehen mit Boba Fett geben würde. Auch war mir schnuppe, dass EPISODE II als der erste komplett digital gedrehte Spielfilm konzipiert worden war. Und auch eine Natalie Portman im nabelfreien Dress konnte meine Aufmerksamkeit vom Grandseigneur des Horrorkinos nicht ablenken. Okay... letzteres vielleicht für einen kurzen Moment. Ich war der Meinung, dass George Lucas bereits mit Liam Neeson für DIE DUNKLE BEDROHUNG ein goldenes Näschen bewiesen hatte. Dass jetzt auch noch Dracula persönlich, nachdem Van Helsing (Peter Cushing) bereits in EPISODE IV dabei war, dem STAR WARS Mythos einen Besuch abstatten würde... Ich war im siebten Himmel.

STAR WARS – EPISODE II: ANGRIFF DER KLONKRIEGER („Star Wars – Episode II: Attack of the Clones“, 2002), war der erste Film der Reihe, dessen Studioaufnahmen bis auf ein paar Pick-Ups nicht in England entstanden. Vielmehr nahm man die Fox Studios in Australien in Beschlag, was auch zur Folge hatte, dass weniger britische Darsteller, dafür viele Australier und sogar Neuseeländer für die Nebenrollen engagiert wurden. Aber das war nicht die einzige Änderung: Auch wenn Lucas gerne etwas anderes behauptet, darf man wohl getrost davon ausgehen, dass die Kritik, die EPISODE I erntete, doch nicht ohne Spuren an ihm abgeperlt war. Das zeigt, dass der ursprünglich in der gesamten Prequeltrilogie als Hauptcharakter angedachte Jar Jar zur Nebenrolle degradiert wurde (auch wenn er sich für eines der wichtigsten Ereignisse der gesamten Saga verantwortlich zeigen sollte). Außerdem zog Lucas mit Jonathan Hales einen Co-Autor zum Polieren der Dialoge heran (was ihm kein Glück brachte...). Auch Produzent Rick McCallum gab sich im Vorfeld alle Mühe, den vom Vorgänger enttäuschten Teil des Fandoms zu beruhigen, dass EPISODE II wieder zur Form der Original-Trilogie zurückkehren würde.

Padmé ahnte nicht, dass sie in wenigen Augenblicken das Prinzip des "Jedi-Sandwich" kennenlernen würde.

Zehn Jahre nach EPISODE I: Die Republik droht zu zerfallen, weil eine Separatisten-Bewegung – Angeführt vom ehemaligen Jedi-Ritter Count Dooku (Christopher Lee) – immer mehr Planeten unter ihre Kontrolle bringt. Die frühere Königin Naboos und vehemente Pazifistin, Senatorin Padmé Amidala (Natalie Portman) wird beinahe Opfer eines Anschlags. Auf Geheiß des Obersten Kanzlers Palpatine (Ian McDiarmid) übernehmen Jedi-Ritter Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) und sein Schüler Anakin Skywalker (Hayden Christensen) den Schutz der Senatorin. Als ein weiterer Anschlag auf Padmé verübt wird, begibt sie sich mit ihrem „Bodyguard“ Anakin zurück auf ihren Heimatplaneten, während Obi-Wan die Identität des Attentäters herauszufinden versucht. Er folgt der Spur des Kopfgeldjägers Jango Fett (Temuera Morrison) nach Kamino, wo angeblich im Auftrag der Jedis eine gewaltige Armee von Klonkriegern geschaffen wurde. Derweil fühlen sich Anakin und Padmé immer stärker zueinander hingezogen – in einer Liebe, die den Jedi verboten ist. Erschwerend kommt hinzu, dass Anakin von Alpträumen gequält wird, die seine auf Tatooine zurückgelassene Mutter in schrecklicher Gefahr zeigen. Gemeinsam mit Padmé und R2-D2 (Kenny Baker) reist er zurück auf den Wüstenplaneten – wo sein langsamer Abstieg zur Dunklen Seite der Macht beginnt...

Natürlich jammerten auch hier wieder allerlei Leute herum und hatten viel zu kritisieren. Das hielt mich nicht davon ab, den Film 14 (!) mal im Kino zu sehen. Ja, ich weiß, ich bin ein STAR WARS Nerd. Zurück zum Thema: Tatsächlich bin ich der Meinung, dass ANGRIFF DER KLONKRIEGER der schwächste Teil der Reihe ist. Ich habe nichts gegen den oft kritisierten Hayden Christensen. Dialoge aufzusagen könnte er wirklich noch etwas trainieren, aber ich finde, dass er ansonsten seine Aufgabe recht gut bewältigt. Beinahe von Anfang an hat man das Gefühl, dass unter seiner Oberfläche ein gleißender Zorn brodelt, der nur darauf wartet, hervor zu brechen. Perfekt für Anakin. Mich stört auch nicht der teilweise furchtbar kitschige Liebesschmalz zwischen dem jungen Jedi und seiner Herzensdame Padmé. Zur Erinnerung: Wir haben es hier mit einer jungen Frau zu tun, die den Großteil ihres Lebens mit Politik verbracht und daher keine Zeit für Liebe und ähnliches gehabt hat. Und Anakin lebt im Zölibat. Und wenn man jetzt daran denkt, wie schwülstig die eigenen ersten Liebesbriefe waren, die man so geschrieben hat, ist das gar nicht soooo unglaubwürdig, was für liebkosende Wortvergewaltigungen sich Anakin und Padmé zuwerfen.

"Und? CGI ist doch super, oder?" - "Alles besser ist, als zu haben Frank Oz´ Hand im Hinterteil."

Nein, mein Problem ist das, was C-3PO während des Showdowns ganz treffend so formuliert: „Das zieht sich aber ganz schön hin!“ Nach einem fulminanten Auftakt mit einer grandios getricksten Verfolgungsjagd, tritt Lucas dermaßen auf die Bremse, dass beinahe das komplette Tempo des Films zum Erliegen kommt. Während Obi-Wans Aufdeckung der Klonverschwörung noch halbwegs spannend ist, sind die Postkartenromantik-Sequenzen auf Naboo, die Anakin und Padmé beim Erwachen ihrer Gefühle zeigen, zwar für sich toll gefilmt, aber leider weit entfernt von der üblichen STAR WARS Dynamik. Erst mit der Rückkehr nach Tatooine nimmt der Film wieder Fahrt auf, bis die letzte halbe Stunde von EPISODE II einen nicht enden wollenden aber zu keiner Sekunde langweiligen Showdown bietet.

Hier hätte ein etwas griffigeres Drehbuch und die Änderung, dass Anakin und Padmé in den zehn Jahren zwischen den Episoden doch Kontakt zueinander hatten, Wunder gewirkt, um ein etwas unterhaltsameres „Liebesspiel“ zu entfalten. Auch dass die Todesszene von Anakins Mutter Shmi unglücklich gefilmt und fast ein wenig unfreiwillig komisch anmutet, ist ärgerlich, da dieses wichtige Ereignis dadurch emotionalen Einschlag einbüßt. Übrigens weist EPISODE II ebenfalls keinen Heldenweg für seine Hauptcharaktere (allen voran Anakin) auf. Darüber werde ich aber im nächsten Review etwas verlieren. Glücklicherweise entschädigt der Showdown mit einer brillant umgesetzten Landschlacht und einem Duell zwischen Count Dooku und Yoda, das man früher nie für möglich gehalten hätte. Es ist mittlerweile schick geworden, über den kleinen grünen Derwisch Witze zu reißen, aber als wir das in 2002 im Kino gesehen habe, war man begeistert – gebt´s ruhig zu ;)

"Nimm DAS, Van Helsing!"

Die Spezialeffekte sehen wunderbar aus und können sich außer ein paar schwachen Bluescreen-Aufnahmen und der einen oder anderen schlecht ausgeleuchteten CGI-Figur auch heute noch sehen lassen. Auch bringt der Film viel mehr Humor mit, der vor allem von Ewan McGregor transportiert wird. Der hat sich trotz seines in Interviews stets bekundeten Unmuts, in virtuellen Sets spielen zu müssen, diesmal noch viel besser in seiner Rolle eingefunden und versprüht herrlich trockenen Witz. Aber auch der über-coole Samuel L. Jackson bekommt als Jedi-Meister „Mace Windu“ endlich mehr zu tun. Und Christopher Lee... nun, der ist Christopher Lee, und spielt seinen charismatischen Bösewicht wie einen verräterischen Mephisto. Die Actionsequenzen sind allesamt fantastisch geraten (die Jagd durch die Droidenfabrik erinnert fast ein wenig an ein SUPER MARIO Spiel), die Designs toll (reale Königinnen hätten für Natalie Portmans Garderobe gemordet) und die Story diesmal noch etwas verzwickter zu durchschauen als im ersten Teil. Einem STAR WARS Fan läuft es eiskalt den Rücken herunter, wenn er zum ersten Mal eine richtige Jedi-Armee auf dem Schlachtfeld zu sehen bekommt.

Es gibt gute Gründe, warum ich mir den Film so oft im Kino angesehen habe, und dabei die langatmigen Naboo-Sequenzen ausgehalten habe. Denn im Großen und Ganzen ist auch ANGRIFF DER KLONKRIEGER ein klasse Film, der die Saga voranbringt und dabei mit viel Fantasie zu unterhalten weiß. Er spielt mit Sicherheit nicht in der gleichen Liga wie DAS IMPERIUM SCHLÄGT ZURÜCK oder DIE RACHE DER SITH, ist aber dennoch vorzügliche Unterhaltung, die man gesehen haben sollte.

Zur Bluray: Hier findet man kaum Änderungen. In zwei Sequenzen wurde die Schnittreihenfolge leicht verändert, aber das ist es auch schon. Dafür brilliert die Scheibe durch ein extrem gutes Bild – dem Umstand geschuldet, dass EPISODE II komplett digital gedreht wurde. Sehr schön.

Star Wars - Episode I: Die dunkle Bedrohung

2011-10-20T19:11:00.003+02:00

Lucas hatte keine Chance. Seit 1983 warteten die Fans sehnsüchtigst auf die Fortsetzung ihrer geliebten STAR WARS Trilogie. Die Aussicht, dass es sich dabei nicht um einen Nachfolger, sondern um die Vorgeschichte handeln würde, machte die Vorfreude noch größer: Man würde die Gelegenheit haben, den Aufstieg des coolsten Bösewichts der Filmgeschichte – Darth Vader – zu sehen zu bekommen. Doch lange Zeit kam nichts. George Lucas beschäftigte sich lieber mit anderen Projekten – zum einen, weil er STAR WARS müde geworden war, zum anderen weil es die Tricktechnologie noch nicht gab, die er benötigte, um die Geschichte in seinem Kopf angemessen erzählen zu können. Das änderte er sich, als er für seinen Freund Steven Spielberg den Endschnitt von JURASSIC PARK übernahm, während der in Polen an SCHINDLERS LISTE arbeitete. Die digital auferstandenen Dinosaurier zeigten Lucas: Die Zeit für weitere STAR WARS Episoden war gekommen. 1995 gab er bekannt, am Drehbuch zu EPISODE I zu arbeiten, gleichzeitig begann sein Art-Department mit der Visualisierung neuer Charaktere und Welten, und Industrial Light & Magic schraubte an den Möglichkeiten der Trickeffekte, um wirklich alle Wünsche ihres Chefs adäquat umsetzen zu können.

1997 wurde die Original-Trilogie als Special Edition ins Kino gebracht – zum einen, um einige neuen Technologien zu testen, aber auch um herauszufinden, ob das Publikum überhaupt noch Interesse an neuen STAR WARS Filmen hatte. Und das hatte es. Die Fans hatten sich jahrelang mit Comics und Romanen, welche die Geschichte der ursprünglichen Episoden weitergesponnen hatten, über Wasser gehalten, freuten sich jetzt aber auf die Chance, ihre alten Lieblinge in neuem Glanz zu sehen. Obwohl die Filme für ein Re-Release unglaubliche Zuschauerzahlen einfuhren, gab es erste Stimmen unter den Hardcore-Fans, denen die digitalen Neuerungen und auch inhaltlichen Änderungen nicht schmeckten. Im gleichen Jahr begannen die Dreharbeiten von STAR WARS – EPISODE I: DIE DUNKLE BEDROHUNG („Star Wars – Episode I: The Phantom Menace“, 1999). Im Gegensatz zu EINE NEUE HOFFNUNG setzte Lucas bei seinem ersten Prequel auf moderate Star Power: Liam Neeson, Ewan McGregor und Natalie Portman waren bekannte Namen. Aber daneben waren auch Veteranen wie Ian McDiarmid, Anthony Daniels und Kenny Baker wieder mit dabei. Der erste Trailer, der im Herbst 1998 veröffentlicht wurde, ließ die Fans vor Begeisterung ausrasten. Es gab Leute, die sich eine Kinokarte kauften, nur um den Teaser zu sehen und danach VOR dem Hauptfilm den Saal wieder zu verlassen.

"Anakin, Du hast eine Frisur wie ein Neunjähriger." - "Aber ich bin neun. Wirklich wahr!" - "Nur ein Sith denkt in Extremen."

in 33 Jahre vor EINE NEUE HOFFNUNG. Die Jedi-Ritter Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) und Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) werden zum Planeten Naboo entsandt, wo die gierige Handelsföderation unter der Führung des Vizekönigs Nute Gunray (Silas Carson) eine Raumschiffblockade errichtet hat, um gegen die Besteuerung von Handelsrouten zu protestieren. Schnell erkennen Qui-Gon und sein Schüler, dass aber viel mehr dahinter steckt. Als ein Anschlag auf sie verübt wird, fliehen sie auf die Oberfläche von Naboo, wo sich ihnen der tollpatschige Gunganer Jar Jar Binks (Ahmed Best) anschließt. Zu dritt begeben sie sich in die Hauptstadt der menschlichen Bewohner Naboos, wo kurz zuvor die Droiden-Armee der Handelsföderation eingefallen ist. Es gelingt ihnen, die junge Königin Padmé Amidala (Natalie Portman) zu befreien und mit ihr und ihrem Hofstaat zu fliehen. Doch auf dem Weg zur Zentralwelt Coruscant wird ihr Raumschiff schwer beschädigt. Nur mit Hilfe des kleinen Droiden R2-D2 (Kenny Baker) können sie sich zum Wüstenplaneten Tatooine schleppen. Auf der Suche nach Ersatzteilen für das Raumschiff trifft Qui-Gon den in der Macht äußerst begabten neunjährigen Sklavenjungen Anakin Skywalker (Jake Lloyd). Währenddessen entsendet der geheimnisvolle Sith-Lord Darth Sidious (Ian McDiarmid), der schreckliche Pläne verfolgende Mastermind hinter der Invasion Naboos, seinen Schüler Darth Maul (Ray Park), um die Königin und ihre Jedi-Helfer zu finden und zu vernichten...

Im Mai 1999 startete DIE DUNKLE BEDROHUNG schließlich – umgeben von einem Merchandising-Angebot, wie man es noch nie gesehen hatte. Egal, wo man hinschaute: STAR WARS. Und auch wenn dieses Überangebot dafür sorgte, dass viele Plastikfiguren, Spardosen und andere „Collectibles“ unverkauft blieben, wurde der Film innerhalb kürzester Zeit zu einem wahnsinnigen Erfolg. Doch wie es so ist: Diejenigen, denen der Film nicht gefiel, schrien so laut herum (und tun es immer noch), dass man den Eindruck gewinnen könnte, dass es sich bei EPISODE I um den größten Flop aller Zeiten handelte. Vor allem die Fans alter Schule beschwerten sich: Mittlerweile an den Hurra-Militarismus und Pathos der Romanfortsetzungen gewohnt, konnten sie mit dem teilweise kindischen Humor des Films nichts anfangen. Aber auch ohne mit den Büchern und Comics in Berührung gekommen zu sein, gab es viele Kritiker, die EPISODE I vorwarfen, in keiner Sekunde die Magie der Original-Trilogie einzufangen. Die Schauspieler wären schlecht, die Story verwirrend (oder nicht episch genug), und es wäre ein zu starker Schwerpunkt auf die Trickeffekte gelegt worden. Diese Kritik nahm so groteske Züge an, dass im Internet der Spruch „George Lucas raped my childhood“ die Runde machte. Oje...

"9 Mio. Credits kostet den Steuerzahler mein Kleidungsbudget monatlich. Wieso fragen Sie?"

Erst einmal: DIE DUNKLE BEDROHUNG ist nicht ohne Makel. Der Film hat z.B. keine wirkliche Hauptfigur. Anakin? Taucht erst spät im Film auf. Obi-Wan? Verschwindet während des Films für eine ganze Weile fast ganz aus der Story. Amidala? Es wird nicht klar, ob das Verwirrspiel um ihre Identität den Zuschauer hinter´s Licht führen oder offensichtlich sein soll. Qui-Gon? Das Ende des Films verhindert dies, aber bei ihm trifft es am ehesten zu. Daraus ergibt sich das Fehlen eines Heldenwegs, wie er in der Original-Trilogie in jedem einzelnen Teil vorhanden ist. Das lässt die Story von EPISODE I merkwürdig unfertig, beliebig und unfokussiert erscheinen. Davon abgesehen weisen die Tatooine-Sequenzen ein paar Längen auf. Und auch filmtechnisch stört den Fachmann so manches: Einige Einstellungen sind unnötig in die Länge gezogen (meistens Reaktions-Shots), und so plumpe Filmtricks wie Zeitraffer (z.B. um R2-D2 schneller zu machen) stören in einem solchen High-Tech-Film einfach.

Es ist unfair, einen direkten Vergleich zwischen EPISODE I und der Original-Trilogie anzustellen. Man darf nicht vergessen, dass der Film 16 Jahre nach deren letztem Teil herausgekommen ist. Seitdem hat sich die Filmtechnik genauso weiterentwickelt wie der Filmmarkt. Und auch George Lucas ist nicht mehr der Mann, der 1977 EINE NEUE HOFFNUNG in die Kinos brachte. Mittlerweile ist er ein Familienvater, und ist es ihm zu verdenken, einen noch familienfreundlicheren Film als zuvor machen zu wollen? Jar Jar und der kindliche Anakin sind ganz klar Zugeständnisse an das sehr junge Publikum. Das muss der alten Garde des Fandoms nicht gefallen, aber deswegen den Film als reinen Kinderkram abzutun, halte ich für falsch. Kämpfe und spektakuläre Actionsequenzen gibt es am laufenden Band. Die Podrenn-Sequenz mag etwas lang geraten sein, ist aber visuell packend (und sieht auf Bluray gigantisch aus). Last but not least: Auch inhaltlich ist begründet, dass EPISODE I eine andere Erzähldynamik als die Vorgänger vorweist: Dieser Film spielt 33 Jahre vor EINE NEUE HOFFNUNG. Ist es da verwunderlich, dass der Dialog etwas gestelzter klingt als früher? Immerhin lehnt sich die Prequel-Trilogie storymäßig an den Fall des Alten Roms an. Da darf es theatralisch werden. Und es ist wichtig, dass Anakin, aus dem später Darth Vader, werden soll, bereits in der Kindheit gewisse Dinge widerfahren. Nur so kann er stark genug geprägt werden, um später glaubwürdig bestimmte Entscheidungen zu fällen, die ihn immer mehr in den Sumpf der Dunklen Seite der Macht treiben. Will man wirklich den ganzen Fall Anakin Skywalkers erzählen, muss man an diesem Punkt seines Lebens ansetzen.

"Fans sich freuen werden, wenn sie erfahren, dass George mich-se jetzt auch digital in IMPERIUM einfügt!"

Wirkt der Film durch die digitalen Effekte seelenlos? Mitnichten. Und ich kann auch nicht das Argument verstehen, dass der Film unter in die Jahre gekommenen Tricks leidet. Wo ist der Unterschied zwischen einem in holprigem Stop-Motion über den Bildschirm ruckelnden Tauntaun oder einem digitalen Jar Jar, dem ein paar Polygone mehr gut getan hätten? Es gibt auch kritische Stimmen, die behaupten, dass die Story hinter den Effekten verschwindet. Dabei dienen die Effekte nur dazu, eine glaubwürdige, fremde Welt zu erschaffen, um darin das reibungslose Erzählen einer im wesentlichen gut durchdachten Geschichte zu ermöglichen. Und in den meisten Fällen sehen die Tricks immer noch gut aus – wenn auch zwischen EPISODE I und dem nur drei Jahre später veröffentlichten ANGRIFF DER KLONKRIEGER extreme Qualitätsunterschiede liegen.

Wer meint, dass die albernen Eskapaden Jar Jars den Film kaputtmachen, oder das zugegebenermaßen in einigen Szenen schwache Schauspiel von Jake Lloyd den Charakter des Darth Vader untergräbt, der merkt gar nicht, was für eine interessante Geschichte in EPISODE I erzählt wird. Lucas führt die Zuschauer an der Nase herum und gaukelt ihnen ein Happy End vor, welches keines ist. Denn auch wenn der Konflikt gelöst scheint, ist er doch nichts anderes als ein erster Schritt, um die Galaxis am Ende ins Dunkel zu stürzen. Wer nur den vordergründigen Kampf, der für einen STAR WARS Film vielleicht nicht episch genug ist, sieht, und nicht wahrnimmt, dass hier eine große, gut durchdachte und meisterlich erzählte (und gespielte) Verschwörungsgeschichte im Hintergrund abläuft... nun, der hat diesen ach so kindischen Film nicht verstanden.

"Lord Sidous, wisst Ihr, wo die Erdnuss-M&Ms abgeblieben sind?" - "Vernichtet... bis auf den Letzten!"

EPISODE I mag nicht die in ihrer Simplizität liegenden erzählerische Brillianz der Original-Trilogie aufweisen und auch den einen oder anderen handwerklichen Mangel an den Tag legen. Der Film mag keine so mitreißenden Charakter besitzen wie Luke, Han und Leia. Und hin und wieder mag er sogar infantil sein. Aber dennoch ist er ein Film, der nur so vor Fantasie strotzt, und dem Zuschauer einen sagenhaften Einblick auf eine andere Epoche des STAR WARS Universums bieten. „Lucas-Apologetiker!“ schreit da vielleicht so mancher. Ich aber behaupte: STAR WARS Fans, die an EPISODE I keinen Spaß haben, erkennen nicht, worum es in der gesamten Saga geht. Daher sage ich selbstbewusst: DIE DUNKLE BEDROHUNG ist der exzellente Einstieg in eine geniale Geschichte in sechs Akten.

PS: Die Bluray-Edition von EPISODE I hat neben den Änderungen der DVD-Version (u.a. längeres Podrennen) nur eine – allerdings gravierende – Neuerung erfahren: Die steife Yoda-Puppe wurde durch den aus EPISODE II und III bekannten Yoda ersetzt, der allerdings noch einmal verbessert wurde und jetzt ausdrucksstärker als je zuvor ist. Klasse!

PPS: 2012 beginnt mit der Wieder-Veröffentlichung von EPISODE I eine erneute Kinoauswertung der STAR WARS Saga – diesmal in 3D. Jedes Jahr soll – so ist zumindest der Plan – eine weitere Episode veröffentlicht werden. Und sicherlich wird es auch wieder so manche Überraschung geben (über die sich gewisse Fans dann wieder herrlich aufregen dürfen).

Star Wars - Episode V: Das Imperium schlägt zurück

2011-10-19T19:24:00.003+02:00

Auch wenn STAR WARS ein immenser Erfolg war, hatte er George Lucas viele Nerven gekostet, so dass er sich für die Fortsetzung vornahm, nicht mehr alle Verantwortung allein tragen zu müssen. Dies fing mit dem Drehbuch an, das er nicht mehr im Alleingang schrieb, sondern die renommierte Drehbuchautorin Leigh Brackett damit beauftrage, eine von ihm entwickelte Geschichte in Form zu bringen. Noch während der ersten Schreibphase verstarb Brackett, und Lucas übergab die Aufgabe an Lawrence Kasdan, der just die Arbeiten am Script zu JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES abgeschlossen hatte. Außerdem wollte Lucas die Entstehung des Films als Executive Producer überwachen, sich aber nicht mit den Problemen am Set herum plagen müssen. Da die Fortsetzung zu STAR WARS mehr Charaktertiefe enthalten sollte als der Vorgänger, fiel die Wahl des Regisseurs daher auf den erfahrenen Irvin Kershner, der u.a. mit DIE AUGEN DER LAURA MARS auf sich aufmerksam gemacht hatte.

Alle Schauspieler, deren Charaktere den ersten Teil überlebt hatten, waren wieder mit dabei. Überraschenderweise war auch Alec Guiness trotz einer schweren Erkrankung ebenfalls mit von der Partie. Neuzugänge bildeten Billy Dee Williams als „Lando Calrissian“, Jeremy Bulloch (der den Kopfgeldjäger „Boba Fett“ spielte, der bereits im STAR WARS HOLIDAY SPECIAL in Cartoonform eingeführt worden war) und Frank Oz. Der Puppenspieler, der in der MUPPET SHOW „Miss Piggy“ verkörperte, bekam die Aufgabe, dem wahrscheinlich wichtigsten Charakter des neuen Films Leben einzuhauchen: Jedi-Meister „Yoda“. In die Entwicklung der Puppe wurde viel Zeit und Geld investiert, da Lucas und Kershner klar war, dass die Glaubwürdigkeit Yodas damit stieg und fiel, wie realistisch der grüne Gnom aussah und natürlich auch „schauspielerte“.

"Was seht Ihr, Meister Yoda?" - "Dass Du nie wieder in einem Film so gut wirst mitspielen."

Gedreht wurde in Norwegen, das für Außenaufnahmen auf dem Eisplaneten „Hoth“ herhielt, und wieder einmal in den britischen Elstree-Studios, in denen gewaltige Sets wie der Hangar der Rebellenbasis, der Karbonit-Gefrierkammer in der Wolkenstadt und der Sumpfplaneten Dagobah errichtet wurden. Da Kershner viel Zeit in die Arbeit mit den Schauspielern investierte und diese auch zur Improvisation ermutigte, und natürlich die On-Set-Spezialeffekte oftmals nicht so funktionierten wie geplant, überstieg STAR WARS – EPISODE V: DAS IMPERIUM SCHLÄGT ZURÜCK („Star Wars – Episode V: The Empire Strikes Back“, 1980) sein Budget, so dass Lucas den Distributor Fox um eine Geldspritze bitten musste – in Anbetracht dessen, dass er jahrelang für seine Unabhängigkeit vom Studiosystem gekämpft hatte, eine herbe Niederlage.

Die Rebellen haben sich bei ihrer Flucht vor der imperialen Flotte auf den Eisplaneten Hoth zurückgezogen. Während Luke (Mark Hamill) der Geist Obi-Wan Kenobis (Alec Guinness) erscheint, der ihn auffordert, auf der Sumpfwelt Dagobah den Jedi-Meister Yoda aufzusuchen, um bei ihm in die Lehre zu gehen, kommen sich Han Solo (Harrison Ford) und Prinzessin Leia (Carrie Fisher) langsam näher. Als die Freiheitskämpfer von Darth Vader (David Prowse und James Earl Jones) aufgespürt werden, zerstreuen sich die Freunde in alle Himmelsrichtungen. Während Luke mit R2-D2 (Kenny Baker) nach Dagobah aufbricht, verstecken sich Han, Leia, Chewbacca (Peter Mayhew) und C-3PO (Anthony Daniels) in einem Asteroidenfeld. Während Luke auf Yoda trifft und dort eine an seinen Kräften zehrende Ausbildung zum Jedi-Ritter beginnt, tut sich Vader – der Luke um jeden Preis in die Finger bekommen will – mit dem Kopfgeldjäger Boba Fett zusammen, um Han und Leia zu finden. Denn mit diesen als Köder wird Luke ihm garantiert in die Falle tappen...

Aktionsfiguren separat erhältlich.

Als der Film 1980 in die Kinos kam – begleitet von einer gewaltigen Merchandising-Welle – brach er einen Rekord nach dem anderen. Die Kritiker monierten, dass IMPERIUM kein richtiges Ende aufwies. Und tatsächlich: Nach knapp zwei Stunden sah es so aus, als hätte das Imperium gesiegt und Luke musste sich mit einigen Wahrheiten konfrontiert sehen, die alles andere als angenehm zu schlucken waren. In Anbetracht, dass der Film aber das zweite Kapitel in einer Trilogie, die jetzt auf ein fulminantes Ende wartete, bildete, war es aus dramaturgischen Gründen absolut wichtig, die Helden vor einen Abgrund zu stellen. Mittlerweile hat das nun wirklich jeder erkannt, so dass IMPERIUM im Allgemeinen als der beste Teil der STAR WARS Saga gilt.

Und tatsächlich: In keiner Episode sind die schauspielerischen Leistungen so gut und die Story so tiefgründig. Und gemeinsam mit DIE RACHE DER SITH teilt sich IMPERIUM wohl die Rolle als düsterster Teil der Reihe, der zum Nachdenken anregt, und wirklich mit den Charakteren mitfühlen lässt. Kershner versteht es, sogar aus Charakteren wie C-3PO und R2-D2 unterschiedliche Nuancen herauszuholen, so dass jede Figur trotz des großen Ensembles zum Zuge kommt. Selbst der bessere „Muppet“ Yoda versprüht Leben und lässt den Zuschauer bereits nach wenigen Einstellungen vergessen, dass man es hier mit einer Puppe zu tun hat. Auch wenn IMPERIUM Lukes und Vaders Film ist, so ist die Beziehung zwischen Han Solo und Leia ein ebenso wichtiger Bestandteil und erdet die Geschichte ein wenig, so dass man sich nicht zwischen Mythen und großen Dramen verliert. Mutig ist auch, die große Schlacht direkt zum Beginn des Films stattfinden zu lassen. Aber hier zeigt sich die Stärke des Films: Auch wenn es gegen Ende „intimer“ wird (keine Angst, Action gibt es zu Genüge), kommt keine Sekunde Langeweile auf – dafür sorgen die Charaktere und ihre Konflikte und Schicksale.

"Küss mich!" - "Du bist die einzige Frau in diesem Film! Wen soll ich denn sonst küssen?!"

Im Zuge der Bluray-Veröffentlichung von STAR WARS erlebte auch IMPERIUM einige kleine Änderungen, die aber in erster Linie kosmetischer Natur sind (ein wegretuschierter Puppenspieler-Arm, veränderte Lichtstimmungen etc.). Im Rahmen der 1997er Special Edition und der 2005er DVD-Version gab es jedoch bereits größere Neuerungen z.B. in Form eines neuen „Wampa“-Eismonsters, einer optisch erweiterten Wolkenstadt, einer überflüssigen Sequenz, in der Vader auf seinem Sternzerstörer landet, und einer überarbeiteten Hologramm-Szene, in welcher der Imperator nun von Ian McDiarmid, der diesen Charakter auch in den Episoden VI, I, II und III spielen durfte, verkörpert wird.

DAS IMPERIUM SCHLÄGT ZURÜCK ist ein Beispiel dafür, dass eine Fortsetzung ihren Vorgänger noch um Längen übertreffen kann. Hier stimmt alles so sehr, dass sich jede spätere STAR WARS Episode an diesem Film messen lassen musste – klar, dass es da eigentlich nur Verlierer geben konnte. Und selbst bei anderen Franchises wirft jeder zweite Teil vor seiner Veröffentlichung die Frage auf, ob man es hier mit einem IMPERIUM zu tun haben könnte. Wer nach dem Erstling geglaubt hatte, George Lucas´ Weltall-Mär wäre eine Eintagsfliege, wird durch diesen Film eines Besseren belehrt. Dies ist nicht nur Film, es ist eine filmische Naturgewalt, die jeden in ihren Bann ziehen dürfte.

Star Wars - Episode IV: Eine neue Hoffnung

2011-10-18T19:02:00.000+02:00

Es ist nun eine ganze Weile her, dass dieser blog aktualisiert wurde. Lange brodelten die Besprechungen unzähliger Filme und Videospiele hinter meiner Stirn und warteten darauf, herausgelassen zu werden. Nun, jetzt ist der richtige Zeitpunkt gekommen, diese Arbeit wieder aufzunehmen. Und was gibt es für einen besseren Anlass als die Bluray-Veröffentlichung meiner Lieblingsfilme: Der STAR WARS Saga. Obwohl George Lucas wegen erneuter Änderungen herbe Kritik seitens der Fans (die offensichtlich sonst nichts haben, worüber sie sich aufregen könnten) einstecken musste, bricht die Box, die neben allen sechs Filmen auch eine Unmenge an Bonusmaterial enthält, jeden Verkaufsrekord, und dürfte sich bis in die Weihnachtszeit in den Charts der größeren Händler halten.

Ich werde nicht die Box, sondern jeden Film einzeln besprechen. Nicht, weil ich das Review unnötig strecken will, sondern vielmehr, weil ich der Meinung bin, dass alle sechs Filme es verdient haben, für sich erwähnt zu werden – und ja, ich bin auch ein Fan der Prequels. Deren Hasser sollten daher einen weiten Bogen um meinen blog machen. Außerdem sollte ich erwähnen, dass ich die Filme weder in chronologischer, noch in Entstehungs-Reihenfolge besprechen werde. Viel mehr wird es so aussehen: Episode IV, V, I, II, III, VI. In meinen Augen ist dies die beste Form, in der man „Neulingen“ (also eurem Nachwuchs da draußen!) die Saga nahebringen sollte, da so keine Überraschung verloren geht. Man sollte nur nach DAS IMPERIUM SCHLÄGT ZURÜCK erwähnen, dass wir nun einen Sprung um 33 Jahre in die Vergangenheit unternehmen.

"Zieh an meinem Finger!"

Egal. Fangen wir mit STAR WARS – EPISODE IV: EINE NEUE HOFFNUNG („Star Wars – Episode IV: A New Hope“; 1977) an. Es gibt so viele Bücher über die Entstehungsgeschichte der Filme, dass man mit ihnen ganze Bücherregale füllen könnte. Dennoch möchte ich ein paar wichtige Punkte ansprechen. Ursprünglich hatte George Lucas vor, einen Held seiner Jugend, deren Abenteuer er in den Wiederholungen der Serials aus den 30er Jahren verfolgt hatte, auf die Leinwand zu bringen: FLASH GORDON. Allerdings bekam Lucas die Rechte nicht und machte sich daher daran, eine eigene „Space Opera“ zu entwerfen. Die Stoffentwicklung zog sich über Jahre hinweg und geriet so manches Mal in eine dramaturgische Sackgasse. Schließlich warf Lucas die im groben Rahmen skizzierte Vorgeschichte der eigentlichen Story über Bord und konzentrierte sich auf die Verfeinerung eines Abenteuers aus dem Mittelteil seiner Saga um „Luke Starkiller“. Während die Designphase langsam anlief, dauerte es, bis Lucas den Stoff bei einem Studio unterbringen konnte – Science-Fiction gehörte in den 70er Jahren nicht zu den wirklich populären Stoffen, und selbst Lucas´ gewaltiger Erfolg mit seinem zweiten abendfüllenden Spielfilm AMERICAN GRAFFITI half ihm nicht. Schließlich schlug 20^th Century Fox zu. Mit einem aus heutiger Sicht lachhaft kleinen Budget ging die Produktion des da noch „The Star Wars“ betitelten Streifens so richtig los.

Mit dem unbekannten Protagonisten-Trio Mark Hamill (Luke Skywalker, das „Starkiller“ wurde als zu brutal fallengelassen), Carrie Fisher (Prinzessin Leia Organa) und Harrison Ford (Han Solo) machte Lucas das Studio nervös, konnte aber mit Alec Guinness (Obi-Wan Kenobi) einen echten Star vorweisen und mit Kultschauspieler Peter Cushing (Grand Moff Tarkin) auch die bereits damals ausgeprägte Nerd-Scharen für den Film interessieren. Die Dreharbeiten stellten sich als schwierig dar. In Tunesien, das für den Wüstenplaneten „Tatooine“ herhielt, funktionierte die Technik nicht so, wie sie wollte, und in den Elstree-Studios machte die britische Filmcrew Lucas das Leben schwer, da sie den jungen Schauspieler und seinen Streifen, den die meisten bereits als Flop abgeschrieben hatten, nicht ernst nahmen. Dem gegenüber stand der ehrwürdige Guinness, der bereits beim Lesen des Drehbuchs erkannt hatte, dass Lucas hier etwas Besonderes am Start hatte.

"Dortmund-Scharnhorst. Nirgends wirst Du mehr Abschaum und Verkommenheit finden als hier..."

In der Tat war es Lucas´ Anliegen gewesen, in einem Zeitalter, in dem im Kino Zynismus und Brutalität vorherrschten, einem jungen Publikum verlässliche Werte mit auf den Weg zu geben. Dafür bediente er sich dem mythischen „Weg des Helden“, einer Erzählstruktur, die der Mythenforscher Joseph Campbell ausgearbeitet hatte. Lucas folgte diesem Format sklavisch und erschuf dabei eine in sich so stimmige Geschichte, wie man sie zuvor selten im modernen Kino hatte erleben können. Jedes Element alter und moderner Mythen fand eine Entsprechung im nun STAR WARS genannten Film und sprach damit Jung wie Alt an. Die dahinter steckende Genialität hatte man während der Dreharbeiten vielleicht noch nicht erkennen können, nahm aber im Schnitt schnell Gestalt an. Schließlich verpflichtete Lucas mit John Williams den Hofkomponisten seines besten Freundes Steven Spielberg. Auf Wunsch des Regisseurs entwickelte Williams eine ganze Reihe von Leitmotiven in einem klassischen Gewand, das an Gustav Holst, Richard Wagner und Ralph Vaughan-Williams gemahnte. Bis zur letzten Minute bastelte Lucas an dem Film, und als STAR WARS im Mai 1977 endlich in die Kinos kam, wurde er zu einem bis dato nie gesehenen Erfolg. Das Merchandising verkaufte sich Millionenfach und sicherte Lucas die Möglichkeit, eine Fortsetzung unter seinen Bedingungen drehen zu können. Aber worum geht es?

Das Galaktische Imperium herrscht mit eiserner Faust unter Führung eines bösen Imperators über die Galaxis. Aber es gibt Widerstand in Form der Rebellenallianz. Deren Agenten ist es gelungen, die Pläne einer neuen imperialen Kampfstation zu stehlen. Die Rebellenführerin Prinzessin Leia wird bei ihrem Versuch, diese auf ihren Heimatplaneten zu bringen, von Darth Vader (David Prowse und James Earl Jones), der rechten Hand des Imperators gefangengenommen. Zuvor schafft sie es, die Pläne der „Todesstern“-Kampfstation in dem kleinen Droiden R2-D2 (Kenny Baker) zu verstecken. Dieser landet mit seinem Freund C-3PO (Anthony Daniels) auf der Oberfläche des Planeten Tatooine und zu zweit gelangen sie schließlich in den Besitz des Farmerjungen Luke Skywalker. Gemeinsam mit ihm finden sie den früheren General Obi-Wan Kenobi, einem Jedi-Ritter und Gebieter über die „Macht“, einem Energiefeld, das bestimmten Personen übernatürliche Kräfte verleiht. Dieser soll die Droiden nach Alderaan bringen, wo die Pläne in Sicherheit ausgewertet werden könnten. Als Luke entdeckt, dass sein Onkel und seine Tante von imperialen Truppen getötet wurden, macht er sich gemeinsam mit den Droiden und Kenobi auf den Weg nach Alderaan, um die Todessternpläne zur Rebellion zu bringen. Der zwielichtige Schmuggler Han Solo und sein affenartiger Co-Pilot Chewbacca (Peter Mayhew) sollen sie an Bord ihres Raumschiffes, des „Millennium Falken“, dorthin bringen. Nur knapp entkommen sie den Truppen des Imperiums, um dann feststellen zu müssen, dass Alderaan vom Todesstern vernichtet wurde. Nach dieser Entdeckung werden sie vom Imperium gefangengenommen und an Bord der Kampfstation gebracht. Doch sie können sich und Leia befreien. Auf ihrer Flucht wird Obi-Wan von seinem alten Schüler Vader getötet. Die Gruppe bringt die Todesstern-Pläne nach Yavin-4, wo sich die geheime Basis der Rebellen befindet. Doch das Imperium ist ihnen gefolgt, und in einer Raumschlacht muss es den Freiheitskämpfern gelingen, den Todesstern zu zerstören, bevor er auf Yavin-4 feuern kann. Luke schafft es, mit Hilfe von Han Solo, den alles entscheidenden Treffer abzugeben. Die Rebellion ist für´s erste gerettet. Doch Darth Vader hat überlebt...

"Chewie, ich sage Dir, mit dieser coolen Pose kommen wir garantiert auf´s Poster."

Selbst nach dem 150. Mal: STAR WARS ist einfach ein unglaubliches Filmerlebnis, das Kino in Reinkultur darstellt. Auch wenn Episoden folgen, die den ersten Teil in den Schatten stellen, so ist EINE NEUE HOFFNUNG von vorne bis hinten ein perfekt durchkomponiertes cineastisches Unterfangen, das kaum Längen aufweist, für die damalige Zeit perfekte Special-Effects aufweist, und mit seiner überbordenden Fantasie aus gestandenen Männern kleine Jungs macht. Selbst wenn man weiß, wie der Film ausgeht, sitzt man während der Endschlacht Nägel kauend am Rand des Sessels und fiebert mit Luke mit. Die hin und wieder etwas holprig klingenden Dialoge und auch nicht immer hundertprozentig erstklassigen schauspielerischen Leistungen fallen da kaum ins Gewicht, da sie in keiner Weise von dem ablenken, was da auf der Leinwand bzw. auf dem Bildschirm passiert.

STAR WARS ist Pflichtprogramm für jeden Filmfan. Und selbst, wenn man es nicht mag, muss man doch zugeben, dass Lucas damit das Kino für immer verändert hat. Es gab schon vorher Blockbuster (DER PATE und DER WEISSE HAI z.B.), doch keiner konnte so einschlagen wie dieser hier und ein Publikum so an sich binden. Nicht selten kam es vor, dass Fans bereits damals den Film mehrmals hintereinander im Kino sahen. So etwas hatte es in der Form einfach noch nie gegeben. Unzählige Nachahmer traten auf den Plan – ohne auch nur ansatzweise ähnlichen Erfolg verbuchen konnte. Das von Lucas extra für seinen Film ins Leben gerufene Trick-Studio „Industrial Light & Magic“ sollte in den kommenden Jahren zur ersten Anlaufstelle Hollywoods werden, wenn es darum ging, realistische Effekte auf die Leinwand zu bringen. Und auch wenn Lucas mit INDIANA JONES eine weitere Kino-Ikone erschuf, so konnte nichts, was er anging, solch einen Nachhall erzeugen. Er ist und bleibt „Mr. Star Wars“.

"Darf ich Ihnen diese Gaffi-Lanze anbieten, mein Herr?"

1997 veröffentlichte George Lucas zum 20jährigen Jubiläum die „Special Edition“, in der einige neue Sequenzen und Spezialeffekte eingearbeitet wurden. Diese stellte die Basis für die DVD-Version von 2005 dar, die nun erneut überarbeitet wurde, und auf Bluray erschienen ist. Diese ist bild- und ton-technisch dermaßen verbessert worden, dass man nicht glauben kann, dass hier ein Film vorliegt, der bald 35 Jahre auf dem Buckel hat. Besonders schön fällt auf, dass die teils grellen Farben der DVD-Fassung angepasst wurden: So sind die Explosionen während der Schlacht um den Todesstern nicht mehr pink, sondern schön gelb-orange. Lucas ließ es sich nicht nehmen, und hat auch sonst an den Filmen herumgedoktert. EINE NEUE HOFFNUNG weist eigentlich nur mit zwei erwähnenswerten Neuerungen auf: Obi-Wans Schrei, mit dem er die Tuskenbanditen vertreibt, klingt jetzt erst albern, dann aber gruselig; und in der selben Szene versteckt sich R2 jetzt nicht mehr in einer kleinen Höhle, sondern in einer Felsnische, da ein Stück Stein digital davor gesetzt wurde. Natürlich gibt es Leute, die (im Internet, wo auch sonst?) nun das Ende der Welt heraufbeschwören und der Meinung sind, dass der der Film dadurch schlechter gemacht wurde. Denen kann ich nur eine Frage entgegensetzen: Habt ihr sie noch alle?

STAR WARS gehört in jede Sammlung, und die Bluray ist die schönste Möglichkeit, sich dieses Meisterwerk zu geben. Der Film hat nichts von seiner Wirkung verloren, und die technische Präsentation kann nur beeindrucken. Wer hier nicht mitfiebert, hat in meinen Augen nicht begriffen, dass Kino Magie ist. Und STAR WARS ist pure Magie.

Terminator - Die Erlösung

2010-01-31T10:50:00.000+01:00

Mittlerweile ist es nicht mehr ganz leicht, der Timeline, die sich durch das TERMINATOR-Franchise zieht, zu folgen. Die ersten beiden Teile - geschaffen von TITANIC-Regisseur James Cameron - besitzen mittlerweile den Status junger Filmklassiker. Während die erste Episode den Actionfilm der 80er Jahre revolutionierte, gilt T2 als Musterbeispiel perfekt ausbalancierter Drehbücher und Musterbeispiel dafür, was photorealistische, digitale Effekte leisten konnten. JURASSIC PARK und alle FX-Filme, die folgen sollten, wären ohne ILMs Vorarbeit in TERMINATOR 2 - JUDGEMENT DAY nicht möglich gewesen. Danach wurde es chaotisch. Für Cameron war die Geschichte um die Zerstörung und Errettung der Erde durch Maschinenhand mit Teil 2 (richtigerweise) fertig erzählt. Das hinderte jedoch die Filmbosse nicht daran, Regisseur Jonathan Mostow die Führung von TERMINATOR 3 - RISE OF THE MACHINES zu übergeben. Der Film fiel bei Fans durch, so dass die folgende Fernsehserie TERMINATOR - THE SARAH CONNOR CHRONICLES den dritten Teil völlig ignorierte.

Vor kurzem kam nun ein neuer TERMINATOR-Film in die Lichtspielhäuser. Regisseur McG gab sich alle Mühe, zumindest die drei Filme als mehr oder weniger offizielle Vorgänger anzusehen, musste daher aber den (mittlerweile eingestellten) TV-Ableger links liegen lassen. Gleichzeitig wollte er aber einen Neuanfang wagen, der sich allein vom Zeitpunkt der Handlung (nämlich NACH dem Atomkrieg, welcher die Erde fast entvölkerte und die Skynet-Roboter an die Macht brachte) vom Rest der Filme abgrenzte. Daher wohl auch die bewusste Entscheidung, auf eine 4 im Titel zu verzichten. TERMINATOR - DIE ERLÖSUNG (Terminator - Salvation, 2009) wurde recht zügig abgedreht und machte im Vorfeld insofern von sich reden, dass das Fandom McG, der immerhin Regie bei DREI ENGEL FÜR CHARLIE geführt hatte, einen vernünftigen Umgang mit dem Franchise nicht zutraute, und zum anderen weil Hauptdarsteller Christian Bale erst zum Projekt stieß, nachdem seinem Charakter (er übernahm diesmal die Rolle des John Connor) mehr Raum im Script zugeteilt worden war - nur, um dann unrühmliche Aufmerksamkeit durch einen im Internet geposteten Set-Mitschnitt, in dem er einen Kameramann vor versammelter Mannschaft zur Schnecke macht, zu erhalten.

"Ich liebe dich!" - "Ich weiß!"

Mittlerweile gibt es TERMINATOR - DIE ERLÖSUNG in Deutschland sogar auf DVD zu erwerben. Rückblickend ist zu sagen, dass der Film die Welt nicht verändert hat. Er hat akzeptable Kritiken bekommen, akzeptables Geld eingespielt und bietet akzeptable Unterhaltung (dazu später mehr). Ein Re-Boot des Franchise, wie es sich McG und das Studio erhofft hatten, war es nicht. Die Rechte am TERMINATOR stehen wieder zum Verkauf und werden wohl bald bei einer neuen Produktionsschmiede landen (Lionsgate ist scheinbar schwer interessiert). Vielleicht hätte man den Film um ein halbes Jahr verschieben und ihn nach AVATAR starten sollen. Denn Sam Worthington - neben Bale der Star des Films - hat durch James Camerons mega-erfolgreiche Science-Fiction-Mär durchaus an Zugkraft gewonnen.

Das Computer gesteuerte Verteidigungssystem Skynet hat ein Bewußtsein entwickelt und die Menschheit im Feuer eines thermo-nuklearen Krieges beinahe ausgelöscht. In den Ruinen der vergangenen Welt kämpft der menschliche Widerstand gegen die roboterhaften Terminatoren, den Vollstreckern und Fußsoldaten Skynets. Die Rebellen kenne die Prophezeiung um ihren Anführer John Connor (Christian Bale), und dass dieser den Sieg gegen die Maschinen herbeiführen wird. Doch irgendwie will man nicht glauben, dass der sturköpfige und verschlossene Connor dazu in der Lage sein könnte. Zur gleichen Zeit findet sich der in der alten Zeit wegen Mordes zu Tode verurteilte Marcus Wright (Sam Worthington) in der Ödnis, die einmal die USA waren, wieder. Er trifft auf den jungen Kyle Reese (Anton Yelchin), verliert den neuen Freund jedoch, als sie in eine Sammelaktion der Terminatoren geraten. Marcus und Connor finden sich schließlich und beschließen, Reese - von dem Connor weiß, dass er eines Tages sein eigener Vater sein wird - aus den Klauen der Maschinen zu befreien.

"Wo ist dieser ver#@%§te Beleuchter?!"

Wie bereits oben erwähnt: TERMINATOR - DIE ERLÖSUNG ist akzeptabel. Er hätte besser sein können, wenn das schrecklich kitschige Ende nicht gewesen wäre. So aber hat der Zuschauer es mit einem krachigen SF-Actioner zu tun, der nicht wehtut, kein Neuland betritt, aber eben gute Unterhaltung bietet. Vor allem die tollen Trickeffekte haben es mir dabei angetan. Die verschiedenen Terminator-Varianten (vor allem den "Harvester" mit seienn urigen Sounds) sind phantasievoll und technisch einwandfrei umgesetzt. Arnold Schwarzeneggers Pseudo-Cameo-Auftritt sorgt zusätzlich für eine gelungene Überraschung. Das Script ist dahin gehend eher flach, und schauspielerisch wird kein Meilenstein auf die Beine gestellt. Aber das hat man eigentlich auch nicht erwartet.

Wenn das Drehbuch also ein Quäntchen besser gewesen wäre, hätte TERMINATOR - DIE ERLÖSUNG durchaus das Zeug zu einem erstklassigen Film. So, wie es am Ende aussah, ist es aber eben "nur" ein guter Actionreißer, der vor allem die männliche Klientel zufrieden stellen dürfte. Es rummst und kracht an allen Ecken, schöne Frauen schwingen ihre... Waffen, und die Story um den TERMINATOR wird zumindest halbwegs logisch weitergesponnen. Da ich nie ein großer Fan des Franchise war, ging ich mit niedrigen Erwartungen ins Kino, und fühlte mich am Ende positiv überrascht. Wenn man seine Vorfreude also im Zaum hält, könnte man mit dem Film wirklich Spaß haben.

Das Ende der Welt

2010-01-31T09:29:00.000+01:00

Es ist schon problematisch, wenn auf dem Cover die DVD die Mitwirkung von Horror-Star Christopher Lee mit einem Foto beworben wird, das aus einem ganz anderen Film stammt. Die verunstaltete Fratze stammt nämlich nicht aus vorliegendem DAS ENDE DER WELT (End of the World, 1977), sondern aus DAS SCHLOSS DES GRAUENS (bereits hier vorgestellt. Wenn man bedenkt, dass besagter Streifen nicht mal gut ist, fragt man sich, warum man auf dieses Bild zurückgegriffen hat. Das wird klar, wenn man sich die Meinung, die Mr. Lee mittlerweile selbst vom ENDE DER WELT hat, anhört: Er wurde unter Vorspielung falscher Tatsachen zu dem Projekt gelockt (angeblich sollten solche US-Stars wie John Carradine mit von der Partie sein), musste aber vor Ort feststellen, dass der Titel des Films ganz zu recht gewählt wurde.

Der Wissenschaftler Andrew Boran (Kirk Scott) ist für eine Reihe von Vorträgen gemeinsam mit seiner Frau Sylvia (Sue Lyon) in den USA unterwegs. Gleichzeitig entdeckt er, dass von einem Ort ganz in seiner Nähe außerirdische Signale von der Erde aus ins All gesendet werden. Diese kündigen schreckliche Katastrophen an. Boran sucht den Ursprung dieser Signale und stößt dabei erst auf seinen alten Bekannten Militär-Commander Beckerman (Lew Ayres) und schließlich auf eine Nonnen-Abtei, die von Vater Pergado (Christopher Lee) geleitet wird. Schnell muss das Ehepaar Boran feststellen, dass in diesem Kloster nichts so ist, wie es zu sein scheint.

Christopher Lee sieht rot...

Selten habe ich einen so langweiligen Film gesehen. Es muss viel geschehen, dass ich mich dazu verleitet fühle, entweder auf die Sichtvorlauf-Taste der Fernbedienung zu drücken, oder die DVD gleich ganz auszumachen. Um meine journalistische Integrität zu wahren, habe ich weder das eine noch das andere getan, aber es war schwer, das kann ich euch sagen. In DAS ENDE DER WELT gibt es nichts, was den Zuschauer auch nur irgendwie bei der Stange halten können, da sämtliche Aspekte des Films einfach uninteressant sind. Wenn es wenigstens spektakulärer Trash wäre, aber nein...

Aushängeschild des Streifens ist ganz klar Gruselikone Lee. Während er im Prolog noch eine lachhafte Darstellung abliefert, gibt er sich im restlichen Film wenigstens Mühe, gute Miene zum bösen Spiel zu machen. Die anderen Cast-Mitglieder sind immerhin soweit positiv zu erwähnen, dass sie bei den abgrundtief schlecht geschriebenen Dialogen nicht in schallendes Gelächter ausbrechen. Es wäre mit Sicherheit interessant, die Outtakes zu sichten. Da würde auch die nervtötende Synthie-Musik fehlen, die sich durch den ganzen Film zieht. Am Ende ist sie zum akustischen Äquivalent eines Autounfalls geworden: Man möchte nicht hinhören, kann aber sich aber auch nicht losreißen.

"Was guck´s du?!"

In den letzten zehn Minuten läuft DAS ENDE DER WELT schließlich zu Hochtouren auf. Während der Untergang des Planeten in blaustichigen Archivaufnahmen diverser Naturkatastrophen dargestellt wird, bekommt der Zuschauer einen Blick auf ein peinliches Alien-Design und das wahrscheinlich uninteressanteste Ende der Filmgeschichte geboten. Als am Ende der an Schnüren aufgehangene blaue Ball namens Erde in einer Explosion untergeht, die erschreckend an die Komödie AMAZONEN AUF DEM MOND erinnert, könnte der Zuschauer sich nicht weniger für den Exitus seines Heimatplaneten interessieren. Upps. Das waren ja jetzt einige Spoiler. Aber egal, diejenigen, die das hier lesen, werden sich den Streifen hoffentlich ohnehin nicht angucken.

DAS ENDE DER WELT ist einfach ein mieser Film. Bis auf die letzte Einstellung gibt es wahrlichst nichts, das auch nur im Ansatz unterhaltsam sein könnte. Gut, dass Mr. Lee mittlerweile zum Ritter geschlagen wurde, denn irgendwie muss man den armen Mann doch dafür belohnen, solchen Mist überstanden zu haben. Fazit: Bitte ignoriert dieses Film, lasst ihn im Laden, oder im Internetversandhaus liegen - egal, zu welchem Preis er angeboten wird. DAS ENDE DER WELT ist wirklich so schlecht.

Der Dämon mit den blutigen Händen

2010-01-26T21:48:00.000+01:00

Das nächste Mal, dass Ihr, liebe Leser, Euch einer Herztransplantation unterziehen müsst, glaubt nicht, was Euch diese versnobbten Mediziner der deutschen Ärzteschaft erzählen. Alles, was man für so eine Prozedur benötigt, ist eine Scheune, ein in einem Kessel mit heißem Wasser am Leben erhaltendes Herz, einen betrunkenen Landarzt und ein mit zittrigen Fingern geführtes Skalpell. Dies lernt der geneigte Zuschauer in DER DÄMON MIT DEN BLUTIGEN HÄNDEN (Blood of the Vampire, 1958), kein Hammerfilm, obwohl das Drehbuch von Jimmy Sangster (der für die britische Horrorschmiede im selben Jahr DRACULA schrieb) stammt, und die Geschichte in und um das berüchtigte Carlstadt spielt, einer der Orte, in denen der berühmte Vampir auf Geheiß von Hammer des öfteren umher geisterte. Dies ist auch kein Vampirfilm, auch wenn der englische Titel dies suggeriert (wahrscheinlich um auf der von DRACULA losgetretenen Welle rund um die Blutsauger mit zu reiten).

Wir schreiben das Jahr 1880: Jean-Pierre (Vincent Ball) steht vor Gericht. Dem jungen Mediziner ist ein Patient weggestorben, weil er ihn mit neuartigen Methoden behandelt hat. Scheinbar hat sich sogar sein ehemaliger Lehrmeister gegen ihn gewandt. Und so landet Jean-Pierre zum Schrecken seiner Braut Madeleine (Barbara Shelley) auf Lebenszeit in einem Hochsicherheitsgefängnis. Dies wird von dem finsteren Dr. Callistratus (Donald Wolfit) geleitet, der die Insassen für seine schrecklichen Experimente missbraucht. Als Jean-Pierre das Angebot bekommt, dem wahnsinnigen Wissenschaftler zu helfen, schlägt der Arzt dieses Angebot nicht aus. Als ihm die Tragweite von Callistratus´ Forschung klar wird, beginnt er, einen Fluchtplan zu schmieden. Da taucht Madeleine auf, in die sich Callistratus´ buckliger Gehilfe Carl (Victor Maddern) direkt verguckt...

"Noch ein Wort über meine Frisur, und ich schieße!"

Was für den Film spricht, ist seine verschwenderische Ausstattung, die guten Make-Up-Effekte und die authentische Atmosphäre. Schön ist auch die Darstellung des Helden. Jean-Pierre (Vincent Ball spielt sehr gut) ist ein ambitionierter Mediziner, der für offen für alles Neue ist. Dass er einen Pakt mit dem Teufel eingeht, nimmt er in Kauf, um sich selbst die Haft zu erleichtern, aber auch, um die wissenschaftliche Forschung voranzutreiben. Es braucht einen Moment, bis er voll und ganz begreift, dass er falsche Prioritäten gesetzt hat. Neben den üblichen Horrorklischees, die Drehbuchautor Sangster in seine Geschichte streut, gesellt sich noch eine gute Portion Ausbruchsdrama à la DER GRAF VON MONTE CHRISTO hinzu, was der (für die damaligen Zeit ziemlich blutrünstigen) Geschichte ein wenig Elan und Abenteuercharakter verleiht. Mit dem Nebencharakter Auron (Bryan Coleman) wird die Filmhandlung zudem geschickt vorangetrieben.

Was gegen den Film spricht, ist seine unglaubliche Naivität, die auch bereits 1958 hätte auffallen müssen. So waren es Dr. Callistratus und Jean Pierre, welche sich scheinbar zuerst mit der Kategorisierung von Blutgruppen beschäftigten; und wie man Herzen richtig transplantiert, wurde ja bereits oben erwähnt. Wenig einfallsreich ist zudem der bucklige Gehilfe des verrückten Wissenschaftlers. Nicht, dass man das schon tausendfach anderswo gesehen hat... Es wird auch nicht dadurch besser, dass sich eben dieser am Ende darauf besinnt, dass DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME gezeigt hat, dass Bucklige auch (tragische) Helden sein können. Die Regie wirkt zudem etwas angestaubt und erinnert in vielen Momenten an die Bildsprache der alten Universal-Horrorfilme. Ihr gelingt es nicht, einige lahme Plotpoints inszenatorisch aufzuwerten.

"Das ist aber ein fieser Pickel. Warten Sie, ich helfe Ihnen."

Kommen wir noch einmal zum „Vampir“ im englischen Originaltitel. Man darf sich getrost fragen, was dies sollte. Außer einem plumpen Versuch, sich an DRACULA anzuhängen, fällt einem da nichts zu ein. Im Prolog wird es zwar so hingestellt, dass die ahnungslosen Bürger Carlstadts Callistratus für einen Vampir hielten und ihn deswegen pfählten, aber hier haben Sangster und Regisseur Henry Cass Potential verschenkt, das weiter auszuloten. Am Ende bleibt ein motivationsarmer Bösewicht, der optisch wie der rundliche Bruder von Bela Lugosi anmutet. Unfreiwillig komisch wird’s im Showdown, als Donald Wolfit von einem Stuntman gedoubelt wird, der nun überhaupt keine Ähnlichkeit mit ihm hat.

Nett. Mehr aber auch nicht. Wer die Bildgewalt und eindringliche Atmosphäre der Hammerfilme gewohnt ist, wird nach dem Genuss von DER DÄMON MIT DEN BLUTIGEN HÄNDEN das Fazit ziehen müssen, dass hier versucht leider nur vergeblich versucht wurde, das große Vorbild zu erreichen. Es gibt einige gute Ansätze, aber das Potential wird an vielen Stellen einfach verschenkt. Unterhaltsam ist der Streifen aber allemal, und sollte Fans des Gothic-Horror 82 Minuten solider Unterhaltung bereiten.

Dracula 3000

2010-01-17T11:59:00.000+01:00

Der schlechteste Film aller Zeiten. Ich habe ihn gefunden, und ich habe lange gesucht. Auch wenn meine Reviews hin und wieder das Gegenteil erscheinen lassen könnte, bin ich jemand, der mit Superlativen selten um sich schmeißt. Ich bin nach wie vor der Meinung, dass SUPER MARIO GALAXY das beste Spiel ist, das ich jemals gespielt habe. Dennoch hat es nur 99% auf meiner Skala bekommen. Es könnte ja schließlich sein, dass eines Tages ein noch besseres Spiel in meinen verschwitzten Fingern landet. Bei DRACULA 3000 hingegen bin ich mir sicher, dass es nichts gibt, was nicht absichtlich schlecht sein soll, was noch mieser sein könnte, als diese Ausgeburt. Dieser Film ist so jenseits vom Begriff des Trashes anzusiedeln, dass bei aller Kuriosität keinerlei Anreiz besteht, sich damit zu strafen, die DVD in den heimischen Player zu schieben.

Ich habe ja mit nichts gutem gerechnet. Dafür muss man sich nur die Schauspieler-Truppe anschauen, die man aus ihren Löchern gelockt hat (mich würde wirklich interessieren, wie deren Gagen aussahen): Caspar STARSHIP TROOPERS Van Dien, Erika BAYWATCH Eleniak, Coolio (!) und Udo Kier (der ja wirklich in allem mitspielt, was bewegte Bilder hat). Ich kann aber noch einen draufsetzen: Alexandra Kamp. Ihr habt richtig gelesen. Alexandra Kamp. Wow. Es finden sich zudem in den Credits eine Vielzahl von deutschen Filmschaffenden, so dass ich wirklich den Eindruck habe, dass dieser Film eine Art Steuerabschreibungsprojekt darstellt. Ich kann mir einfach nicht vorstellen, dass ansonsten jemand wirklich geglaubt hat, dass dieser Streifen eine gute Idee darstellen könnte. Und wenn doch: Wie fühlt sich derjenige, nachdem er den Film gesehen hat?

Gegen schlechte Filme helfen nicht einmal Holzpfähle.

Im Jahr 3000 hat es der Kommunismus scheinbar zur vorherrschenden Gesellschaftsform auf der Erde gebracht, und das Ausüben von Religion ist strengstens verboten. Das Schürf-Schiff "Mother III" unter dem Kommando von Captain Van Helsing (Caspar Van Dien) stößt auf den verlassenen Frachter "Demeter". An Bord findet die Crew die sterblichen Überreste des Kommanders; vom Rest der Besatzung, oder von der Fracht ist nichts zu sehen - außer einigen Särgen, mit denen etwas nicht zu stimmen scheint. Bevor sich die Gruppe um Van Helsing und der Praktikantin Mina Murry (Alexandra Kamp) richtig orientieren kann, startet die "Mother III" und jagt führerlos davon. Während man berät, was zu tun ist, wird der Techniker 187 (Coolio) in einen Vampir verwandelt und stürzt sich auf seine ehemaligen Freunde. stößt Besatzungsmitglied Aurora (Erika Eleniak) auf einen mysteriösen Passagier der Demeter: Graf Orlock (Langley Kirkwood)...

Mehr über die Handlung ist unnötig und Platzverschwendung. Ich weiß gar nicht, wo ich anfangen soll, zu beschreiben, wo dieser Film Probleme hat, also versuche ich einfach mal eine knappe Auflistung aller schlechten Dinge: Die Schauspieler (D-Niveau), die Effekte (PC-Spiele in den 90ern sahen besser aus), Make-Up (lachhaft), das Ende (eine Frechheit in Tüten). Das schlimmste ist mit Abstand aber sicherlich die Story. Die Drehbuchautoren haben hier versucht, möglichst viele Anspielungen auf DRACULA und dessen mediale Outings in eine Handlung einzubauen, die wie eine Kreuzung von ALIEN und EVENT HORIZON anmutet. Leider ergeben die wenigsten davon auch nur irgend einen Sinn und sind einfach nur da, damit irgendwann mal die Worte "Van Helsing" oder "Orlock" etc. fallen. Aaargh. Während man(n) dann doch bis zum Ende durchgehalten hat, und sich die Hoffnung zu erfüllen scheint, jetzt wenigstens noch eine entblätterte Erika Eleniak sehen zu können, wird einen coitus interruptus erleiden, denn das Budget hat dann wohl doch nicht dafür gereicht, die durchaus noch ansehnliche Eleniak dazu zu überreden, blank zu ziehen. Stattdessen hört der Film einfach auf. Einfach so. Kein Höhepunkt, keine Spannung. Nichts. Ende.

Dieser Mann hat sich DRACULA 3000 dreimal hintereinander angesehen...

DRACULA 3000 (2004) wirkt wie ein Amateurfilm, an dem niemand mitgewirkt hat, der auch nur annähernd eine Ahnung davon hat, wie man einen Film macht, geschweige denn eine kohärente Geschichte erzählt. Die Szenen mit Udo Kier scheinen wahllos in die Handlung geschnitten worden zu sein. Wahrscheinlich weil man am Ende merkte, dass man noch einen echten "Star" brauchte, um in der Masse an Direct-to-DVD-Produktion hervorzustechen. Doch, halt: Zumindest in Spanien hatte DRACULA 3000 eine Kinoauswertung. Dieser Film war irgendwo in einem Kino auf der Leinwand zu sehen. Das muss man sich mal vorstellen. Wahrscheinlich waren die Verleiher auf den Titel reingefallen, der ja vermuten lässt, dass wir es mit einer Fortführung von Wes Cravens (schlechter) DRACULA-Reihe zu tun haben.

Wie ich bereits vor kurzem an anderer Stelle schrieb: Als Dracula-Fan muss man mit Zelluloid-Unfällen umgehen können. Aber das hier ist wirklich der Gipfel, der Boden des Fasses und ein Trauerfest für alles, was einen Film schlecht machen kann. Wenn ein Film so mies ist, dass man nicht einmal von seiner Schlechtigkeit unterhalten werden kann, sollte dies ein rotes Tuch für jeden Anhänger guten Entertainments sein. Wenn es eine Hölle für Filmfreunde gibt, dann sieht sie aus wie DRACULA 3000.

Avatar - Aufbruch nach Pandora

2010-01-16T14:10:00.000+01:00

Alle sprechen von AVATAR. Und alle gehen hin. Okay, das war jetzt kein besonders gekonntes Wortspiel, aber es trifft durchaus zu. Wenn es einen Film der Stunde gibt, dann ist es der alle Rekorde brechende AVATAR. Regisseur James Cameron hat sich nach TITANIC lange Zeit gelassen, um mal wieder einen großen Kinofilm auf die Leinwände zu zaubern. Dabei hatte er vor, bereits nach seinem Ozean-Drama mit der Produktion seines lang gehegten Wunschprojektes zu beginnen. Doch die damals noch mangelhaften CGI-Möglichkeiten hielten ihn davon ab. Erst mit dem Auftauchen Gollums in DER HERR DER RINGE - DIE ZWEI TÜRME entschied Cameron - so will es die Legende -, dass es Zeit wäre, AVATAR auf die Menschheit loszulassen. Innerhalb kürzester Zeit schaffte es der Science-Fiction-Film auf Platz 2 der ewigen Bestenlisten - direkt hinter Titanic.

Dabei sah es am Anfang wohl gar nicht danach aus, dass mit AVATAR ein echter Hit in den Startlöchern standt. Bereits seit Jahren hypte Cameron das Projekt selbst, indem er verkündete, dass die Trickeffekte des Films alles bisher da gewesene in den Schatten stellen sollte. Und auch in Sachen 3D würde AVATAR die Konkurrenz weit hinter sich lassen. Noch besser: Für den Planeten Pandora, der den Schauplatz der Geschichte bildete, sollte ein komplett neues Ökosystem am Computer erschaffen werden. Dann kam der Trailer. Die Reaktionen waren verhalten bis enttäuscht. Die Szenen, welche der Zuschauer damals zu sehen bekam, sahen aus wie aus einem Videospiel, und das, was von der Handlung erkennbar war, wirkte wie eine platte Ökofabel. Jetzt ist AVATAR - AUFBRUCH NACH PANDORA (Avatar, 2010) seit ein paar Wochen hier und straft alle Zweifler (inklusive mir persönlich) ab. Wie gelingt dem Film das?

"Ja, das ist korrekt. Wir züchten hier Super-Schlümpfe."

Der Planet Pandora ist ein scheinbares Paradies. Auch wenn seine Atmosphäre für den Menschen giftig ist, wirkt die Welt mit ihren dichten Urwäldern, der unglaublichen Artenvielfalt von Flora und Fauna und ihren naturverbundenen Ur-Einwohnern, den blauhäutigen Na´vi, wie eine Erde, auf der sich der Mensch nie ausbreiten konnte. Dennoch haben die Bewohner des Planeten Erde ein Auge auf Pandora geworfen. Nur auf ihm findet man den überaus seltenen und wertvollen Stoff Unobtanium. Dummerweise kommt er gerade unter den heiligen Orten der Na´vi vor. Und diese möchten sich a) nicht umsiedeln lassen und b) ihre Kultplätze nicht dem schnöden Mammon der Menschen opfern. Die Schürfgesellschaft RDA entwickelt einen perfiden Plan: Das Avatar-Projekt. Im Reagenzglas werden bewußtseinslose Na´vi gezüchtet, deren DNA mit den Genen jeweils eines Menschen vermischt wurde. Dieser kann nun seinen Geist in diesen "Avatar" speisen und so in Feindesland aufbrechen, um die dort lebenden Na´vi davon "zu überzeugen", dass es besser wäre, die Bodenschätze den Menschen zu überlassen. Jake Sulley (Sam Worthington) ist einer der Leute, die dies bewerkstelligen sollen, nachdem sein Zwillingsbruder getötet wurde, und nun nur er Kontrolle über dessen Avatar übernehmen kann.
Der seit einem Unfall an den Rollstuhl gefesselte Sully ist berauscht von seinen ersten Ausflügen in seinem neuen Körper, kann er doch nun wieder laufen, springen und sich frei bewegen. Bald findet er Zugang zu den Na´vi und freundet sich mit der jungen Kriegerin Neytiri (Zoe Saldana) an. Je mehr Sulley die Kultur der Na´vi kennenlernt, desto mehr verliebt er sich in dieses alternative Leben. Doch in der Heimatbasis wird Colonel Quaritch (Stephen Lang) ungeduldig. Er und der Unternehmensleiter Selfridge (Giovanni Ribisi) werden nicht zögern, die Na´vi mit Gewalt aus ihrer Heimat zu vertreiben, wenn das Projekt "Avatar" scheitern sollte. Sully und die Na´vi-Forscherin Grace (Sigourney Weaver) bleibt nicht mehr viel Zeit.

Alle Welt fragt nach den Effekten, und ich kann sagen: "Ja, sie sind so gut, wie man denkt." Zu keiner Zeit hat man den Eindruck, dass man es mit einem Special-Effects-Spektakel zu tun hat, das am Computer entstanden ist. Obwohl die Schauspieler fast nur vor Green-Screens gespielt haben, gelingt es ihnen, völlig überzeugend durch Urwälder, Baumhöhlen, Gebirge und Raumschiffe zu wandern und mit den völlig realistisch und plastisch anmutenden Wesen zu interagieren. Die Mimik und Gestik der Na´vi ist absolut überzeugend und überträgt die Emotionen der Charaktere so gut, dass einem die Tränen in die Augen steigen könnten. AVATAR sollte man sich unbedingt auf 3D geben, da durch die Technik - abgesehen von den generellen Unzulänglichkeiten des Systems - die Effekte und die wunderschön zusammengestellten Bilder ihre volle Wirkung entfalten.

Mein erster Kritikpunkt lässt allerdings nicht lang auf sich warten. Für das protzig angekündigte Ökosystem des Planeten Pandora wirkt dies aber doch erstaunlich phantasielos. Im Grunde genommen sind alle Tiere und Pflanzen dieser ach so fremden Welt stark an irdische Lebensform angelehnt. Alles wirkt so, als hätte man Pferde, Vögel, Katzen etc. mit Dinosauriern gekreuzt und kreischend bunt angemalt. Ähnliches gilt für die Kultur der Na´vi. Hier hätte ich mir eine stärkere Fremdartigkeit gewüscht, so dass der Zuschauer Sulleys anfängliche Zurückhaltung nachvollziehen könnte und sich gemeinsam mit dem Protagonisten den Fremdwesen geöffnet hätte. Außerirdische küssen? Lachen? Weinen? Alles, so wie bei uns Menschen? Das funktioniert in STAR WARS, vielleicht sogar auch in STAR TREK und DOCTOR WHO, aber in einem Film, der ach so realistisch sein will, wirkt das sehr plump.

Die ersten zwanzig Minuten AVATARs schienen meine anfänglichen Befürchtungen zu bestätigen. So entsetzlich schlechtes Planting (das in gleich bleibender "Qualität" immer wieder im Film auftaucht) hätte ich im teuersten Film aller Zeiten nicht erwartet. Darüber hinaus ist die Story wenig innovativ. Ähnliches mit ähnlichen Intentionen hat man schon dutzendfach gesehen, und muss dafür nur das Kinderfernsehen einschalten (auch wenn man dort weniger Maschinengewehre und Battle-Mechs sehen dürfte). Außerdem weist die Handlung diverse Löcher auf, die nur so nach einer Extended-Fassung auf DVD schreien. Dazu gesellen sich noch diverse Logikfehler etc. Vor lauter Technikspielereien hat James Cameron hier scheinbar beim Drehbuch und Schnitt erheblich geschludert. Für einen Zyniker wäre die Sache damit gegessen, und AVATAR abgehakt.

"Ich verstehe Dich nicht. Warum soll ich mich umdrehen?"

Aber: So ist es nicht. James Cameron gelingt es, aus dieser naiven Story einen Epos zu stricken, der einen packt und nicht wieder loslässt. Das spannende Ende hinterlässt den Zuschauer mit einem tiefen Gefühl der Befriedigung und ist durchaus in der Lage, den Zuschauer dazu zu ermutigen, mal etwas Nähe zur Natur zu suchen. Die meisten Elemente, aus denen AVATAR gezimmert ist, wären für sich genommen lahm, naiv und unglaubwürdig. Aber zusammen entfalten sie ein echtes Kinoerlebnis, wie man es schon eine Weile lang nicht mehr gesehen hat. Ich weiß nicht, wie es ihm gelingt, aber es ist nun einmal so. Vielleicht tragen dafür auch die Schauspieler Verantwortung, die mit großem Einsatz dabei sind, und die Story fantastisch tragen und übermitteln. Alles ist ganz klassisch, und obwohl die meisten Charaktere auch schon x-mal so oder so ähnlich zu sehen waren, helfen sie dabei, diese Geschichte meisterhaft zu transportieren.

Ich bin mit der vorgefertigten Meinung ins Kino gegangen, eine lahme Ente vorzufinden. Ich kam aber mit dem Bild eines gewaltigen Adlers, hoch über den Wolken, heraus. Cameron hat mit seinem Wunschprojekt bewiesen, dass man einen Blockbuster der Marke Popcorn-Kino auf die Beine stellen kann, der aber dennoch so etwas wie eine Seele besitzt. Es ist verdammt schwierig, zu beschreiben, warum AVATAR mit all seinen Problemen nicht scheitert, sondern ein handwerklicher und - ja, ich sage es - künstlerische Erfolg ist. Möglicherweise kann man es so sagen: Ein Film, der aus den USA kommt, und eine so positive, weltoffene und von Toleranz geprägte Message besitzt, und dabei fantastisch unterhält, ist eben ein echtes Kleinod.

Das Grauen auf Black Torment

2010-01-16T12:46:00.000+01:00

Ende der 50er und Anfang der 60er waren Horrorfilme Großbritanniens Exportschlager Nr.1. Vor allem die Streifen aus dem Hause Hammer machten in der Heimat, den USA und Europa großes Geld. Kein Wunder, dass findige Produzenten den Konkurrenten nicht alles vom Kuchen überlassen wollten. Und so taten sich Tony Tenser, der bislang als Pressesprecher und Filmverleiher gearbeitet hatte, und Michael Klinger, dem Besitzer eines Striptease-Lokals, zusammen. Nachdem sie anfangs in einem Kino Filme gezeigt hatten, die Probleme mit der britischen Zensurbehörde gehabt hatten, begannen sie nach einem Ausflug als Verleiher damit, erst Sexfilmchen, 1964 dann aber mit DAS GRAUEN AUF BLACK TORMENT (The Black Torment) einen Horrorfilm im besten britisch-gothischen Stil zu produzieren.

"Mein Gott, hast Du schöne Zähne!"

Sir Richard (John Turner) hat nach dem Tod seiner geliebten Frau wieder geheiratet. Mit seiner neuen Braut Elizabeth (Heather Sears) kehrt er nach den Flitterwochen auf das herrschaftliche Anwesen seiner Familie zurück. Doch in seiner Heimat wird Richard sehr unfreundlich empfangen. So heißt es doch, dass er sich vor kurzem an einem jungen Mädchen vergangen und sie ermordet haben soll. Aber wie kann das sein? Zum fraglichen Zeitpunkt, das weiß Richard genau, war er noch mit Elizabeth unterwegs. Es kommt noch schlimmer: Bald häufen sich die Anzeichen, dass seine erste Frau als Geist auf dem Anwesen herumspukt. Richard versinkt immer mehr im Schwermut. Weder Elizabeth noch sein bester Freund Seymor (Peter Arne) scheinen ihm helfen zu können. Eines Nachts überschlagen sich die Ereignisse.

BLACK TORMENT ist kein echter Horrorfilm. Fans der Hammer-Streifen werden am Ende vielleicht etwas enttäuscht darüber sein, dass eine waschechte, kernige Krimihandlung hinter all den Kostümen und verschwenderisch gestalteten Sets verborgen ist. Apropos: Da liegen auch die Stärken des Films: Die Ausstattung ist schön und muss sich hinter Produktionen der Konkurrenz in keiner Weise verstecken. Die Musik ist atmosphärisch, und die Regie zaubert stimmungsvolle Bilder auf die Leinwand bzw. Fernseher. Die unverbrauchten Schauspieler machen ihre Arbeit gut, und die deutsche Synchro ist sehr liebevoll gemacht.

"Passt der Sattel zu meinem Mantel? Was denken Sie?"

Der Film wurde in Deutschland einst damit beworben, dass alle, die das Ende verraten, von einem Fluch erfasst werden (worauf im deutschen Vorspann auch noch mal hingewiesen wird). Um auf Nummer sicher zu gehen, werde ich mich mit echten Spoilern daher zurückhalten. Doch dummerweise ist es so, dass man die Auflösung des Films bereits nach wenigen Minuten erraten hat. Das, was in den 60ern vielleicht noch überraschend war (ich glaub´s aber nicht), ist heute Klischee und vorhersehbar. Schade, denn damit verliert der Film das, was ihn eigentlich tragen sollte. Dabei kann das Drehbuch mit einigen Interessen Kniffen und Einfällen aufwarten. Das Ende bietet einen packenden Zweikampf, und dass die Charaktere allesamt eher ambivalent geraten und nicht durchweg sympathisch und damit "glattgeschliffen" wirken, verleiht dem Film einen spröden, realistischen Charme - wenn man so will.

DAS GRAUEN AUF BLACK TORMENT ist zweifellos ein Bereicherung für jeden Freund britischer Horrorkost. Handwerklich kann der Film mit Hammer auf jeden Fall mithalten. Wenn das großspurig angekündige Ende dann aber zum Rohrkrepierer avanciert, tut das schon weh. Trotzdem: Eine gewisse Spannung bleibt erhalten, da am Ende dann vielleicht doch die eine oder andere (kleinere) Überraschung Form annimmt, so dass man spätestens im großen Finale am Rande seines Sitzes hockt und an den Nägeln kaut. Fazit: Akzeptabel bis gut, aber ausbaufähig.

Draculas Blutnacht

2010-01-16T12:04:00.000+01:00

Als Dracula-Fan und Sammler von Verfilmungen des Stoffes um den weltberühmten Blutsauger tut man sich schon hin und wieder einiges an. Während es Filme gibt, die als absolute Klassiker in die Geschichte eingegangen sind, haben andere hingegen - um es vorsichtig auszudrücken - Defizite. Von DRACULAS BLUTNACHT (The Return of Dracula, 1958) hatte ich nichts gehört, bis ich ihn beim Stöbern bei einer bekannten Internet-Verkaufsplattform entdeckt habe. Frei nach dem Motto "Alles, wo Dracula drauf steht, gehört in mein DVD-Regal", griff ich zu und bin nun um einen Film in meiner Sammlung reicher. Aber lohnt es sich, 82 Minuten (die Dauer des Films) seiner kostbaren Freizeit zu opfern?

Dracula (Francis Lederer) hat es hat satt. Hinter dem Eisernen Vorhang machen die Menschen ihm das Leben schwer, so dass er sich dazu genötigt fühlt, in den Westen abzuwandern. Der König der Vampire tötet einen rumänischen Künstler (Norbert Schiller) und nimmt dessen Identität an. Als Bellack Gordal reist er mit dem Zug (yup...) nach Kalifornien und zieht bei Tante Mayberry (Greta Granstedt) ein, die ihren vermeintlichen Neffen seit Ewigkeiten nicht mehr gesehen hat, und daher auch nicht erkennt, dass der Fürst der Finsternis mit dem eigentlichen Verwandten nur bedingte bis überhaupt keine Ähnlichkeit besitzt. Auch Cousine Rachel (Norma Eberhardt) empfängt den scheinbaren Bellack mit offenen Armen. Sie wird erst misstrauisch, als erst die Katze ihres Bruders stirbt (yup...) und schließlich noch ihre beste Freundin Jennie (Virginia Vincent). Während Dracula bereits ein Auge auf Rachel geworfen hat, naht Rettung aus der Heimat des Vampirs...

Rauchen kann tödlich sein... wie man sieht...

Ach ja... Ich wünschte, dass ich sagen könnte, dass wir es hier mit einem trashigen Film zu tun haben, der aber gerade dadurch unterhält. Leider ist dem nicht so, da er einfach nur langweilig ist. Im Grunde genommen erzählt er die klassische Dracula-Geschichte nach, überspringt den Anfang in Transsilvanien und geht direkt in den zweiten Teil, in dem Dracula nach England zieht. Hier wird England aber durch ein Amerika der 50er Jahre ersetzt, das keimfreier nicht sein könnte. Der Handlungsbogen spannt sich dabei aber mit solch einer gähnend geringen Geschwindigkeit, dass man zu verstehen beginnt, was Dracula meint, wenn er von einem Jahrhunderte andauernden Leben spricht.

Es gibt exakt eine atmosphärische Szene, und das ist, als die untote Jennie einen Polizisten in eine Falle lockt. Ihre in ein helles Kleid gehüllte Gestalt, die man nur aus der Ferne sieht, wirkt schon gruselig. Leider wird dies umgehend ad absurdum geführt, als besagter Polizist augenblick von einem wilden Hund (Wolf?) ermordet wird, der gut sichtbar ein Halsband trägt (der Hund, nicht der Polizist). Wer nun glaubt, dass der Film vielleicht humoristisch gemeint sein könnte, dem möchte ich nur sagen, dass wir es hier mit einem so knarzig "ernsten" Movie zu tun haben, dass es schon staubt. Jeder Anflug von Selbstironie wurde im Keim erstickt. Man mag nicht glauben, dass wir es mit einer Produktion aus dem Hause United Artists zu tun haben. Wohlgemerkt: Der Firma, die kurz darauf JAMES BOND in Serie schickte...

Bitte! Nehmen Sie dieses Kreuz, nur lassen Sie uns aus diesem Vertrag!

Vielleicht gelingt es ja den Schauspielern etwas rauszureißen? Falsch gedacht. So ziemlich das gesamte Ensemble bleibt farblos. Der kolossalste Irrtum ist die Inszenierung von Dracula. Es sei denn, Regisseur Paul Landres (ein TV-Veteran) den Obervampir als pedophilen Staubsaugervertreter wirken lassen wollen. Einen "tollen" Einfall hatte Landres dann aber doch. In dem Moment, in dem Jennie gepfählt wird, sprudelt für einige Frames ihr Blut in schönstem Rot (während der Rest des Films in Schwarzweiß gehalten ist). Für einen amerikanischen Film vielleicht erschreckend, aber lachhaft im Vergleich zum DRACULA aus dem Hause Hammer, welcher im gleichen Jahr ins Kino kam, und der mindestens vier Klassen über dieser Produktion spielt.

Bizarrerweise trägt DRACULAS BLUTNACHT in den USA auch hin und wieder den Titel THE FANTASTIC DISAPPEARING MAN. Traurigerweise ist das mit Abstand das interessanteste am ganzen Film. Eine der uninteressantesten und blassesten Verfilmungen des Stoffes um den Vampir aus Transsilvanien. Außer absoluten Dracula-Fans und Sammlern alter Horrofilme (Mist, das trifft beides auf mich zu) nicht zu empfehlen. Aber schlechter geht´s auf jeden Fall. Schon mal etwas von DRACULA 3000 gehört? Nein? Den werde ich in Bälde hier besprechen.

I am Legend (Alternative Theatrical Version)

2010-01-07T19:29:00.000+01:00

Vor zwei Jahren besprach ich an dieser Stelle den apokalyptischen Action-Horrorfilm I AM LEGEND. Den entsprechenden Eintrag findet ihr hier. Der Film wurde dank Hauptdarsteller und Berufs-Midas Will Smith zu einem internationalen Erfolg. Mittlerweile arbeitet das Studio sogar an einem Prequel, das die Vorgeschichte der dramatischen Story näher beleuchten soll. Trotz dieser Aspekte war der Film alles andere als wirklich gut.

Da wären zum einen die Trickeffekte zu nennen, die für einen Film dieser Preisklasse absolut erbärmlich waren. Das größte Manko war allerdings das erschütternd schlechte Ende, das sämtliche subtilen Anflüge von Intelligenz, welche die Story bis dato parat hielt, völlig über Bord warf. Außerdem wurde schließlich noch die Religionskeule herausgeholt, die I AM LEGEND einen völlig irrationalen und unglaubwürdigen Hoffnungsschimmer für die Menschheit verlieh. Das gab dem bis dato zumindest soliden Film den Todesstoß. Letztlich wurde der Grund des von Autor Richard Matheson - auf dessen Roman der Film basiert - gewählten Titels völlig ausgeblendet.

"Scheiße, der dicke Blogger hat´s schon wieder auf mich abgesehen."

Auf DVD erschien neben der Kinofassung allerdings eine alternative Schnittfassung, die auf der Hülle großspurig als "controversial" angekündigt wurde. Das ist zwar wirklich lachhaft, aber tatsächlich Grund genug, den Film in meinem blog ein zweites Mal zu erwähnen. Denn hier hat Regisseur Francis Lawrence eine Menge richtig gemacht. Anstatt eine Philosophie zu verbreiten, in der alles Fremdartige und Andersartige zerstört gilt, wird am Ende Toleranz vermittelt, ohne gleich mit dem erhobenen Zeigefinger daher zu kommen.

"Warum sehe ich immer noch soooooooooooooooooo mies aus?!"

Die Effekte sind immer noch schlecht, aber die tolle Atmosphäre, die sich durch den Film zieht, kann nun in vollen Zügen genossen werden. Ich kann nicht aufhören, zu betonen, wie viel besser der Film durch die Entscheidung, ein gänzlich "un-amerikanisches" Ende (zumindest im Hinblick auf die US-Politik nach dem 11. September 2001) zu wählen. I AM LEGEND wird dadurch nicht zu einem Meilenstein. Aber immerhin zu einem guten Film, der die richtigen Akzente zwischen schaurig, tragisch und Hoffnung (für zwei intelligente Rassen auf diesem Planeten) setzt.

Dass der Titel noch immer nicht thematisiert wird, blende ich mal aus...

Ghostbusters - The Video-Game

2010-01-06T19:45:00.000+01:00

Letztes Jahr feierte der hier bereits vorgestellte Filmklassiker GHOSTBUSTERS sein 25jähriges Jubiläum. Grund genug, dass ihm eine Menge mediales Interesse entgegen kam. Abgesehen davon, dass die Gerüchte, dass 20 Jahre nach Start der ersten Fortsetzungen ein dritter Teil Gestalt annehmen könnte, endlich konkreter wurden, entdeckte auch die Welt der Video- und Computerspiele das gruselig-komische Filmfranchise für sich wieder. Unter der Federführung der Horrorexperten Terminal Reality (NOCTURNE, BLOODRAYNE) entstand ein Game, das der Vorlage gerecht werden sollte. Zwar gilt das vor allem auf C64 und Apple II Computern als technischer Meilenstein (Sprachausgabe!) angesehende Ur-GHOSTBUSTERS von David Crane als kleiner Klassiker, doch aus heutiger Sicht macht das ganze eher weniger Spaß. Umsetzungen für diverse Computersysteme und Konsolen, sowie spielerisch von annehmbar bis hin zu indiskutabel schlecht ausgefallene Versoftungen von GHOSTBUSTERS II konnten da ebenfalls nichts reißen.

Diesmal ging man daher einen völlig anderen Weg. Man verpflichtete Dan Aykroyd und Harold Ramis, ihres Zeichens Hauptdarsteller (neben Bill Murray) und Drehbuchautoren der beiden Filme. Dies sollte sicherstellen, dass zum einen die beliebte Mischung aus Horror und Humor 1:1 in das Medium Videospiel übertragen werden konnte, zum anderen sichergestellt wurde, dass sich die Story im Canon der bisherigen Filme eingliedern ließ. Um den Coup perfekt zu machen, konnte Terminal Reality (die zwischenzeitlich den Publisher von Activision nach Atari wechseln mussten), die wichtigsten Schauspieler als Sprecher gewinnen. Bill Murray, Ernie Hudson und Co. schlüpften also erneut in ihre wahrscheinlich bekanntesten Rollen. Sigourney Weaver blieb leider außen vor, so dass Murray Peter Venkman mit Alyssa Milano (WER IST HIER DER BOSS, CHARMED) ein neues Love-Interest zur Seite gestellt wurde. Während sich Terminal Reality um die „großen“ Versionen für PS3, Xbox360 und PC kümmerten, entstanden bei anderen Entwicklern angepasste Fassungen für DS, PS2 und Wii. Letzterer wollen wir uns hier widmen.

Hier stört es niemanden, wenn die Ströme gekreuzt werden.

Da die Wii nicht die Grafikpower von Xbox360 und Co. besitzt, musste man hier natürlich umdenken. Anstatt einfach eine technisch abgespeckte Version abzuliefern (THE FORCE UNLEASHED lässt grüßen), setzte man hier darauf, einen völlig anderen Weg zu gehen. Anstatt Fotorealismus nachzuahmen, erstellte man einen Cartoon-Look, welcher die Hauptcharaktere, Geister und Umgebungen auf witzige Art wiedergibt. Glücklicherweise ließ man sich hier aber nicht durch die Zeichentrickserie THE REAL GHOSTBUSTERS inspirieren, sondern orientierte sich an den Filmvorlagen. Musik und Sprache, sowie Story und die groben Spielmechanismen übernahm man weitgehend aus den „großen“ Versionen. Zusätzlich spendierte man den Wii-Spielern aber einen Mehrspielermodus (bei dem die Framerate jedoch etwas einbricht), sowie die Möglichkeit zwischen einem männlichen oder weiblichen Protagonisten zu wählen. Ein weiblicher Geisterjäger? Wie ist es dazu gekommen?

Zwei Jahre nach den Ereignissen von GHOSTBUSTERS II sind die Geisterjäger Peter Venkman, Ray Stantz, Egon Spengler und Winston Zeddmore immer noch fleißig im Geschäft. Mittlerweile arbeiten sie sogar ganz amtlich im Auftrag der Stadt, um mit dem Austreiben diverser Spukerscheinung die Lebensqualität New Yorks zu sichern. Man hat sogar so viel zu tun, dass man einen Azubi einstellt, um die wachsende Arbeit bewerkstelligen zu können. Bald taucht mit dem Marshmallow-Mann auch ein alter Bekannter wieder auf: Gozer, eine sumerische Gottheit, die den Geisterjägern bereits im Jahr 1984 beinahe das Ende der Welt eingebrockt hatte, ist wieder da. Nachdem Venkman und Co. aus dem Vernichter Marshmallow-Schaum gemacht haben, begeben sie sich daran, herauszufinden, wer für die Rückkehr Gozers verantwortlich ist. Dabei stoßen sie auf einen Kult um den verstorbenen Architekten Ivor Shandor und die süße Archivarin Ilyssa...

Auf den ersten Blick erscheint die Wii mit ihrem Bewegungscontroller wie gemacht für ein Spiel zu GHOSTBUSTERS. Und tatsächlich macht es großen Spaß den Protonenstrahl mit der Wiimote herum zu schwingen und Geister gegen Wände und Decken zu schleudern und im Anschluss mit einem lässigen Schlenker des Nunchucks eine Falle auszurollen. Die Steuerung funktioniert gut und wirkt nicht aufgesetzt. Lediglich im Eifer des Gefechts kann es passieren, dass das Fadenkreuz ausreißt und man einen Moment braucht, die Kamera wieder zu justieren. Grafisch macht das Spiel einen ordentlichen Eindruck. Der comichafte Grafikstil steht der Wii gut, und bis auf Ray sind die Charaktere sehr treffend umgesetzt. Musikalisch setzt das Spiel neben Neukompositionen auf den genialen von Elmer Bernstein komponierten Soundtrack des ersten Teils (neben dem berühmten Titelsong von Ray Parker Jr.). Daneben trumpft das Spiel im Deutschen mit den bekannten Synchronsprecher der Schauspieler auf.

"Jemand schnaubt sich die Nase, und Du willst das behalten?"

Aber leider ist nicht alles Gold, was glänzt: Die Wii-Version wurde leider im Vergleich zu den Next-Generation-Varianten inszenatorisch beschnitten. Viele Gags fehlen oder wurden grafisch plump umgesetzt. Dazu trägt die deutsche Übersetzung bei, die beinahe völlig witzfrei daherkommt. Schade, aber leider nicht zu ändern ist, dass Peter Venkman mit etwas veränderter Stimme spricht, da Synchronsprecher Arne Elsholtz aus gesundheitlichen Gründen zur Zeit der Aufnahmen stimmliche Probleme hatte. Wo im englischen Original wenigstens die Witze zünden, scheitert allerdings auch die Gesamtstory. Obwohl die Geschichte ja aus Ramis´ und Aykroyds Feder stammt, und die beiden der Meinung sind, dass wir es mit GHOSTBUSTERS – THE VIDEO-GAME faktisch mit einem neuen Film zu tun haben, ist die Handlung eine echte Enttäuschung. Der Anfang ist ein müdes Nachkauen des ersten Teils, während der Rest sich völlig in paranormalem Wust verliert. Als damals Dan Aykroyd an Regisseur Ivan Reitman mit der Idee des ersten GHOSTBUSTERS Films herantrat, gab es eben genau dieses Problem: Nämlich, dass die Story viel zu abgehoben war. Aus dem Grund wurde Aykroyd Harold Ramis zur Seite gestellt. Hier wirkt es so, als hätte Aykroyd seine Ideen von damals wieder hervorgeholt. Dabei kam etwas heraus, das selbst für Video-Spiel-Verhältnisse die Gamer kaum motivieren dürfte, bis zum Ende durchzuhalten, um die „Auflösung“ zu erleben.

Darüber hinaus ermüden die Spielmechanismen auf Dauer auch. Die gesamte Inventur der Levels zu zerlegen, um versteckte Bonus-Items (die eher laue Modi freischalten), macht nur in den ersten Abschnitten Spaß. Die eigentliche Geisterjagd macht – trotz mangelnder Abwechslung – wenigstens Spaß, und die Endgegner (auch wenn sie von den „großen“ Versionen teilweise abweichen) sind unterhaltsam und überraschend in Szene gesetzt. Hin und wieder kommt sogar echter Grusel auf, wenn merkwürdige Geräusche und gruselige Musik (die mit der Zeit aber auch eher langweilt) die Nähe eines Gespenstes ankündigen. Leider ist das Spiel recht kurz geraten, und man hat nach 6-8 Stunden im ersten Durchlauf alles gesehen.

Was übrig bleibt, ist ein Spiel, das sich in erster Linie an Fans richten dürfte. Die werden sogar Spaß haben und bis zum Showdown dabei bleiben. Danach gibt es aber nichts, was einen weiteren Durchgang rechtfertigt. Selbst, wenn man nicht alle Extras freigeschaltet haben sollte, wird man kaum die Motivation aufbringen können, noch einmal gegen Gozer, Shandor und die übrigen New York bedrohenden Dämonen vorzugehen. Schade. Hier hatte ein Spiel das Potential, den Geisterjägern ein Denkmal zu setzen. Am Ende haben wir es aber nur mit einer Quasi-Filmumsetzung zu tun, die viel Potential verschenkt und weder Neues noch wirklich Fesselndes zu bieten hat.

Dracula

2009-08-09T18:27:00.000+02:00

England 1899: Arthur Holmwood (Dan Stevens) könnte es so gut gehen. Er ist Sohn eines reichen Mannes mit großem Anwesen in Whitby und seine geliebte Lucy Westenra (Sophia Myles) hat seinen Heiratsantrag angenommen - sehr zum Missvergnügen seines besten Freundes John Seward (Tom Burke), der ebenfalls in die schöne Lucy verliebt ist. Dann muss Arthur nach dem Tod seines Vaters allerdings feststellen, dass er die Syphilis in sich trägt und daran unweigerlich sterben wird. Um Lucy nicht anzustecken, nimmt er Kontakt zu einer unheimlichen Sekte auf. Hier verspricht man ihm, dass man sein Blut reinwaschen könne - sofern er die Umsiedlung ihres geheimen Anführers von Transsylvanien nach England finanzieren würde. Arthur willigt ein, und bald darauf macht der junge Immobilienmakler Jonathan Harker (Rafe Spall), dessen Verlobte Mina (Stephanie Leonidas) die beste Freundin von Lucy ist, die Bekanntschaft mit dem Grafen Dracula (Marc Warren).

Liest sich bekannt, oder? DRACULA (2006) wäre ja nicht die erste Verfilmung von Bram Stokers klassischer Vampirnovelle, die ich hier vorstelle. Und wie man sieht, haben wir es auch hier erneut mit keiner 100%ig werkgetreuen Umsetzung zu tun, sondern mit einer Adaption, die sich viele Freiheiten mit der Vorlage erlaubt und einen Ansatz wählt, der - soweit mir bekannt ist - noch bei keiner anderen Verfilmung Verwendung fand. Arthur Holmwood als den Bösewicht aus Verzweiflung darzustellen ist im Grunde genommen ein genialer Gedanke, um dem eigentlich längst ausgelutschten Stoff neues Leben einzuhauchen. Dass es sich bei DRACULA um einen Fernsehfilm handelt (immerhin für die BBC entstanden), lässt den geneigten Zuschauer am Anfang stutzen. Ist dieses Zögern gerechtfertig? Oder haben wir es mit einer Perle unter den Dracula-Filmen zu tun?

"Das ist kein Jim Beam..."

Man mag es kaum glauben, aber es tut dem Streifen gut, dass hier Schauspieler agieren, die man z.B. in Deutschland kaum kennen dürfte (in England sind die meisten von ihnen öfters im TV zu sehen). Eine Ausnahme bildet natürlich Sophia Myles, welche Genrefans aus dem ersten UNDERWORLD und als Madame de Pompadour in DOCTOR WHO bekannt sein sollte. Dank dieser frischen Gesichter erhält der Film eine angenehme "Neutralität", die solchen Star-Vehikeln wie Francis Ford Coppollas Verfilmung fehlte. Dazu kommt, dass eben jene "Frischlinge" mit großer Spielfreude und großem Talent an die Sache gehen. Überraschend gut waren auch die digitalen Effekte. Vor allem die Landschaftsbilder sahen für eine Fernsehverfilmung erstaunlich sauber und atmosphärisch aus. Da zeigt sich, dass die Trickser bei BBC und Granada (der Produktionsfirma) mittlerweile einiges auf dem Kasten haben.

Wie bereits erwähnt, ist der Ansatz, welcher die Verfilmung stark von ihrer Vorlage abhebt, aber dadurch auf eigenständige Beine stellt, interessant, und durchaus zeitgemäß, da man heutzutage ja gerne mit Verschwörungen in den Schatten und Helden, die aus Egoismus und Verzweiflung zum Bösen überlaufen, arbeitet. Irgendwie gelingt es Drehbuchautor Tom Helps Klischees zum größten Teil zu umschiffen. Außerdem gelingt es ihm, die Geschichte in 90 Minuten zu erzählen, und dabei einen Großteil des Originals aufzugreifen. Das grenzt schon an ein Wunder und ermöglicht es, dass es keinerlei Längen gibt.

UNDERWORLD, MOONLIGHT, DRACULA... die gute Sophia scheint von den Vampiren nicht loszukommen...

Dennoch ist DRACULA nicht ohne seine Macken. Christopher Lee, Bela Lugosi, Gary Oldman... Verfilmungen dieses Stoffes stehen und fallen mit dem Hauptdarsteller. Und leider kriegt man hier die Kurve nicht so ganz. Zwar ist Marc Warren ein guter Schauspieler (allein daran zu erkennen, dass er seinen pseudo-rumänischen Akzent rüberbringt, ohne dabei lächerlich zu wirken), aber unglücklicherweise kein Herr der Vampire. Er wirkt zu jung und zu schmächtig. Ihm gelingt es nie, den Charme oder die Präsenz seiner berühmten Vorgänger zu erreichen. Unschön ist auch das Ende, dem man deutlich anmerkt, dass man hier ganz fix zu einem Abschluss kommen muss. Das ganze wirkt trotz der schrecklichen Ereignisse zu versöhnlich. Und warum man ganz am Ende noch einen Abschluss-Schocker reinbringen musste, bleibt schleierhaft, da dies den bislang echt edel (und wirklich erotisch - trotz fehlender aufreizender Szenen) wirkenden Film plötzlich billig und effektheischend erscheinen lässt.

Zusammenfassend kann ich sagen, dass ich beim Kauf der DVD (1 Euro hat sie mich bei Ebay gekostet - und das noch eingeschweißt) eine echte Gurke erwartet hatte, die lediglich den Zweck erfüllen würde, meine Sammlung zu vervollständigen. Was ich bekam, war ein wirklich guter "Dracula"-Film, der zu unterhalten weiß und nur wegen ein paar kleiner Fehler nicht als absolute A-Ware bezeichnet werden kann. Dennoch ist DRACULA ein Geheimtipp, den sich nicht nur Vampirfans nicht entgehen lassen sollten.

Sommerfreuden a.k.a. Urlaubsnonsens :P

2009-08-07T16:30:00.000+02:00

Aldebaran hat jetzt ein Planschbecken auf dem Balkon...

Und da freut sich nicht nur Mer-Man ;)

House of the Dead: Overkill

2009-08-06T15:21:00.000+02:00

Viele ältere Nintendo-Fans beschweren sich gerne darüber, dass es neben den vielen Party- und Pferdespielen kaum Stoff für reifere Gamer-Semester auf Nintendos Wii-Konsole gibt. Scheinbar müssen Spiele viel Blut, ein Arsenal an Waffen, jede Menge Schimpfworte und eien Prise Sex enthalten, um in den Augen mancher als "seriös" zu gelten. Softwareschmiede Sega hat es sich da zur Aufgabe gemacht, genau diese Spieler zu bedienen - und dabei glücklicherweise jeden Anflug von Seriosität über Bord zu werfen. Die Rede ist natürlich von HOUSE OF THE DEAD: OVERKILL, dem fünften Teil der berühmten Railshooter-Reihe, die es sogar zu zweifelhafter Ehre geschafft hat, von Dr. Uwe Boll verfilmt zu werden. Aber vorsicht: OVERKILL ist in Deutschland nicht offiziell erschienen, da man dank des doch sehr derben Gewaltinhalts die USK nicht herausfordern wollte. Ironischerweise gibt es die extra für dieses Spiel entwickelte und auch dafür beworbene Wiimote-Halterung hierzulande zu kaufen. Über sinnvolle Vermarktung reden wir aber lieber ein anderes Mal...

In einer kleinen Stadt im amerikanischen Staate Louisiana geht das Böse um. Und zwar in Form von Hunderten blutrünstiger Zombies, denen es nach dem Fleisch der noch Lebenden trachtet. Glücklicherweise gibt es zwei Männer, die sich dem ganzen entschieden entgegenstellen: Der Polizist Isaac Washington und ein geheimnisvoller Regierungsbeamter, der nur als "Agent G" bekannt ist. Obwohl die beiden unterschiedlichen Männer anfangs keine Sympathie für sie hegen, raufen sie sich zusammen und werden - wie es jeden "Buddy"-Movie stolz machen würde - zu echten Freunden, während sie sich durch verlassene Anwesen, Sümpfe, Jahrmärkte und Züge ballern. Dabei kommen sie dem undurchsichtigen Verbrecher Papa Caesar auf die Schliche, der offenbar hinter den Mutationen zu stecken scheint. Oder etwa doch nicht? Bis die beiden Gesetzeshüter die Wahrheit ergründet haben, werden unzählige Leichen, Myriaden an Litern Blut und Tausende von ganzem Herzen kommende "Fuck!"-Flüche ihren Weg pflastern.

Herne, Cranger Kirmes, Samstag abend, kurz vor 21.00 Uhr...

Man merkt gleich, bei HOUSE OF THE DEAD: OVERKILL geht es wahrlich nicht ernst zu. Man präsentiert das Genre, die Charaktere und die gesamte Inszenierung mit einer großen Portion Ironie und Selbstreflektion, sich dabei an Quentin Tarantino und den jüngsten GRINDHOUSE-Filmen (allen voran PLANET TERROR) orientierend. Bereits zu Beginn überrascht es, dass so ein Spiel auf einer vermeindlich familienfreundlichen Konsole erscheint: Da wird geflucht, gepinkelt und gefickt (nun ja, letzteres höchstens in der Wunschvorstellung der Protagonisten), bis die Wände wackeln. Und der vermeintliche Schlussgag ist einfach nur genial (mehr möchte ich dazu nicht verraten).

Gesteuert wird das ganze per Wiimote. OVERKILL unterstützt zwar auch den WiiZapper und die bereits oben erwähnte Knarre, echte Puristen sollten aber auf diesen Tinnef verzichten. Mit der Fernbedienung allein flutscht es einfach am besten. Grafisch zeigt sich das Spiel durchwachsen: Während einige Levels (allen voran der Jahrmarkts-Bereich) und Gegner wirklich toll und beeindruckend aussehen, nerven an anderen Stellen Clipping-Fehler, matschige Texturen und fehlende Details. Besonders schön ist allerdings ein Filtereffekt, der während des ganzen Spiels greift und den Eindruck erweckt, dass man es mit einem verkratzten Film zu tun hat. Der Sound ist dem gegenüber durchweg gelungen. Die Sprecher machen ihre Aufgabe, den teilweise sehr witzigen und derben Text wiederzugeben, sehr gut, die Soundeffekte gehen durch Mark und Bein, und die Musik klingt einfach nur cool.

Schocktherapie in Sachen Krankenschwester-Fetisch

Zarte Gemüter sollten um HOUSE OF THE DEAD: OVERKILL einen Bogen machen. Zwar wird die Brutalität durch die ironische Inszenierung relativiert, heftig bleibt das Gebotene aber mitunter doch. Das gleiche gilt für die fluchhaltigen Dialoge. Dies ist gleichzeitig der erste echte Kritikpunkt am Spiel: Am Anfang wirken die Witze und die Methode hinter der Provokation noch unterhaltsam. Aber mit der Zeit wirkt das ganze bemüht und verliert seine Wirkung. Gleichzeitig ist das Spiel nicht allzu lang. Setzt man zu einer ausgiebigen Zocksession an, kann es sein, dass man schnell alles gesehen hat - auch, wenn nach einmaligen Durchspielen mit dem Director´s Cut längere Levels freigeschaltet werden. Und last but not least: Hier wird einfach nur geballert. Hin und wieder gibt es zwar die Möglichkeit, den Weg zu bestimmen, aber letztendlich geht es nur um ein reaktionsschnelles Handgelenk und einen flinken Finger am Abzug. Das macht Spaß für die High-Score-Jagd, ist auf Dauer aber etwas dröge.

HOUSE OF THE DEAD: OVERKILL muss sich den direkten Vergleich zu RESIDENT EVIL: THE UMBRELLA CHRONICLES (ebenfalls nicht in Deutschland erschienen) gefallen lassen. Und da zieht Segas Zombiehatz trotz aller Coolness einfach den Kürzeren (das Level im Zug ist sogar komplett aus RESIDENT EVIL geklaut!). Die Konkurrenz ist einfach komplexer, bietet eine bessere Technik und eine spannendere Geschichte. Dennoch ist OVERKILL eine gute Möglichkeit, sich bis zum nächsten "Resi"-Teil auf einer Nintendo-Konsole zu beschäftigen. Eins muss man den Jungs von Sega nämlich lassen: Eine so schräge Story mit so viel, an Erwachsene gerichteten Humor hat noch niemand der Wii spendiert.

World Games

2009-08-05T20:26:00.000+02:00

Jedes Kind, das in den 80er Jahren augewachsen ist und einen Heimcomputer besessen hat, wird die "Games"-Reihe aus dem Hause Epyx kennen. SUMMER GAMES I & II, WINTER GAMES, CALIFORNIA GAMES waren absolute Spielspaßgranaten, die durch ihre Rüttelsteuerung Tausende von Joysticks auf dem Gewissen haben dürften, gleichzeitig aber gemeinsam mit Freunden ungeahnte Mehrspielerfreuden aufkommen ließen. Aus dieser Serie gefiel mir persönlich der auch heute noch relativ obskure Teil WORLD GAMES am besten. Klar, die beiden SUMMER GAMES waren die Vorreiter (und miteinander kombinierbar), und bei WINTER GAMES hatte man zum ersten Mal das Gefühl, überhaupt echte Kontrolle über das Geschehen auf dem Bildschirm zu haben. Aber mit WORLD GAMES bekam die Reihe erst richtigen Charakter.

Dies hatte mehrere Gründe. Zum einen lag das an der teilweise bizarren Disziplin-Auswahl, die allesamt bestimmte "Sport"-Arten diverser Länder aus aller Welt boten. Neben quasi-olympischen Disziplinen wie Slalom-Ski, Gewichtheben und Sumo-Ringen finden sich so skurile Abschnitte wie Baumstamm-Balancieren, Baum-Weitwerfen und Klippenspringen. Dies sorgte für unterschiedliche und abwechslungsreiche Settings. Ein anderer Grund, weshalb mir WORLD GAMES besonders gefiel war der schwarze Humor (wenn man z.B. von einem falsch geworfenen Baumstamm unangespitzt in den Boden gerammt wurde) und die vielen kleinen Details, die dem Spiel eine echte Seele gaben.

"Ich bin Holzfäller, und es geht mir gut. Am Tag packt mich die Arbeitswut..."

Aus heutiger Sicht wirkt das Spiel zwar etwas antiquiert, aber aktuelle Sportgames wie MARIO UND SONIC BEI DEN OLYMPISCHEN SPIELEN sind eigentlich auch nicht viel komplexer. Wahlweise mit Keyboard oder Joystick (letzterer ist wärmstes empfohlen) steuert man sein sportliches Alter Ego. Für jede Disziplin ist es wichtig, eine andere Bewegungsabfolge zu erlernen und der Spielsituation anzupassen. In der Praxis sieht das dann meist so aus, dass man frenetisch den Stick von einer Seite zur anderen reisst, hin und wieder einen Knopf drückt, und am Ende auf die Gnade der Punkterichter angewiesen ist.

Technisch macht das Spiel, das im Jahr 1987 das Licht der Welt erblickte, aus heutiger Sicht natürlich nicht mehr allzu viel her. Gerade die 8-Bit-Versionen (die C64-Fassung ist aktuell über die Virtual Console der Wii herunterladbar) wirken doch etwas krude. Dem gegenüber gefallen die 16-Bitter mit höher aufgelöster Grafik und schöneren Details. Die in meinen Augen ultimative Version ist die für den Apple IIgs, welche zur Grafik eines Amiga einen tollen Sound mit Ohrwurm-Soundtrack gesellt.

Sehr stabil sieht der Untergrund ja nicht aus...

Dafür ist der Spielspaß alles andere als angestaubt. Vor allem mit einem oder mehreren Mitspielern entfaltet WORLD GAMES seine volle Wirkung. Wenn die Spieler (leider nur nacheinander) zum sportlichen Wettstreit antreten und dabei um die Wette rödeln, kommt Stimmung auf. Aber auch Solo-Spieler werden dank zu brechender Rekorde lang motiviert, was den Wiederspielwert erheblich erhöht, obwohl es keinen zeitgemäßen Content gibt, den man erst freispielen muss, und man daher nach einem kompletten Durchgang eigentlich alles gesehen hat, was WORLD GAMES zu bieten hat.

Die meisten Gamer nennen CALIFORNIA GAMES, wenn sie in nostalgischen Gefühlen über Epyx´ Klassikerreihe schwärmen. Ich bleibe aber bei meiner Meinung, dass WORLD GAMES - hinter WINTER GAMES - die Pole Position verdient hat. 22 Jahre sind seit der Erstveröffentlichung vergangen, und noch immer weiß das Spiel voll zu gefallen. Fans von aktuellen Olympia-Sportspielen werden diesen Ur-Ahnen zu schätzen wissen und auch heute noch begeistert spielen. Alle anderen sollten zumindest mal reinschauen, um zu sehen, dass man vor zwei Jahrzehnten keine Online-Ego-Shooter oder MMPORGs brauchte, um mit Freunden Spaß vor einem Computermonitor zu haben.

Puzzle Quest - Challenge of the Warlords

2009-08-05T10:45:00.000+02:00

Seit dem Aufkommen von TETRIS haben Spiele, in denen man Klötzchen auf verschiedene Arten zusammensetzen und damit vom Spielbrett verschwinden lassen muss, Hochkonjunktur. Ein Ableger, der besonders populär ist, trägt den Namen BEJEWELED und wird von beinahe jedem, der einen PC besitzt und in der Mittagspause Flash-Games widmet, gespielt worden sein. Das Spielprinzip ist einfach: Auf einer Fläche ist eine Anzahl unterschiedlich gefärbter Spielsteine ausgelegt. Ziel ist es, eben diese komplett abzuräumen. Dies erreicht man, in dem man benachbarte Spielsteine miteinander vertauscht, und so Reihen von jeweils drei gleichfarbigen einrichtet, die sich daraufhin in Luft auflösen. Klingt simpel, macht Spaß und kann - wie schon beim Urvater TETRIS - schnell süchtig machen. In der heutigen Zeit ist dies aber nicht unbedingt etwas, für das man viel Geld auszugeben bereit ist, oder?

Falsch, denn Infinitive Active ist es gelungen, das Spielprinzip mit einem interessanten Rahmen zu versehen: Einer Fantasy-Geschichte mit Rollenspielaspekten. Ja, richtig gelesen. Puzzlespiele können eine Story haben. Und bei PUZZLE QUEST - CHALLENGE OF THE WARLORDS ist im WARLORDS-Universum angesiedelt, einer relativ langlebigen, aber nie über die Maßen erfolgreichen Reihe von Fantasy-Strategiespielen für den PC. Der Spieler wählt aus einer Reihe von Protagonisten sein gewünschtes Alter Ego aus, und schon geht es in die Schlacht gegen den finsteren Lord Bane, der das Land mit einer Horde untoter Kreaturen zu überrennen versucht. Im Laufe der Geschichte lernt man allerlei euch wohlgesonnene Gestalten kennen, die sich teilweise als NPCs dem Spieler anschließen.

Es ist spannender, als es aussieht...

Herzstück des Games ist aber natürlich der Kampf, und dieser läuft eben über jenes bekannte BEJEWELED-Prinzip ab, das jedoch einige Änderungen gegenüber dem Original erfahren hat. Der Spieler und der Gegner ziehen nacheinander. Oberstes Ziel ist es, den Kontrahenten seiner Lebensenergie zu berauben. Dies erfolgt über das Bilden von Dreierreihen aus Totenköpfen, die je nach benutzter Waffe eine bestimmte Anzahl von Schadenspunkten auslösen. Gleichzeitig können farbige Juwelen auf diese Weise abgebaut werden. Diese werden gesammelt und können dazu benutzt werden, Zaubersprüche aufzusagen, mit denen dem Gegner entweder direkter Schaden oder eine andere Art von Behinderung zugeführt werden. Ist der Spieler oder der CPU-Gegner (oder wahlweise menschlicher Mitspieler) bei seiner Lebensenergie auf Null angekommen, ist er besiegt.

Damit die Kämpfe nicht immer nach dem gleichen Muster ablaufen, wartet eine große, abwechslungsreiche Feindesschar auf den Gamer. Beinahe jede Monsterart kämpft dabei auf unterschiedliche Art und kann auf andere Zauber zurückgreifen. Um dem etwas gegenzusetzen, erlernt man ebenfalls neue Sprüche, findet Objekte, die einem das Kämpfen erleichtern oder zähmt Reittiere (von der Riesenratte bis hin zur Monsterspinne ist hier alles vertreten). Die oben bereits erwähnten Gefährten greifen ebenfalls in den "Kampf" mit ein.

Je mehr Steine gleichzeitig verschwinden, desto besser.

Der Umfang von PUZZLE QUEST - CHALLENGE OF THE WARLORDS ist immens und wird den Spieler wochenlang an das Spielgerät seiner Wahl fesseln. Und wenn man den Storymodus einmal gemeistert hat, bieten Multiplayermodi und Extraspiele die Möglichkeit, bis in alle Ewigkeit weiterzuzocken. Das werden allerdings die wenigsten tun. Denn trotz des großen Spielspaßfaktors stellt sich doch bald etwas Abwechslungsarmut ein, da auch die Story nicht darüber hinwegtäuschen kann, dass wir es hier mit einem BEJEWELED-Klon zu tun haben. Die hier vorgestellte DS-Version bietet zwar schön gemalte Grafiken und angenehm zu hörende Musikstücke, hat aber mit einigen Soundbugs zu kämpfen (auf der PSP beeinflussen Programmierfehler leider sogar das Spielgeschehen selbst). Dafür ist die Steuerung per Touchpen natürlich wie gemacht für Vertreter des Puzzle-Genres, so dass auch PUZZLE QUEST erfreulich unkompliziert und komfortabel zu spielen ist.

Puzzle-Freunde werden mit PUZZLE QUEST - CHALLENGE OF THE WARLORDS ihre helle Freude haben. Die gigantische Größe der Fantasywelt, die Myriaden an Missionen und der unverwüstliche Unterhaltungsfaktor garantieren ein Rundum-Sorglos-Paket in Sachen Spielspaß. Und da man dieses Game auf beinahe jedem System zocken kann (und sich überall nach wie vor blendend verkauft), spreche ich hiermit eine Kaufempfehlung an jeden Spielefreund aus. Um in höhere Wertungsregionen zu gelangen, hätte es aber dennoch ein wenig mehr Abwechslung sein dürfen.

Resident Evil 5

2009-08-04T08:51:00.001+02:00

Als 1998 RESIDENT EVIL auf der Playstation veröffentlicht wurde, läutete das Action-Adventure eine neue Ära ein. Zwar hatte es bereits zuvor Survival-Horror-Titel wie ALONE IN THE DARK gegeben (eine Serie, die bis heute Fortsetzungen abwirft), doch erst durch den japanischen Zombiegrusel, der in seinem Heimatland den Titel BIOHAZARD trägt, wurde das Subgenre salonfähig. Viele Nachahmer folgten mehr oder weniger erfolgreich, und natürlich lieferte auch die Originalreihe eine Fortsetzung nach der nächsten. Neben diversen Ablegern, die von der Spielmechanik der Hauptserie abwichen, erfand man 2005 das Rad neu und spendierte der Reihe mit RESIDENT EVIL 4 eine komplett neue Herangehensweise: Sowohl in Sachen Spielsystem wie auch bei der Philosophie. Hatten zuvor starre Kameraperspektiven und die ständige Munitionsnot dominiert, gab es nun volle 3D in einer Third-Person-Perspektive. Munition und Waffen standen reichlich zur Verfügung und waren auch dringend nötig: Nachdem man bislang einzelne Zombies oder Mutanten hatte bekämpfen müssen, stürzten sich nun wahre Gegnerhorden auf den Spieler. Das Ergebnis: Ein unglaublicher kommerzieller und auch kritischer Erfolg, der sich über Gamecube, PS2, Wii und PC erstreckte.

Viele Fans warfen dem vierten Teil der Serie jedoch vor, sich zu stark von den Wurzeln zu lösen. Durch den Actionschwerpunkt ging die Horroratmosphäre verloren, monierten einige, während andere sich darüber ärgerten, dass man einen komplett neuen Handlungsfaden öffnete, ohne den, der bis dahin in der Serie gesponnen worden war, ordentlich zu Ende zu erzählen. Es ist gut möglich, dass die Entwickler der japanischen Softwareschmiede Capcom von Anfang an vorgehabt hatten, die Handlung kurz wegzuführen, um sie im folgenden fünften Teil wieder auf die alte Spur zu bringen. Vielleicht war es aber auch so, dass man einfach auf die Beschwerden der Fans gehört hatte. Zum Teil zumindest, denn am Spielprinzip sollte sich in RESIDENT EVIL 5 im Vergleich zum Vorgänger nichts ändern. Allerdings wurde klar, dass diese Episode die Geschichte, die 1998 ihren Anfang genommen hatte, endlich zu Ende führen würde. Ein erster Trailer zeigte, dass man nach einer amerikanischen Kleinstadt und einem spanischen Dorf geographisch in ein afrikanisches Township wechseln würde. Zudem versprach Capcom, dass RESIDENT EVIL 5 die Next-Gen-Konsolen bis auf das Letzte ausreizen würde. Ist ihnen dies gelungen?

"Du hast da etwas zwischen den Zähnen..."

Chris Redfield, einer der wenigen Überlebenden des T-Virus-Ausbruchs von Racoon City, hat es nach Afrika verschlagen. Er ist mittlerweile Mitglied der BSAA, einer internationalen Sondereinheit, deren Aufgabe ist, die Bedrohung durch bio-technische Waffen zu bekämpfen. Ein berüchtigter Waffenhändler, der sich auf eben diese Sparte spezialisiert hat, wurde im abgelegenen Ort Kijuju gesehen. Also begibt sich Chris mit seiner dortigen Liaison Sheva Alomar auf die Suche nach dem Schurken. Glaubt das frühere S.T.A.R.S.-Mitglied anfangs noch daran, dass er es mit einem Routine-Einsatz zu tun hat, muss er bald feststellen, dass Kijuju eine Stadt der Verdammten ist. Die Bevölkerung wurde mit dem Las-Plagas-Parasit infiziert, den Leon S. Kennedy in Spanien entdeckt hatte, und ist einem gewalttätigen Kult verfallen, in dem Außenseiter keinen Platz haben. Nachdem Chris und Sheva sich von dem Schock und den ersten Attacken erholt haben, müssen sie feststellen, dass die armen Einheimischen nicht per Zufall zu gefährlichen Mutanten gemacht wurden. Diese Armee des Schreckens bewacht ein Geheimnis, deren Ursprünge viele Jahrzehnte in die Vergangenheit reichen. Als sich die beiden neuen Freunde daran machen, eben dieses aufzudecken, erkennt Chris, dass niemand anderes als sein ärgster Feind vor Ort ist… ehemaliger S.T.A.R.S.-Leiter und jetziger Bioterrorist Albert Wesker!

Bereits die ersten Minuten von RESIDENT EVIL 5 machen klar, dass der Spieler im Laufe der Story nur wenige Momente der Entspannung erwarten kann. Die Gegner treten meist in großen Gruppen auf und setzen dem Team aus Chris und Sheva arg zu. Dies sind auch die stärksten Momente des Spiels. Zuvor hätte man sich nicht vorstellen können, dass ein so Sonnen gefluteter Ort eine so große Gefahr darstellen könnte. Aber Capcom gelingt es tatsächlich, dem Spieler so manche Schweißperle auf die Stirn zu zaubern. Zu groß scheinen die Gegnerscharen und zu stark die einzelnen Monster, die einem begegnen. Erleichtert wird das Ganze durch eine großzügige Munitionsverteilung. Und im Gegensatz zum Vorgänger behält man nach einem erstmaligen Durchspielen seine Waffen und Ausrüstung, wenn man in einen höheren Schwierigkeitsgrad wechselt. Das Spielprinzip ist jedoch gleich geblieben: Man schaut Chris über die rechte Schulter, läuft und zielt. Dabei ist es nach wie vor nicht möglich, im Gehen zu schießen. Neu angelegt ist das Inventar, in dem nun nicht mehr die Größe der Objekte von Bedeutung ist. Jedes eingesammelte Item verbraucht exakt einen Slot der Inventur. Weitaus dramatischer ist, dass das Spiel jedoch nicht pausiert, wenn man in den virtuellen Rucksack umschaltet. Diese Intensität wird ein wenig dadurch ausgeglichen, dass man das digitale Steuerkreuz mit bestimmte Objekten belegen kann. So kann man auch im Eifer des Gefechts ohne Probleme stets die gewünschte Waffe ziehen. Die Zwischensequenzen laden - man kennt es aus dem Vorgänger - nicht zum Ausruhen aus, sondern halten teilweise etwas unfair gesetzte Quicktime-Momente parat. Hat man das Spiel durchgespielt, stehen diverse Extras zu Verfügung, die zu weiteren Durchläufen animieren. Ist man auf reines Ballern aus, zieht man den “Söldner”-Modus heran, der in RESIDENT EVIL 5 offenbar der USK keinerlei Probleme gemacht hat (wir erinnern uns: in Teil 4 musste dieser auf dem deutschen Markt entfernt werden, weil man ihn hierzulande für zu blutrünstig hielt…)

"Schni-Schna-Schnappi - das kleine Krokodil!"

Die größte Neuerung ist jedoch der Coop-Modus. Konnte man bereits in RESIDENT EVIL ZERO zwischen den beiden Protagonisten hin- und herschalten, bietet Episode 5 die Möglichkeit, mit einem befreundeten Gamer gemeinsam die Fährnisse des schwarzen Kontinents zu bestehen. Der Modus der Wahl ist hierbei natürlich online. Allerdings lässt sich auch per Splitscreen spielen - was auch für “Die Söldner” gilt. Im “Versus”-Modus kann man schließlich sogar gegeneinander antreten. Leider nicht in Deutschland: Dieses Extra muss nämlich heruntergeladen werden und war der USK dann doch zuviel des Guten. Mal wieder Pech gehabt.

Technisch stellt RESIDENT EVIL 5 eine konsequente Weiterentwicklung von Teil 4 dar. Obwohl viele Animationen und auch Sounds aus dem Vorgänger übernommen wurden, spielt das neueste Kapitel der Saga hier in einer ganz neuen Liga. Vor allem grafisch wird ein beeindruckendes Feuerwerk abgebrannt, das oftmals beinahe photorealistisch daherkommt (im Gegensatz zu den überraschend schwachen Wasseroberflächen). Gerade das Spiel mit Licht (das ursprünglich sogar eine noch größere Rolle spielen sollte, bis Capcom dieses Element zurückschraubte), sorgt für viele beeindruckende Momente. Die Monster wirken schön schleimig und sind zum größten Teil toll animiert. Bei den Majini, den Infizierten, gibt es natürlich viele Doppelgänger, aber dennoch haben sich die Designer Mühe gegeben, eine große, variationsreiche Armee des Schreckens aufzustellen. Das Spiel spielt sich auf Xbox 360 und PS3 beinahe gleich. Die technischen Unterschiede der Versionen (erstere hat einen leichten Grünstich, letztere einen leichten Rotstich und schwächere Raucheffekte) fallen dabei nicht ins Gewicht.

"Ja, mir sam mit´ner Säge da! Ja, mir sam mit´ner Säge da!"

Wer RESIDENT EVIL 4 mochte, wird auch hier großen Spaß haben. Die schnörkellose Action, in denen man Rätsel mit der Lupe suchen kann, sorgt für durchgängig spannende Unterhaltung, die wirklich kaum Zeit zum Luftholen lässt. Leider verbraucht sich diese Methode aber mit der Zeit etwas - und das obwohl RESIDENT EVIL 5 überraschend kurz ist. Das mag zum einen an dem relativ leichten Schwierigkeitsgrad, zum anderen aber auch am überraschungsarmen Handlungsverlauf liegen. Sämtliche Story-Wendungen deuten sich bereits weit vor dem tatsächlichen Stattfinden an, und Überraschungen gibt´s eigentlich keine. So beinhaltet das Spiel auch die typischen Levels, die man bislang aus jedem Teil kannte (Höhlen, Landeplattformen, Industrieanlagen, Kettensägen schwingende Gegner mit einem Sack über dem Kopf...), so dass sich nach den ersten interessanten Abschnitten schnell etwas Ernüchterung einstellt. Positiv sei erwähnt, dass die Geschichte, die mit RESIDENT EVIL auf der Playstation One ihren Anfang fand, hier in der Tat zu Ende erzählt wird. Einige Rückblicke (bei denen man sich wünschte, dass man sie spielen könnte) und ein wirklich furios inszenierter Showdown versöhnen mit der ansonsten eher schwachen Geschichte - wobei es sicherlich viele Fans geben wird, denen die Endgültigkeit des Endes nicht passen wird.

Alles in allem ist RESIDENT EVIL 5 ein gutes Spiel, das viele Stunden Spielspaß garantiert, aber ebenso deutliche Abnutzungserscheinungen des Spielprinzips und der Geschichte vor Augen führt. Die Entscheidung, den Horror zu Gunsten von Action beinahe komplett herunterzufahren, tut der Serie nicht gut und könnte weitere Teile, die diesem Format folgen, beliebig und austauschbar erscheinen lassen. Glücklicherweise hat Capcom bereits angekündigt, dass Teil 6 eine komplette Neuorientierung der Reihe präsentieren wird. Man darf gespannt sein, was uns da in ein paar Jahren vorgesetzt werden wird. Bis dahin werde ich RESIDENT EVIL 5 sicherlich noch ein paar Mal durchspielen (macht im Solo-Modus nämlich mindestens genauso viel Spaß wie coop) und mich trotz aller Kritikpunkte gut unterhalten fühlen. Denn stupides Herumgeballere bekommt man selten auf so hohem Niveau präsentiert.

Giana Sisters DS

2009-08-04T00:31:00.001+02:00

Für viele Spielefans war SUPER MARIO BROS auf dem Nintendo Entertainment System ein echter Systemseller, für den allein es sich lohnte, sich die japanische Spielkonsole ins Haus zu holen. Zwar gab es Jump´n´Run-Spiele auch auf den damals in der westlichen Welt viel populäreren Heimcomputern, aber keines davon konnte die Qualität von Shigeru Myamotos Meisterwerk erreichen. Zudem hatte Nintendo nicht vor, das Spiel auf andere Systeme portieren (im Gegensatz zu Sega, die dies regelmäßig taten bzw. in Lizenzform gestatteten). Um diesen Umstand zumindest formal zu ändern, hob das deutsche Programmierteam Time Warp 1987 das Projekt GREAT GIANA SISTERS aus der Taufe. Das Spiel um die blonden Giana Schwestern war ein Jump´n´Run erster Güte und gewann unter C64- und Amiga-Usern schnell eine große Fangemeinde.

Dabei orientierte sich GREAT GIANA SISTERS sehr, sehr eng am Vorbild SUPER MARIO BROS. Neben dem deutlich abgeleiteten Titel waren die Spielmechanismen 1:1 übernommen worden, und auch die Grafik wirkte so, als hätte man lediglich ein paar Sprites ausgetauscht. Einzig die eingängige Musik von Game-Musik-Maestro Chris Hülsbeck konnte durch geniale Eigenständigkeit begeistern. Dass der Vertrieb Rainbow Arts das Spiel auch noch mit dem Slogan “Move over, brothers!” bewarb, brachte das Fass zum Überlaufen. Nintendo schrie “Plagiat!” und schon mussten die GREAT GIANA SISTERS aus dem Verkauf genommen werden. Unter der riesigen Gamergemeinde, die natürlich fleißig auf Raubkopien zurückgreifen konnte, blieb das Spiel aber weiterhin populär, und gilt auch heute noch als Kult.

"It´s-a me-a, Giana!"

Umso verwunderlicher, dass im Jahre 2009 GIANA SISTERS (diesmal fehlt das “Great”) erneut im Handel erhältlich ist. Noch verwunderlicher, auf welchem System: Exklusiv auf dem Nintendo DS. Heimlich still und leise schlich sich das Spiel in den Handel und wurde auch nur gering beworben. Dennoch setzt man ganz klar darauf, die Fans von früher als Kunden zu gewinnen. Immerhin verkündet die Verpackung vollmundig “Musik inspiriert von Chris Hülsbeck”. Damit wissen nun wahrlich nur echte Cracks etwas mit anzufangen. Die Optik hingegen dürfte er eine jüngere Käuferschar ansprechen: Das Grafikdesign wirkt wie handgemalt und erinnert ein wenig an populäre Serien ála Winx. Gestandene männliche Zocker sollten sich davon und der quasi nicht existenten Hintergrundstory aber nicht abschrecken lassen: GIANA SISTERS DS hat eine Menge zu bieten.

Das Gameplay wurde mehr oder weniger aus dem Original, bzw. SUPER MARIO BROS. übernommen: Giana läuft und springt durch knapp 80 Level, die auf acht Welten verteilt sind. Ihre oberste Aufgabe ist dabei, den Ausgang der Levels, die in alle Richtungen scrollen zu finden. Unterwegs gilt es, Diamanten einzusammeln. Sind derer 100 gefunden, gibt´s ein Extraleben. Die Edelsteine hängen nicht nur einfach in der Luft, sondern sind teilweise auch in Mauerkästchen versteckt, gegen die Giana springen muss. Außerdem hat es eine Anzahl tierischer Gegner auf sie abgesehen. Die meisten kann Mario… äh… Giana mit einem gezielten Sprung auf deren Kopf erledigen, andere sollte sie besser ignorieren. Zudem verwandelt sich Giana nach dem Einsammeln einer magischen Kugel in eine kleine, rothaarige Punkerin, die nun Feuerbälle werfen kann (wir kennen sie alle, die Punker am Bahnhof, die mit Feuerbällen nach einem werfen, wenn man gerade kein Kleingeld griffbereit hat…). Am Ende jeder Welt wartet ein reptilienhafter Endgegner darauf, ins Jenseits befördert zu werden. Auf der Oberwelt (SUPER MARIO BROS. 3, anyone?) kann man bereits durchgespielte Abschnitte erneut anwählen, um verpasste rote Diamanten zu finden, mit denen pro Welt ein Bonuslevel freigeschaltet wird.

Junge Mädchen bei dem Wetter draußen rumlaufen zu lassen... Gibt´s da nicht irgendein Gesetz gegen?

Man sieht: Nichts neues im Lande “Giana”. Auch wenn sich Leveldesign, Optik und Technik deutlich vom Original abheben, handelt es sich bei GIANA SISTERS DS nach wie vor um einen reinrassigen Mario-Klon. Heutzutage zeigt sich Nintendo in solchen Sachen scheinbar gelassener. Und das ist auch gut so, denn GIANA SISTERS DS bietet gepflegte Jump´n´Run-Kost, die sich perfekt dazu eignet, die Zeit zum nächsten NEW SUPER MARIO BROS. zu überbrücken. Die einzelnen Levels sind etwas kurz, dafür aber zahlreich. Da entschuldigt man auch den niedrigen Schwierigkeitsgrad, der erst gegen Ende etwas anzieht. Die Grafik hätte man so auch auf dem Gameboy Advance sehen können, während die Musik toll komponiert und atmosphärisch instrumentiert ist - unabhängig von ihrer Inspirationsquelle. Die Steuerung funktioniert, Sprünge gehen selten daneben. Nur die rudimentäre Touchscreen-Einbindung reißt hin und wieder aus dem Spielfluss.

GIANA SISTERS DS wird garantiert kein Klassiker werden. Dafür fehlt aber auch wirkliche jede Form von Innovation. Aber wie so oft muss man auch in diesem Fall zugeben: Besser gut geklaut, als schlecht selber gemacht. Genrefans werden voll auf ihre Kosten kommen und können mit dem Kauf nichts falsch machen. Aufgrund der Optik und des Schwierigkeitsgrades können auch Eltern auf der Suche nach einem Spiel für den Nachwuchs unbesorgt zugreifen. Und Fans des Originals können in Erinnerungen schwelgen. GIANA SISTERS DS ist eine runde Sache, die einfach zu gefallen weiß. Wahre Begeisterungsstürme bleiben zwar aus, aber es steckt eine ganze Menge Spielspaß auf dem Modul.

Transformers II - Die Rache

2009-08-03T23:03:00.000+02:00

Vor vielen Monden begann ich diesen Blog mit einem Review des durch und durch durchschnittlichen Michael Bay/Steven Spielberg/Hasbro Spielzeugwerbespot TRANSFORMERS, der die Mythologie einer Cartoon- und Comicreihe aufgriff, die ursprünglich nur dazu hätte dienen sollen, japanische Spielzeugroboter, die sich in Trucks, Flugzeuge und ein paar ungewöhnlichere Sachen verwandeln konnten und teilweise aus verschiedenen Reihen stammten, unter einen Hut zu bringen, und so amerikanischen und europäischen Kindern zu verkaufen und anschließend nach Japan zu re-exportieren. Wow! Was für ein Satz... Anyway, TRANSFORMERS nahm sich viel zu ernst für seine völlig dusselige Exposition, konnte aber dank toller Trickeffekte, einer sexy Hauptdarstellerin namens Megan Fox und dem Irrglauben einer Fangruppe, die eine schwache Trickserie mittlerweile nostalgisch verklärte, dass man es hier mit einem guten Film zu tun hatte, zu einem gewaltigen Erfolg werden. Und um meine Neigung, lange Sätze zu machen, etwas zu unterdrücken: Natürlich musste ein solcher internationaler Kassenschlager ein Nachspiel haben. Dieses liegt nun vor und trägt den kreativen Titel TRANSFORMERS II - DIE RACHE (Transformers II - Revenge of the Fallen, 2009).

Die Fortsetzung spielt kurze Zeit nach dem ersten Teil. Die guten Autobots unter der Führung des heldenhaften Optimus Prime (Peter Cullen) haben sich mit den Menschen verbündet. Gemeinsam suchen sie nach den überlebenden Decepticons, um diese zu vernichten und so den Frieden auf Erden zu wahren. Der junge Sam Witwicky (Shia LeBeouf), welcher ursprünglich das Verbindungsglied zwischen den Transformers und der Menschheit war, hat derweil ganz andere Probleme. Das College ruft, und damit auch eine Fernbeziehung mit seiner Freundin, der betörenden Mikaela (Megan Fox). Das ganze wird noch dramatischer, als Sam einen Splitter des zerstörten Allsparks (der Lebensquelle der Transformers) berührt und fortan Visionen von seltsamen Schriftzeichen hat. Er ahnt nicht, dass er damit die Decepticons auf den Plan ruft. Denn der ruchlose Führer der bösen Roboter, genannt Fallen (Tony Todd) hat großes mit unserer Sonne vor... aber nicht unbedingt etwas, was dem Leben auf der Erde zuträglich wäre...

"Stirb, Hotrod!" - "Ich bin Optimus Prime, Soundwave!" - "Hey, ich bin Megatron!"

Groß, Laut, anspruchslos und mit vielen Explosionen. So, oder so ähnlich ließe sich eigentlich jeder Film von Michael Bay umschreiben. Diese Formel führt hin und wieder zu richtig guten Actionfilmen (THE ROCK), manchmal aber auch zu Streifen, die in jeder Liste der schlechtesten Filme aller Zeiten gut aufgehoben wären (PEARL HARBOR). Nach TRANSFORMERS hatte Bay gewitzelt, sich jetzt erstmal einem kleinen Film zu widmen, bevor er sich an die Fortsetzung des Blockbusters machen würde. Den Gefallen hat er uns allerdings nicht getan. Gemeinsam mit den Autoren des ersten Teils (Roberto Orci und Alex Kurtzman) hat er einen Film auf die Leinwand gebracht, der an Anspruchslosigkeit und Flachheit kaum zu überbieten ist. Und das verwundert wirklich, da Orci und Kurtzman zuletzt noch für das Drehbuch des äußerst gelungenen STAR TREK Revivals verantwortlich waren.

In den unglaublichen 150 Minuten hätte man normalerweise eine Menge Story unterbringen können. Nicht so Bay und sein Team. Nachdem die erste halbe Stunde unerträglich schlecht ist und nichts, aber auch wirklich nichts gutes enthält (die Schauspieler tun einem in diesem Sammelsurium miserabler Szenen einfach nur leid), kommt die Geschichte langsam in Fahrt. Dabei bleibt sie nicht mehr als ein Alibi, um eine Actionsequenz nach der nächsten zu rechtfertigen. Leider wird keiner der Charaktere auch nur annähernd sympathisch gezeichnet, die meisten kommen über nicht über den Status langweiliger 0815-Pappkameraden aus dem 1x1 des Drehbuchschreibens hinaus. Das trifft auch für die Roboter zu. Besonders entnervend sind die beiden Zwillings-Autobots Mudflap und Skids, deren Humor Jar Jar Binks wie Woody Allen erscheinen lässt. Aaargh! Besondere Unfähigkeit bewiesen das Autorenteam und Bay darin, ihre Charaktere "zu Ende zu erzählen". Sobald ein Charakter nichts mehr zur Handlung beizutragen hat, taucht er einfach nicht mehr auf, ohne dass man erfährt, was aus ihm geworden ist. Das ist schlechtes Geschichtenerzählen in Reinkultur. Dazu kommt hinzu, dass der Film voller ärgerlicher Elemente ist, die jedem mit dem Kopf denkenden Zuschauer negativ aufstoßen: Das fängt bei fiesen Seitenhieben auf Amerikas neuen Präsidenten Obama an und endet mit dem schrecklichen Hurra-Patriotismus Marke "Weltpolizei", der hier zur Schau gestellt wird. Amerikanische Truppen können mal eben so in Ägypten landen und da eine riesige Schlacht inmitten archäologischer Kulturgüter abfackeln? Ja, nee, ist klar...

Hier sehen wir die einzigen zwei Gründe, sich diesen Film anzusehen...

"Einen Michael-Bay-Film schaut man sich aber nicht wegen seiner Figuren, der Story oder gar der Logik an", werden jetzt sicher viele sagen. Und sie mögen Recht haben, aber selbst in Sachen Action wiederholt TRANSFORMERS 2 die gleichen Fehler seines Vorgängers. Obwohl die Trickeffekte über jeden Zweifel erhaben sind, schaden sie sich gerade damit selbst. Die Roboter sind durch die Bank weg so detailreich mit unzähligen sich ständig bewegenden Einzelteilen, dass es selbst auf einer großen Kinoleinwand schwer wird, während eines Kampfes zu erkennen, wer denn da gegen wen kämpft, und wo überhaupt oben oder unten ist. Ausnahmen wie die Charaktere Optimus Prime und Bumblebee, die durch ihre Farbgebung auffallen, bestätigen die Regel.

Michael Bay hat bereits angekündigt, dass er jetzt erst einmal eine Pause vom TRANSFORMERS-Universum nötig hat. Das wird sicher so manchen Fan in Angst und Schrecken versetzen, da der Streifen trotz seiner mieserablen Qualität zu den erfolgreichsten dieses Jahres gehört. Verstehe das, wer will. An der in Slow-Motion laufenden, verschwitzten Megan Fox kann dies nicht allein gelegen haben... Als ich aus dem Kino kam, war ich von all den Explosionen und dem ganzen Krach noch so betäubt, dass ich TRANSFORMERS II tatsächlich für besser, nein, weniger schlecht als den ersten Teil hielt. Mittlerweile habe ich meine Meinung revidiert. Obwohl ich ein Fan großer Schauwerte im Kino bin, kann ich sagen, dass man an diesem Streifen nur Spaß haben wird, wenn man den ersten Film mochte. Allen anderen sei gesagt: Hier haben wir es mit einem seelenlosen Paket zu tun, das eine ernsthafte Gefahr für jede graue Zelle in euren Köpfen darstellt. Finger weg! Besser noch: Augen und Ohren zu!

Der Omega Mann

2009-03-01T16:45:00.000+01:00

Es hat Krieg zwischen Russland und China gegeben. Dabei wurde ein bakterieller Kampfstoff eingesetzt, der sich auf der ganzen Erde ausbreitete. Zwei Jahre später ist die Menschheit beinahe ausgerottet. Der Wissenschaftler Robert Neville (Charlton Heston) hat bis zuletzt an einem Impfstoff gearbeitet und konnte sich am Ende nur noch selbst impfen. Nun vegetiert er einsam im riesigen New York, verbringt die Tage damit, durch die Stadt zu fahren und nach Nützlichem abzusuchen. Aber so ganz allein ist er nicht. Denn einige wenige haben die Katastrophe überlebt. Doch sie sind zu lichtempfindlichen Geschöpfen mutiert, die sich unter Bruder Matthias (Anthony Zerbe) zu einer quasi-religiösen Gruppierung zusammengefunden und allem, wofür die Menschheit stand, abgeschworen haben. Daher machen sie nachts Jagd auf Neville, während er tagsüber ihr Versteck sucht, um sie auszurotten. Doch dann entdeckt Neville etwas, was seine Situation erheblich verändern könnte...

Aufmerksame Leser meines kleinen blogs könnte diese Handlungszusammenfassung irgendwie bekannt vorkommen. Richtig. DER OMEGA MANN (The Omega Man, 1971) ist die zweite von insgesamt drei Verfilmung von Richard Mathesons apokalyptischem Zukunftsroman I AM LEGEND, welcher bereits 1964 unter dem Titel THE LAST MAN ON EARTH mit Vincent Price in der Hauptrolle und 2007 unter dem Originalnamen mit Hollywood-Darling Will Smith auf die Leinwände gebracht wurde. Besagte Versionen wurden bereits von mir besprochen, und obwohl der Roman so viel Potential besitzt, hat mich bislang keine Umsetzung gänzlich überzeugen können. Während technisch natürlich die jüngste Fassung unangefochten ist, konnte die in italienischer Co-Produktion entstandene 64er Version durch ihre Atmosphäre und den tollen Hauptdarsteller glänzen.

"Wo kriegt man nur eine vernünftige Putzfrau her?"

DER OMEGA MANN hat mit Heston natürlich ein Urgestein des distopischen SF-Films vorzuweisen. Aber überraschenderweise spielt der verstorbene NRA-Posterboy hier erstaunlich schwach, nachdem er mir noch vor kurzem in SOYLENT GREEN so gut gefallen hatte. In Anbetracht dessen, dass Heston die Verfilmung nach Lektüre des Romans selbst vorangetrieben hat, verwundert es sehr, wie lustlos er wirkt. Aber vielleicht hat er sich auch einfach etwas übernommen, da man ihm den an der Einsamkeit verzweifelnden Neville zu schwerlich abnimmt. Auch sind seine Beweggründe dafür, in der Stadt und damit den Nachtmenschen ausgeliefert zu bleiben, eher schleierhaft. Dies ist aber in erster Linie ein Problem des Drehbuchs und leider nicht das einzige.

Richard Matheson ist kein großer Fan dieser Verfilmung, weil er der Meinung war, dass sie kaum noch etwas mit seinem Roman zu tun hat. Recht hat der gute Mann. Was zuerst ins Auge sticht, ist, dass die Bruderschaft des lichtscheuen Gesindels natürlich nicht mehr aus Vampiren besteht. Wohl im Glauben, die Story dadurch "seriöser" zu machen, ließ man jede eher übernatürliche Komponente weg. Zugegeben, in der 64er Version war es etwas zuviel des Guten (die Kreuze z.B.). Aber so, wie die Bruderschaft im OMEGA MANN auftritt, sind sie einfach zu menschlich, um wirklich eine neue Spezies zu sein, die irgendwann über die Erde herrschen wird. Es sind schlicht religiöse Fanatiker mit Sonnenallergie. Leider gelingt es Regisseur Boris Sagal zudem nie eine echte Atmosphäre der Einsamkeit aufzubauen. Zu früh tauchen die Fanatiker auf, und die wenigen Ansichten der verlassenen Stadt reichen nicht aus - besonders, wenn man im Hintergrund öfters mal ein Auto vorbeifahren sieht...

"Ist ja gut. Schon okay. Ich geb´s ja zu: Ich habe geschummelt!"

Überhaupt ist es mit der Atmosphäre so eine Sache. Im Gegensatz zu Smiths I AM LEGEND wirkt die Stadt wenig verwildert. Bis auf Zeitungen und umstürzte Briefkästen deutet nichts auf eine von Menschen verlassene Metropole hin. Die Allgegenwärtigkeit von verwesten Leichen ist da ein Pluspunkt in der Hinsicht. Die deutsche Synchronisation trägt ihren Teil dazu bei, dass DER OMEGA MANN keine vernünftige Endzeitstimmung verbreiten kann, da sie oftmals holprig wirkt, und die pseudo-coolen Sprüche Hestons eher lachhaft sind. Auf Trickeffekte wird weitgehend verzichtet, erwähnenswert wäre hier das Make-Up der Nachtmenschen, das aber ebenfalls recht billig ist. Einzig die blassen Augen der Infizierten hallen in ihrer Wirkung nach.

DER OMEGA MANN will mehr sein, als eine Mischung aus üblichen SF- und Katastrophenstoffen, wie sie in den 70er Jahren populär waren. Er will eine Aussage haben und zudem die Schrecken einer entvölkerten Welt vermitteln. Das gelingt ihm leider nicht wirklich, und wenn der sterbende Heston am Ende wie Jesus am Kreuz hängt, tritt Pathos ins Rampenlicht. Als Actionfilm funktioniert DER OMEGA MANN halbwegs, und als solchen kann man ihn sich auch mal angucken. Schiebt man die DVD aber mit dem Anspruch in den Player, gleich eine düstere, gut gemachte Zukuntsvision serviert zu bekommen, macht sich äußerst schnell gepflegte Langeweile breit.

Der Hobbit

2009-03-01T15:02:00.000+01:00

2003 war für Tolkien-Fans ein besonderes Jahr. Mit DIE RÜCKKEHR DES KÖNIGS fand die DER HERR DER RINGE Trilogie ihren Abschluss. Während die Filme großen Erfolg seitens des Publikums wie auch der Kritiker genossen, wurde das Fandom natürlich auch mit einem riesigen Angebot an Merchandising-Artikeln "beglückt". Hier gab es ein interessantes Phänomen. Auf der einen Seite gab es die Sachen, welche die offiziellen Lizenzen der Filmreihe als Hintergrund hatten. Einige Firmen waren jedoch recht raffiniert gewesen, hatten auf die teuren Rechte der Filme gepfiffen und sich bei den Erben von Autor J.R.R. Tolkien die Rechte für die Bücher gesichert. Die waren günstiger UND man konnte dennoch auf der Erfolgswelle der Filme mitreiten. So kam es, dass die Softwareschmiede Electronic Arts die offiziellen Spiele zum Kinospaß präsentierte, während Konkurrent Sierra ebenfalls die DER HERR DER RINGE Klientel bediente - ohne allerdings auf die Designs, Musik etc. der Filme zurückgreifen zu können. Dafür hatte man auch den gesamten Hintergrund, der in den Filmrechten fehlte, zur Verfügung. Und daher veröffentlichte man im Herbst 2003 DER HOBBIT - DIE VORGESCHICHTE ZUM HERRN DER RINGE auf PC, PS2, Xbox, Gamecube und Gameboy Advance.

Beim HOBBIT handelt es sich eigentlich um einen Jugendroman, den Tolkien 1937 veröffentlichte, und in seiner von ihm erdachten Mythologie um den fiktiven Kontinenten Mittelerde ansiedelte. Der Erfolg des Buches ermunterte ihn dazu, eine Fortsetzung zu schreiben. DER HERR DER RINGE erschien nach jahrelanger Feinarbeit 1954 und war weit mehr als eine Fortführung der Geschichte, die im HOBBIT begonnen worden war. Aber dennoch gehört die verhältnismäßig leichte Lektüre zum Pflichtprogramm eines jeden Tolkien-Fans, wird doch hier erzählt, wie der Hobbit Bilbo Beutlin auf den Magier Gandalf trifft und dem widerwärtigen Geschöpf Gollum dessen magischen Ring stibitzt:

"Bei der Macht von Graysk... äh... falscher Film..."

Eines Tages taucht der Magier Gandalf vor der gemütlichen Hobbithöhle von Mr. Bilbo Beutlin auf. In seinem Schlepptau befindet sich eine ganze Horde von Zwergen, welche auf dem Weg zum Einsamen Berg sind, um dort dem bösen Drachen Smaug den Schatz ihrer Vorväter abzujagen. Dafür brauchen sie die Hilfe eines gewitzten Diebes. Zu Bilbos Überraschung preist Gandalf ihn als genau so einen an - und das, wo Bilbo Abenteuer hasst und lieber zu Hause bleiben will. Dennoch folgt er einem bislang erfolgreich heruntergekämpften Fernweh und begleitet die Zwerge auf ihre langen, gefahrvollen Reise. Dabei stoßen sie auf Elben, Orks, riesige Spinnen und besagten Drachen, bis sich der Hobbit schließlich zwischen drei Heeren wiederfindet, die sich bis auf das Blut bekriegen wollen.

Sierra hatte offensichtlich vor, den märchenhaften Charakter ihres Quellenmaterials hervorzuheben. Und wie geht das bei Videospielen besser, als sich bei den größten Vorbildern zu bedienen. DER HOBBIT ist im Grunde genommen nämlich nicht mehr als eine Art THE LEGEND OF ZELDA. Man steuert Bilbo in Rückansicht durch die phantasievollen Orte aus Tolkiens Schöpfung, benutzt Objekte, kämpft gegen fiese Schurken und löst Puzzles, die sich meist auf einfache Suchen oder Schalterrätsel beschränken. Im Gegensatz zu ZELDA hat man es beim HOBBIT allerdings nicht mit einer großen, frei zu erkundenen Welt zu tun. Die einzelnen Handlungsabschnitte werden in Form von Levels präsentiert. Außerdem wurde der Jump´n´Run-Anteil erhöht, so dass auch SUPER MARIO 64 grüßen lässt. Um das ganze noch etwas zu verfeinern, hat man zusätzlich eine Prise Rollenspiel hinzugefügt. Durch das Sammeln von Kristallen wächst die Erfahrung Bilbos. Steigt man beim Erreichen bestimmter Erfahrungswerte auf, verbessern sich die Kampffähigkeiten und die eigene Lebensenergie wächst an. Praktisch.

Das liest sich ganz gut, und tatsächlich ist es das auch. Nicht mehr, nicht weniger. Denn zu einem Hit hat es dann doch nicht ganz gereicht, da der HOBBIT unter einer Vielzahl von Kinderkrankheiten leidet. Allen voran seien hier die manchmal merkwürdige Kollisionsabfrage und vor allem die bockige Kamera erwähnt, die sich zwar nachjustieren lässt, aber dennoch immer wieder für Probleme gerade bei Sprungaktionen führt. Dafür machen die Kämpfe großen Spaß und der Anreiz, den eigenen Charakter so gut wie möglich auszubauen motiviert dazu, die teilweise recht verwinkelt angelegten Levels komplett zu erkunden. Weniger schön ist, dass die Handlung nur sehr bruchstückhaft erzählt wird. Wer das Buch kennt, weiß genau, wo er gerade ist, alle anderen dürften sich hin und wieder verloren vorkommen. Dafür sind Momente wie das Versteckspielen vor den Trollen oder die Begegnung mit Smaug packend inszeniert.

"Troll gemacht!" (Seufz...)

Technisch zeigt sich der HOBBIT durchwachsen. Während die Musik grandios ist und mit vielen Ohrwürmen aufwarten kann, und die deutsche Synchronisation auf höchstem Niveau durchgeführt wurde (Bastian Pastewka leiht Bilbo seine Stimme - ein Umstand der auf den Hüllen der Konsolenversionen mit keinem Wort erwähnt wird!), ist die Grafik zwar bunt, aber dafür oftmals auf N64-Niveau. Besonders unschön fällt auf, dass einige Objekte lediglich in 2D sind. Da konnten Gamecube, Ps2 und Xbox doch um Längen mehr.

Tolkien-Fans und Freunde von Action-Adventures, die auf den nächsten ZELDA-Teil warten und mal wieder die Abwärtskompatibilität ihrer Wii nutzen möchten, können hier zugreifen, wenn Sie kein Spiel epischer Proportionen erwarten. Ihnen kann ich ein paar spaßige Stunden garantierten. Leute, die für gewöhnlich mit Hobbits und Orks nichts am Hut haben, dürfen auch mal reinschauen, auch wenn sie hier sicherlich nicht soviel herausziehen werden können, wie die erst genannten.

PS: Die GBA-Version des Spiels unterscheidet sich völlig von den PC- und Konsolenfassungen und wird sicherlich eines Tages an dieser Stelle ebenfalls vorgestellt.

Wolfen

2009-03-01T14:27:00.000+01:00

Anfang der 80er Jahre schwappte eine Welle von Werwolf-Filmen über das amerikanische Horrorkino. Der große Gewinner des ganzen war AMERICAN WEREWOLF von John Landis, als Kultklassiker konnte sich immerhin Joe Dantes THE HOWLING (auf diesen Seiten bereits vorgestellt) etablieren. Eher weniger bekannt - vielleicht auch, weil es sich bei ihm nicht un bedingt um einen klassischen Werwolf-Film handelt - ist WOLFEN von Regisseur Michael Wadley. Dieser dürfte der Filmwelt vor allem aufgrund seiner trickreichen Regie des Konzertfilms WOODSTOCK bekannt sein. Auch in WOLFEN konnte er mit einfallsreicher Kameraarbeit glänzen, aber dazu später mehr.

WOLFEN basiert auf dem Horrorroman von Whitley Strieber. Der Schriftsteller dürfte eifrigen Sammlern von Popkultur-Trivia besonders als eines der prominentesten "Opfer" einer angeblichen Alien-Entführung bekannt sein. Striebers literarische Aufarbeitung dieses Vorfalls und die daraus resultierende Verfilmung COMMUNION, in der Christopher Walken völlig losgelöst spielt, könnten hierzulande durchaus eine gewisse Populariät besitzen. Zum Zeitpunkt von WOLFENs Entstehung war davon allerdings noch nicht die Rede, und so musste der Roman für sich sprechen. Das tat er auch, da einzelne Passagen aus der Perspektive der "Monster" erzählt wurde, wodurch ein äußerst interessanter Narrations-Ansatz erzielt wurde. Dass sich dies nicht so leicht in das Medium Film übetragen ließ, war Wadley klar. Der Regisseur fand jedoch eine Möglichkeit, hier einen zumindest technisch bemerkenswerten Ersatz zu finden.

"Meine Frisur und ich werden diesen Fall schon lösen..."

Die New Yorker Polizei ist nervös. Der industrielle Van der Veer (Christopher Brown), seine junge Frau und ihr Bodyguard wurden auf bestialische Weise ermordet. Polizeichef Warren (Dick O´Neill) beauftragt den unbequemen Cop Dewey Wilson (Albert Finney) damit, die Morde aufzuklären. Gemeinsam mit dem Pathologen Whittington (Gregory Hines) und der schönen Psychologin Rebecca (Diane Venora) entdeckt Dewey, dass scheinbar kein Mensch hinter den Greueltaten steckt. Als noch mehr Leichen auftauchen, glaubt Dewey zu erkennen, dass irgend jemand oder irgend etwas in den Ruinen am Rande der Bronx zu finden sein könnte. Zusätzlich beschleicht ihn das ungute Gefühl, dass der Indiana Eddie Holt (Edward James Olmos), den er vor einiger Zeit hinter Gittern gebracht hatte, etwas mit der Sache zu tun haben könnte...

Wie bereits erwähnt, hatte der Regisseur damit zu kämpfen, die Besonderheiten der Romanvorlage adäquat in seinen Film herüberzuretten. Dies ist ihm bedingt gelungen. Zwar bekommt man nicht die Möglichkeit, die Ereignisse aus der gedanklichen Sicht des "Bösen" zu erleben, aber dafür aus der physischen Sicht. Viele Sequenzen sieht der Zuschauer mit den Augen der Bestie: Eine Mischung auf Negativbildern, Falschfarben und Infrarotaufnahmen. Damit nimmt WOLFEN ähnliche Spezialeffekte wie die in PREDATOR vorweg. Leider ist dies auch das einzige, was der eher behäbige Horrorfilm zu bieten hat. Selbst die überraschend grafischen Metzeleffekte, die aus heutiger Sicht etwas unbeholfen wirken, können da nicht helfen.

"Warum laufen? Ich fahre mir einen Wolf..."

Die Probleme beginnen mit den Charakteren. Albert Finney ist ein grandioser Schauspieler, aber in der Rolle des Dewey leider völlig fehlbesetzt (was von seiner unmöglichen Frisur noch unterstrichen wird). Seine "Liebesgeschichte" mit Diane Verona strotzt vor Klischees, wie auch die restliche Handlung. Man kann grundsätzlich sagen: Alle Leute, die Drogen (Kokain, aber auch Alkohol) zu sich nehmen, dürfen dranglauben. Das war bereits in den 70er Jahren überholt. Die Indianer-Mystik kommt zudem schrecklich naiv und beinahe beleidigend daher. Der aufgesetzte Zeigefinger, den man während des ganzen Films wie ein Damoklesschwert über der Geschichte schweben sieht, wirkt aufgesetzt, und die Auflösung der Story ist schlichtweg doof. Immerhin gibt es ein paar Momente, in denen man sich doch etwas gruselt und mit den Hauptcharakteren mitfiebert.

WOLFEN (1981) ist mal wieder so ein Film, der eine völlige Enttäuschung ist, aber auch nicht sooo schlecht ist, dass er es verdienen würde, völlig verrissen zu werden. Horrorfans und Freunde typischer 80er-Jahre-Streifen werden zumindest etwas Unterhaltungswert aus diesem haarigen Ungetüm herauspressen können. Alle anderen sollten zu den im ersten Absatz erwähnten Filmen greifen oder sich anderen Dingen zuwenden.

Professor Layton und das geheimnisvolle Dorf

2009-02-23T07:55:00.000+01:00

Der Erfolg des Nintendo DS hat eine komplett neue Spielerschaft hervorgebracht: Casual Gamers. Gemeint sind Spieler, die ihre Konsole bzw. ihren Handheld nur hin und wieder hervorkramen und sich mit simpel gestrickten, meist wenig anspruchsvollen Games beschäftigen. Natürlich gab es diese bereits zuvor, allerdings nutzten sie zum Spielen meistens ihren PC (MINE SWEEPER anyone?). Mit dem DS und auch der Wii hat sich das Feld allerdings zunehmend auf die Videospiele-Welt verlagert. Sehr zu Missfalen der sogenannten Core-Gamer, welche das Spielen eher als Sport betrachten, und denen hohe Schwierigkeitsgrade, realistische Grafik, Bombastsound und ein anspruchsvolles Gameplay wichtig sind. So wie es aussieht, haben die aber nicht das große Geld, da DS-Logik-Spiele wie DR. KAWASHIMAS JOGGING FÜR IHR GEHIRN seit mittlerweile fast drei Jahren die internationalen Verkaufscharts dominieren.

Casual- und Core-Gamer unter einen Hut zu bringen, ist eine Aufgabe, welcher sich scheinbar die japanische Softwaretruppe "Level 5" annahm. Nach Fantasy-Epen wie DRAGON QUEST VII schien man gewillt, es mit einem interessanten Experiment zu wagen, welches ein zugängliches Gameplay bot, das selbst Oma und Opa vor den DS bannen konnte, gleichzeitig aber auch eine anspruchsvolle Technik, echte Herausforderungen und eine packende Geschichte zu bieten hatte. Geboren war PROFESSOR LAYTON UND DAS GEHEIMNISVOLLE DORF. Das Spiel stürmte in Japan die Hitparaden. Nachdem es über ein Jahr dauerte, bis LAYTON auch die amerikanischen Ufer erreichte und hierzulande noch immer auf keiner Ankündigungsliste aufgetaucht war, begruben Fans bereits die Hoffnung auf einen offiziellen EU-Termin (und griffen evtl. zu US-Importen). Doch im Spätherbst letzten Jahres war es auch in Europa soweit, und PROFESSOR LAYTON sahnte auch bei uns sehr gute Verkaufszahlen ab.

Es sieht simpel aus, aber man sollte den Schwierigkeitsgrad der Rätsel nicht unterschätzen...

Professor Layton ist ein interessanter Geselle. Er sieht sich in erster Linie als ein Rätselknacker, den es überall hinzieht, wo ungelöste Mysterien auf ihre Lösung warten. Dabei hat er auch schon so manchen Kriminalfall aufgedröselt und die Verantwortlichen damit zur Strecke gebracht. Dennoch mag er es nicht, wenn man ihn als einen Privatdetektiv bezeichnet. Sein junger Helfer Luke sieht das etwas anders, aber bei ihm zeigt Layton gerne etwas Nachsicht. Eines Tages werden der Professor und Luke in das Dorf St. Mystere gerufen. Im Auftrag der Lady Dahlia sollen die zwei das Geheimnis um den Goldenen Apfel lösen. Niemand weiß, worum es sich bei diesem Artefakt des verstorbenen Baron Reinhold handelt. Doch klar ist, dass Dahlia das Erbe ihres toten Mannes nur antreten kann, wenn der Goldene Apfel in ihre Hände fällt. Und so machen sich Layton und Luke daran, das mysteriöse Dorf unter die Lupe zu nehmen. Schnell fällt auf, dass seine Bewohner sich sehr merkwürdig verhalten. Da sie aber allesamt knifflige Rätsel für den Professor parat halten, wachsen sie ihm schnell ans Herz. Als dann plötzlich ein Mord geschieht, zeigt sich aber, dass St. Mystere ein wirklich düsteres Geheimnis enthält. Layton ist sich sicher, dass dies im Zusammenhang mit dem dunklen Turm steht, der sich im Herzen des Dorfes in den Himmel streckt...

Hört sich an wie ein klassisches Adventurespiel, oder? PROFESSOR LAYTON UND DAS GEHEIMNISVOLLE DORF lässt sich aber nicht so leicht einem Genre unterordnen. Während man das Dorf wie in Adventuremarnier erkundet, mit den Bewohnern plaudert und manchmal sogar Gegenstände einsammelt, besteht der Kern des Spiels aus dem Lösen vermeintlich simpler Denksportaufgaben. Doch gerade hier steckt der echte Anspruch: Diese Logikrätsel sind allesamt relativ anspruchsvoll und lassen sich vor allem im späteren Spielverlauf nicht "mal eben" lösen. Hier ist echte Gehirnakrobatik. Nur durch den erfolgreichen Abschluss bestimmter Aufaben schreitet der Spielverlauf voran. Kommt man mal nicht weiter, lassen sich bis zu drei Tipps pro Rätsel freischalten - sofern man genug Münzen im Dorf aufgestöbert hat, um diese zu bezahlen. Immer wieder kommt es zu Situationen, in denen man erkennt, wie dumm man eigentlich war, und dass die Lösung naheliegend und einfach war. Ich kann sagen, dass ich mich während des ganzen Spiels wie ein kleiner Idiot gefühlt habe...

Und da liegt das "Problem" des Spiels. Wenn man nicht gerade mit einem großen Gehirn gesegnet ist, wird PROFESSOR LAYTON viele Frustmomente bieten, in denen selbst die Tipps nicht ausreichen, und man zu einer Komplettlösung greifen wird, um weiterzukommen - denn stupides Herumprobieren hilft nur in den wenigsten Fällen. Glücklicherweise ist die Story packend, so dass der Spieler trotz Denk-Sackgassen nicht den Spaß an der Sache verliert. Man muss dem GEHEIMNISVOLLEN DORF also mit viel Geduld und Zeit begegnen. Leute, die das Spiel in vier Stunden runterreißen wollen, werden schnell erkennen, dass man auch mal zwanzig Minuten oder noch länger über einer Aufgabe brühtet. Das macht LAYTON zu einem der anspruchvollsten Spiele, die man derzeit auf dem DS bekommen kann.

"Gaaaaah!" - "Ich weiß, Luke. Videospieler bieten nie einen schönen Anblick..."

Technisch gehört PROFESSOR LAYTON zum Besten, was der DS zu bieten hat. Während das Spiel komplett über Touchscreen gesteuert wird, besteht die Grafik aus wunderschönen, handgemalten Hintergründen. Die Figuren sind in einem charmanten Animé-Stil gehalten, der an Heidi und Co. erinnert. Die Hintergrundgeschichte wird in tollen Zeichentricksequenzen erzählt, die so auch im Kinderprogramm laufen könnten/sollten. Die Sprachausgabe zieht sich zwar nicht durch das gesamte Spiel, ist aber angenehm rauschfrei und mit erstklassigen Sprechern besetzt. Die melancholische, leicht französische Musik ist einnehmend und schön komponiert, auf Dauer aber vielleicht einen Tacken zu eintönig.

Alles in allem ist PROFESSOR LAYTON UND DAS GEHEIMNISVOLLE DORF eine wunderschöne Symbiose verschiedener Spielegattungen, eine knackige Aufgabe (bei der man wirklich etwas lernen kann) und eine technische (DS-)Meisterleistung. Dennoch muss man ganz klar sagen, dass hier nicht jeder Gamer glücklich werden wird. First-Person-Shooter-Fans, denen es schon zu viel wird, wenn man hin und wieder kleinere Schalterrätsel lösen muss, sollten um PROFESSOR LAYTON einen weiten Bogen machen. Allen anderen sei gesagt, dass sie hier ein Spiel vorliegen haben, dass sicherlich als Klassiker in die Softwaregeschichte eingehen wird.

Fire Emblem - Shadow Dragon

2009-02-08T21:17:00.000+01:00

Als amerikanische und europäische Spieler SUPER SMASH BROS. MELEE auf dem Gamecube spielten, stellten sie schnell fest, dass dort zwei Charaktere mitmachten, von denen sie noch nie etwas gehört hatten - selbst, wenn sie bislang jedes auf ihrem Heimatkontinenten erhältliches Nintendo-Spiel besaßen: Roy und Marth waren zwei mittelalterlich angehauchte Rittersmänner, die gut mit ihren Schwertern umzugehen wussten. Wer sich bei den Trophäen die Hintergrundstorys der beiden Charaktere durchlas, fand schnell heraus, dass man es hier mit Figuren aus der Reihe FIRE EMBLEM zu tun hatte. Diese war bislang nicht außerhalb von Japan veröffentlicht worden. Dies änderte sich 2003 bzw. 2004, als der Gameboy Advance Ableger FIRE EMBLE: REKKA NO KEN unter dem simplen Titel FIRE EMBLEM in den USA bzw. Europa veröffentlicht wurde. Seitdem erschienen die neuesten Teile der Serie weltweit. Die zuvor auf dem NES und SNES veröffentlichten Episoden blieben den nicht-japanischen Spielern aber erst einmal vorenthalten.

Dies änderte sich 2008, als unter dem Titel FIRE EMBLEM - SHADOW DRAGON ein DS-Remake des allerersten NES-Teils in Japan und Europa, kurze Zeit später auch in den USA auf den Markt kam. Bei FIRE EMBLEM handelt es sich um einen Mix aus Strategie- und Rollenspiel: Rundenweise führt man eine Armee aus verschiedenen Truppen unterschiedlichster Gattung über eine Karte. Um sich der widerborstigen Gegner, die auf das Ableben des Heldencharakters - "Marth" im Falle von SHADOW DRAGON - aus sind, zu erwehren, bedient man sich der bestimmten Kampffähigkeiten seiner Truppen. Neben offensiven Eigenschaften gibt es auch Einheiten, die heilen, stehlen und auch zaubern können. Jede Einheit, die einen Feind besiegt hat, erhält Erfahrungspunkte. Hat man genug gesammelt, steigt die jeweilige Einheit um einen Erfahrungslevel auf, wodurch bestimmte Eigenschaften wie Lebensenergie, Stärke, Magiewiderstand etc. verbessert werden. Hat man das Ziel einer Karte erreicht (welches meist mit dem Sieg über den Anführer der gegnerischen Armee verbunden ist), rückt man zur nächsten Karte vor. Zwischen den Levels hat man die Möglichkeit, die Einheiten mit neuen Waffen auszurüsten und seine Armee für die nächste Aufgabe aufzustellen. Außerdem wird hier die Story in Form von in Standbildern präsentierten Dialogen bzw. beide Bildschirme füllende Gemälde weitererzählt.

Die Vorgeschichte wird als voll spielbares Tutorial erzählt.

Apropos: Der junge Krieger Marth ist scheinbar der letzte Überlebende des Königshauses von Altea. Als einst der Schattendrache Medeus den Kontinenten Akeinia mit Hilfe des bösen Herrschers Gharnef eroberte, wurden die Alteaner von ihren Nachbarn, die sich Medeus angeschlossen hatten, verraten und überrannt. Jahre später stellt Marth eine Armee von Widerstandskämpfern auf. Mit ihr will er den Kontinenten befreien, den Thron von Altea besteigen und die Mörder seiner Familie bestrafen. Um das zu erreichen muss er das heilige Schwert seines Vaters und das mysteriöse Fire Emblem finden. Denn nur so erhält er die Macht, die nötig ist, sowohl Gharnef als auch den üblen Medeus zu vernichten.

Das original FIRE EMBLEM erhält mit SHADOW DRAGON bereits sein zweites Remake, da japanexklusiv bereits 1994 auf dem SNES ein solches landete. Die DS-Version kann allerdings mit einer weiter aufgebohrten Technikseite auftrumpfen. Die Grafik gewinnt zwar keine Schönheitspreise, ist aber zweckmäßig und immer übersichtlich (was man von anderen Strategiespielen wie AGE OF EMPIRES auf dem DS nicht behaupten kann). Obwohl die Zwischensequenzen eher schlicht gehalten sind, gelingt es ihnen, eine schöne Mischung aus japanischem Manga-Flair und europäischem Mittelalter zu verbreiten. Die Soundeffekte sind eher spartanisch, eine Sprachausgabe sucht man vergebens. Dafür werden die Ohren von schön instrumentierter Musik, die lauter eingängige Melodien aufweisen kann, beschallt. Obwohl man das Spiel auch per Tasten spielen kann, bietet sich an, SHADOW DRAGON komplett mit Stylus zu nutzen.

Selbst fliegende Pferde haben gegen unseren Helden Marth (was ist das überhaupt für ein Name?) keine Chance.

Obwohl ich dank der GBA-, Gamecube- und Wii-Teile bereits viel gutes über die Serie gelesen habe, ist SHADOW DRAGON das erste Mal, dass ich mich selbst an FIRE EMBLEM heranwage. Und ich war direkt angetan: Abgesehen von der sauberen Technik und der überragenden Steuerung besitzt das Spiel einen hohen Suchtfaktor. Nach jeder Runde heißt es: "Nur noch eine Runde!", nach jedem Level: "Nur noch ein Level!" Und schon sind wieder ein paar Stunden ins Land gegangen. Dass es sich bei jeder Einheit um ein Individuum mit Hintergrund handelt, ist man hochmotiviert, jede Karte möglichst ohne Verluste durchzustehen. Leider lässt sich nur an bestimmten Save-Points abspeichern, so dass hier öfters mal neugestartet werden muss, will man möglichst viele Einheiten retten. Eine bessere Speichermöglichkeit wäre hier von Vorteil gewesen. Außerdem geht mit den individuellen Einheiten einher, dass man nicht genau absehen kann, wann man welchen Charakter im Spiel brauchen kann, um einen wichtigen Neuzugang für die eigene Armee rekrutieren zu können. In solchen Fällen hilft dann nur noch, ein kompletter Neustart des Spiels. Das nervt vor allem gegen Ende des Spiels, wenn der Schwierigkeitsgrad anzieht. Legt man weitaus weniger Perfektionismus an den Tag, fallen diese Kritikpunkte weniger ins Gewicht.

Mein persönlicher Einstieg in die Welt von FIRE EMBLEM hätte packender nicht ausfallen können. Zwar gibt es hier und da einige Schönheitsfehler, und auch in Sachen Taktik gibt´s sicherlich noch einige Luft nach oben, aber das ändert an dem ansonsten mehr als gelungenen Gesamtpaket nichts. Wer spannende und atmosphärische Fantasy für seinen DS sucht, sollte hier zugreifen. Zahllose Stunden feinsten Spielspaßes sind garantiert. Ich für meinen Teil werde mich jetzt auch nach der jüngsten Wii-Episode umschauen.

Resident Evil: Degeneration

2009-02-05T22:22:00.000+01:00

Es gibt nichts gutes, außer man tut es. Das dachte sich wahrscheinlich auch die Spiele-Schmiede Capcom, nachdem man im japanischen Hauptquartier mit angesehen hatte, wie Sony Pictures unter eifriger Mithilfe von Trash-Regisseur Paul W.S. Anderson die Filmumsetzung der erfolgreichen Videospiel-Reihe RESIDENT EVIL gleich dreimal gepflegt in den Sand setzte. Oh, natürlich spielten die Filme eine Menge Geld ein. Aber gleichzeitig traten sie die Kontinuität der Spiele mit Füßen und wurden dem, was RESIDENT EVIL auf Konsolen so erfolgreich machte: Horror und blankes Entsetzen. Diese fielen flachen Schocks, schlechten Trickeffekten und einer banalen Geschichte zum Opfer.

Um den Millionen von Fans zu beweisen, dass RESIDENT EVIL auch in Filmform prächtig funktionieren konnte, machte man sich bei Capcom daran, gemeinsam mit Sony Pictures einen vollständig am Computer animierten Streifen zu entwickeln. Mit dem für Vergnügungsparks entwickelten BIOHAZARD: 4D EXECUTER (die Reihe trägt in Japan den Titel BIOHAZARD) hatte man schließlich schon Erfahrung auf dem Sektor gesammelt. Allerdings sollte RESIDENT EVIL: DEGENERATION (Biohazard: Degeneration, 2008) in photorealistischer Qualität gehalten sein - ähnlich wie FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN von Konkurrent Square/Enyx. Die Story des Abenteuers gliedert sich dabei direkt zwischen die Teile 4 und 5 (in wenigen Wochen erhältlich) und stellt eine Art Brücke dar, die zeigt, was für Spuren die Vernichtung von Raccoon City und der Untergang der Umbrella Corporation hinterlassen haben.

"Wow! Ich sehe ja besser aus als in CODE: VERONICA!"

Seitdem sich die USA gezwungen gesehen hatten, die durch den T-Virus zu einer Stadt der lebenden Toten mutierten Raccoon City mit einer Atombombe zu vernichten, und den mit Biowaffen experimentierenden Pharmakonzern Umbrella aufgelöst hat, schwebt die Welt in ständiger Gefahr: Ein Terroranschlag in Indien hat kürzlich gezeigt, dass scheinbar Terroristen in den Besitz des Umbrella-Vermächtnis gelangt sind. Diverse Bürgergruppen protestieren gegen diverse Chemieunternehmen, die weiter an Biowaffen bzw. angeblichen Impfstoffen arbeiten. Deren Lobbyist Senator Davis (Michael Sorich) steht dabei besonders im Kreuzfeuer. Wie es der Zufall will hält sich die für die UN arbeitende Claire Redfield (Alyson Court) am Harvardville Flughafen auf, an dem auch Davis verweilt und sich über die Protestler vor dem Geländer aufregt. Claire ist eine der wenigen Überlebenden des Raccoon City Vorfalls und kämpft als UN-Beauftragte auf politischer Ebene gegen die geistigen Erben Umbrellas. Doch plötzlich geschieht das unfassbare: Auf dem Flughafen kommt es zu einem Ausbruch des T-Virus! Zombies fallen über die Anwesenden her. Ein Terroranschlag? Claire kann sich mit einigen Überlebenden - darunter Davis - verstecken. Bald taucht ihr alter Weggefährte Leon S. Kennedy (Paul Mercier) auf und rettet die Gruppe mit Hilfe der Soldatin Angela (Laura Bailey). Während das Militär versucht, den Virus-Ausbruch einzudämmen, forschen Claire, Leon und Angela nach, wer hinter dem Angriff steckt. Dabei kommen sie einer schrecklichen Wahrheit auf die Spur...

Wow. Eins muss man definitiv sagen: Wir haben es hier mit dem bislang besten RESIDENT EVIL Film zu tun. Allerdings bedeutet das bei der zweifelhaften Qualität der Realverfilmungen nicht viel. Und tatsächlich: In erster Linie bietet DEGENERATION eine angenehm mundende Schlachtplatte für Fans. Wie bereits erwähnt, schmiegt sich der Streifen perfekt in den Handlungsstrang der Spiele ein. Es ist auch positiv zu vermerken, dass es allerlei Anspielungen auf die Reihe gibt. Auch dass bereits bekannte Sprecher aus den Spielern verpflichtet wurden, um ihre Rollen erneut zu spielen, sollte man positiv erwähnen. Das Drehbuch schlägt einem zudem eine Actionsequenz nach der anderen um die Ohren. Hut ab!

"...´cause this is Thriller! Thriller Night..."

Aber das braucht die Geschichte auch, da sie selbst für 92 Minuten nicht sonderlich viel Inhalt bietet und bis auf die gelungene Flughafensequenz zu Beginn eigentlich nur aus Zitaten aus den Spielen besteht. Ein weiterer - GROSSER - Kritikpunkt ist die Animation. Zwar sehen die Hintergründe super aus, und auch die Figuren können auf Standbildern halbwegs überzeugen... aber sobald es an die Bewegung geht, wirkt das ganze sehr, sehr künstlich, steif und wenige emotionslos. Das wird leider dadurch nur noch verstärkt, dass die Sprecher - zumindest im Original - recht lustlos wirken und irgendwie nicht zu dem Geschehen auf dem Bildschirm passen. DEGENERATION ist daher einer der wenigen Fälle, wo ich zur deutschen Synchro rate. Aber selbst da wird deutlich, wie trivial die Dialoge sind - aber das passt ja durchaus zur Serie, da selbst die Spiele auf dem Sektor einen gewissen Charme verbreiten. Noch ein Wort zur Grafik: Wieso sieht Leon jetzt so fies aus und hat bis auf die Frisur keine Ähnlichkeit mehr mit seiner Erscheinung in RESIDENT EVIL IV?

Gut. Okay. Wer auf Zombie-Action steht (wobei der Gore-Faktor im Vergleich zu den Spielen doch empfindlich heruntergeschraubt wurde) und ein Fan der Serie wird, kann mit RESIDENT EVIL: DEGENERATION durchaus etwas anfangen. Kurzweilig ist das Filmchen trotz seiner Verfehlungen auf jeden Fall, und zwischendurch kommt sogar so etwas wie Spannung auf (Grusel sollte man jedoch nicht erwarten). Die meisten Filmfans werden nach ein paar Minuten allerdings voller Unverständnis den Kopf schütteln und ausschalten. Von daher: Für Fans! Da ich einer bin, sollten Uneingeweihte oder RESIDENT-EVIL-Abstinenzler von meiner Wertung noch ein paar Prozentpunkte abziehen.

Marvel´s Man-Thing

2009-02-04T22:47:00.000+01:00

In Deutschland sind Comics längst nicht so populär wie in den USA. Dies trifft auch auf solche Großmeister des Mediums wie Marvel zu. SPIDER-MAN kennt man, ja. Auch die X-MEN oder DIE RÄCHER, welche in ein paar Jahren in die Kinos kommen werden. IRON MAN, HULK und die FANTASTIC FOUR sicherlich auch. Aber MAN-THING? Nein, dieses Wesen, das 1971 das Licht der Welt erblickte und selbst in den Staaten eher obskur ist, dürften hier nur echte Comic-Fans kennen. Das mag nicht sonderlich verwundern: MAN-THING ähnelt in seiner Entstehungsgeschichte und seinem Aussehen frappierend dem SWAMP THING, welches beim Konkurrenten DC Comics zwar erst ein Jahr später in Serie ging, allerdings vor allem durch zwei Kinofilme (von dem ich den ersten an dieser Stelle bereits besprochen habe) und einer Fernsehserie ungleich populärer wurde, und hier als DAS DING AUS DEM SUMPF bekannt ist.

Das dachte man sich bei Marvel und den Lions Gate Films, welche die Filmrechte am MAN-THING erworben hatten, wohl auch. Im Gegensatz zu solchen Comic-Epen wie SPIDER-MAN, die mit großem Budget, einem Star-Aufgebot und teuren Trickeffekten zu Sommer-Blockbustern hochgezogen wurden, schaltete man bei unserem Sumpffreund auf Sparflamme. Fernseh- und B-Movie-Darsteller wurden engagiert, und die Dreharbeiten ins günstige Australien verlegt (obwohl der Film in Lousiana spielt). Als Regisseur wählte man Brett Leonard, dessen größter Erfolg - der stark von seiner Stephen King Vorlage losgelöste DER RASENMÄHER-MANN - bereits etliche Jahre zurücklag. Eigentlich hatte man vorgehabt, den Streifen direkt auf DVD zu veröffentlichen, strahlte ihn dann aber zumindest auf dem amerikanischen Sci-Fi Channel aus, nachdem zwischenzeitliche Pläne einer beschränkten Kinoauswertung wieder fallengelassen worden waren.

"Aaaaah! Kannst Du Dein Miracoli nicht vernünftig essen?! "

Sheriff Kyle Williams (Matthew Le Nevez) hat sich nach Lousiana versetzen lassen, um dort ein wenig Frieden zu finden. Doch daraus wird nichts. Direkt an seinem ersten Tag wird in den Sümpfen die schrecklich zugerichtete Leiche eines Jugendlichen gefunden. Zusätzlich darf sich Williams noch mit einer Gruppe von Umweltaktivisten - angeführt von der schönen Lehrerin Teri (Rachael Taylor) - herumschlagen, welche gegen die Naturschändungen des Industriellen Schist (Jack Thompson) protestieren. Dieser glaubt, dass die Indianer, denen er das Land nicht ganz fair abgeschwatzt zu haben scheint, hinter den Anschlägen auf seine Arbeitsmaschinen stecken. Williams erfährt von Teri und dem Schamanen Pete (Rawiri Paratene), dass ein schrecklicher Waldgeist, der in den Sümpfen haust, für die Todesfälle und die Angriffe auf Schists Land verantwortlich ist. Natürlich glaubt Williams diesem Unsinn nicht - doch bald geschehen mehr Morde...

Genau wie die Comicvorlage ist MARVEL´S MAN-THING (Man-Thing, 2005) eher Horrorstory als Superheldengeschichte. Dabei wird der Hintergrund des Charakters allerdings stark verwässert, bzw. vereinfacht - wahrscheinlich im Versuch, nicht als SWAMP THING Abklatsch rüberzukommen. Wirklich gruselig wird´s allerdings nicht, weil der Film von vorne bis hinten wie das müde B-Movie wirkt, das er ja auch ist. Zweitklassige Schauspieler (die attraktive Rachael Taylor landete später immerhin im enttäuschenden aber erfolgreichen TRANSFORMERS) agieren unter einer bemühten Regie (die schnellen Schnittbilder nerven extremst) und können auch nicht gegen das phanatasielose Drehbuch und dessen üble Dialoge ankämpfen. Wenn man den Namen "Marvel" liest, erwartet man eine gewisse Qualität, die mit der Marke verbunden ist. Und die bekommt man hier einfach nicht.

"Don´t be hasty, little Hobbit..."

Allerdings haben auch große Produktionen wie die FANTASTIC FOUR dieses Problem. Und wenn man seine Erwartungen gehörig zurückschraubt, stellt man immerhin fest, dass MAN-THING nicht schlechter als der übliche Action- und SF-Schrott zweiter Wahl ist, der abends auf RTL2 läuft. Überraschenderweise können die Trickeffekte sogar halbwegs überzeugen - wohlgemerkt für einen Film dieser Klasse - und schaffen damit einen gewissen Unterhaltungswert.

MAN-THING ist eine verschwendete Gelegenheit. Der Versuch, mit Marvel-Ware auch den B-Movie Sektor erfolgreich zu bestücken, ist insofern gescheitert, dass man hier einfach nichts Besonderes erschaffen hat. MAN-THING ist belanglos und überflüssig, kann aber damit punkten, für einen Marvel-Film zumindest "anders" zu sein. Fans sollten daher zugreifen, und wenn es nur darum geht, die Sammlung komplett zu halten. Alle anderen dürfen diesen Film, der wie Blei in den DVD-Regalen der Händler liegt, komplett ignorieren.

Hitman - Jeder stirbt alleine

2009-02-02T23:14:00.001+01:00

Ich glaube, ich habe schon an anderer Stelle darauf hingewiesen, dass es selten gelingt, ein Computerspiel vernünftig auf die Leinwand zu bringen. Mit der Ausnahme von SILENT HILL muss man einfach sagen, dass kein Versuch, ein noch so erfolgreiches Spiel, zumindest künstlerisch anspruchsvoll zu verfilmen. TOMB RAIDER oder die RESIDENT EVIL Filme konnten immerhin kommerziellen Erfolg verbuchen - doch selbst dies bleibt den meisten Computerspielverfilmungen versagt. Dennoch gibt es immer wieder findige Hollywoodproduzenten, die es für eine gute Idee halten, auf meist bei der Jugend bekannte Stoffe zurückzugreifen, als einen Drehbuchautor damit zu beauftragen, - Schock! - neue Ideen zu entwickeln (So geschehen vor wenigen Monaten in Form von MAX PAYNE)

HITMAN ist ebenfalls so eine Sache. Das Spiel wurde von der Firma Eidos, welche sich auch für die Abenteuer der großbusigen Lara Croft verantwortlich zeigen, entwickelt und erschien auf PC und diversen Konsolen. HITMAN: CODENAME 47 fand so viele Fans, dass mittlerweile am fünften Teil der Reihe gebastelt wird. Also nicht verwunderlich, dass Filmschaffende auf diesen Erfolg aufmerksam wurden. Seit Aufkommen der Gerüchte um eine Verfilmung galt Vin Diesel als sicherer Kandidat für die Rolle des titelgebenden Anti-Helden - dabei schien Diesels Glatze wohl seine größte Qualifikation gewesen zu sein, um den ebenfalls kahlköpfigen "47" zu verkörpern. Tatsächlich war Vin Diesel fest eingeplant, den Hauptdarsteller von HITMAN zu geben, sprang aber kurz vor der heißen Produktionsphase ab. Ersetzt wurde er von Timothy Olyphant, einem breiten Publikum kurz vorher als Bösewicht im vierten STIRB LANGSAM bekannt geworden. Ihm zur Seite stellten die Produzenten die junge Ukrainerin Olga Kurylenko, die hier weitaus freizügiger agierte als ein Jahr später in EIN QUANTUM TROST. Um dem Film, der zum größten Teil in Ost-Europa und der Türkei spielt, einen entsprechenden Stempel aufzudrücken, verpflichtete man den Franzosen Xavier Gens als Regisseur.

"Vertrauen Sie mir! Ich weiß, was ich tue!"

"47" (Timothy Olyphant) ist ein Auftragsmörder, ein HITMAN. Aber kein "gewöhnlicher". Er wurde bereits als Kind in die Dienste der geheimnisvollen Organisation gestellt, wo er ausgebildet und darin konditioniert wurde, als perfekte Killermaschine zu funktionieren. Er erhält seine Aufträge anonym, arbeitet allein und wird sehr gut für seine Dienste bezahlt. Als er in Russland den Auftrag erhält, den russischen Präsidenten Belicoff (Ulrich Thomsen) auszuschalten, klingt alles erstmal nach einer Routinemission. Auch, als ihm eröffnet wird, dass der Anschlag in aller Öffentlichkeit zu geschehen hat, ändert dies nichts an 47´s Vorhaben. Tatsächlich gelingt es ihm, Belicoff aus vier Kilometer Entfernung mit einem Kopfschuss zu eliminieren. Dumm nur, dass Belicoff, der nur einen Streifschuss abgekommen haben will, am nächsten Tag bereits wieder vor die Kamera tritt. Schlimmer noch: Eine Zeugin will 47 identifizieren können. Der einsame Killer muss schnell reagieren. Bei seinem Ziel angekommen, erkennt er jedoch, dass die schöne Nika (Olga Kurylenko) ihn noch nie zuvor gesehen hat, und dass scheinbar seine Kollegen es von nun an auf ihn abgesehen haben. In der Hoffnung, dass sie sich noch als nützlich erweisen könnte, macht sich 47 auf die Jagd nach den Verrätern. Dabei ist ihm Interpol-Kommissar Whittier (Dougray Scott) allerdings dicht auf dem Fersen...

Eins muss man Gens und allen Beteiligten lassen: HITMAN - JEDER STIRB ALLEINE (Hitman, 2007) lässt es ganz schön krachen. Besonders blutig geht es in der "Extended Edition", welche auf DVD zu haben ist, her. Ballerorgien, Hand-to-Hand Combat und jede Menge Explosionen könnten den geneigten Actionfan in Verzückung versetzen. Könnten. Denn leider kann selbst der anspruchsloseste Cineast nicht verleugnen, dass die Actionsequenzen nur dürftig von einer müden und einfallslosen Story zusammengehalten werden. Ein Killer, der gegen seine ehemaligen Auftraggeber zu Felde zieht? Schaut euch die BOURNE-Trilogie, der es gelingt über drei Filme hinweg eine weitaus konsistentere Spannungskurve zu entwickeln, als es HITMAN in gerade 90 Minuten schafft.

"Schatz, Du solltest Dir unbedingt mal wieder die Beine rasieren."

Dabei ist der Streifen handwerklich gar nicht mal schlecht gemacht. Wie gesagt: Die Action ist reichhaltig und die Kämpfe durchaus auch nett choreographiert. Ein richtiger "Wow"-Moment bleibt aber leider aus. Dazu gesellen sich unfreiwillig komische Momente, schreckliche Dialoge und eher lustlos agierende Schauspieler, von denen Dougray Scott noch den besten Eindruck hinterlässt. Ja, Olga Kurylenko ist schön anzusehen, aber sie spielt so genervt und zickig, dass für ihren Charakter keinerlei Sympathie entsteht. Ähnlich geht es Olyphant, dessen Figur bereits darunter leidet, kaum Emotionen zeigen zu dürfen, zusätzlich aber noch mit dicken Logikfehlern in der Handlung zu kämpfen hat.

So richtig schlecht ist HITMAN nicht. Da hat man schon übleres gesehen. Aber leider gibt es auch nicht zu viel Gutes, was sich über den Film schreiben ließe. So reiht er sich in die lange Serie von mäßigen Computerspielverfilmungen ein, die man guten Gewissens links liegen lassen kann. Actionfans sollten zur Leih-DVD greifen. Sie werden nach Ende des Films wissen, warum man HITMAN nicht unbedingt kaufen muss.

Nie wieder Sex mit der Ex

2009-01-27T07:41:00.000+01:00

Kann sich noch jemand an den ersten AMERICAN PIE erinnern? Okay, vielleicht auch noch den zweiten. Also, ich meine diese Art von Filme, die angereichert sind mit Zoten, Fremdschämereien, platten Gags, pubertären Sexwitzchen und Geschmacklosigkeiten, und dennoch einen Heidenspaß machen? Der erste AMERICAN PIE (und eben vielleicht auch noch seine erste Fortsetzung, aber keinesfalls die späteren Teile, schon gar nicht die, die direkt auf DVD veröffentlicht wurden...) brillierte dadurch, dass er neben dem wirklich witzigen Humor auch eine Art Seele hatte; eine Aussage. Und dadurch funktionierte der Film so gut. Dies fehlt bei Streifen dieser Art heutzutage oft, weswegen sie meistens scheitern.

Irgendwie sieht es so aus, als hätte sich Produzent Judd Apatow auf die Fahne geschrieben, genau diese Erfolgsformel zu nehmen und zu verfeinern. Mit JUNGFRAU (40) MÄNNLICH SUCHT, BEIM ERSTEN MAL, SUPERBAD und PINEAPPLE EXPRESS ist ihm dies gelungen. All diese Filme sind vom Humor eher brachial, begeistern aber ein großes Publikum (das eben nicht nur aus 16jährigen besteht), weil sie eine funktionierende Geschichte, ein Herz besitzen. Gemeinsam mit Hauptdarsteller Jason Segel, der auch das Drehbuch schrieb, und dem komödienerfahrenen Regisseur Nicholas Stoller entstand so FORGETTING SARAH MARSHALL (2008), welcher in Deutschland leider den dämlichen Titel NIE MEHR SEX MIT DER EX erhielt...

"Ich gebe Ihnen mein Wort: Hawaii-Hemden kommen wieder in Mode!"

Für Peter (Jason Segel) läuft alles wunderbar. Der Musiker, dessen Traum es ist, sein selbst komponiertes "Dracula"-Musical auf die Bühne zu bringen, schreibt den Soundtrack zur erfolgreichen Fernsehserie "Crime Scene" und ist mit der wunderschönen Hauptdarstellerin Sarah Marshall (Kristen Bell) liiert. Und selbst die Medien feiern das Glück der zwei. Dieses findet jedoch ein jähes Ende, als sich Sarah von Peter trennt. Schlimmer noch: Sie tut es, weil es da einen anderen Mann gibt. Peter ist am Boden zerstört und fällt in eine schwere Depression. Nachdem er versucht hat, sich durch zwanglosen Sex mit unbekannten Schönheiten abzulenken, dadurch aber nur noch verschlimmerte, lässt er sich von seinem Stiefbruder Brian (Bill Hader) dazu überreden, wegzufahren, und so auf andere Gedanken zu kommen (seine ständigen Heulattacken nerven seine Umgebung nämlich mittlerweile extremst). Da sich Peter dummerweise dazu entschieden hat, in einem Hotel einzuchecken, von dem Sarah stets so geschwärmt hatte, sollte es nicht verwundern, dass er dort auf eben die mit ihrem neuen Freund, dem schrägen Rockstar Aldous Snow (Russell Brand), trifft. Betätigt er sich anfangs noch als kleiner Stalker, sind es bald die Hotelangestellten - allen voran die süße Rachel (Mila Kunis) - die ihm zeigen, dass Hawaii und vor allem das Leben im Speziellen, noch andere schöne Seiten an sich haben. Aber der Schatten Sarahs liegt nach wie vor auf Peter...

Wahrscheinlich wird sich jeder Mensch sehr gut mit dem leicht überzogen gezeichneten Peter identifizieren können. Wer hat denn nicht schon einmal eine schreckliche Trennung durchmachen müssen, nach der es schien, als gäbe es kein Morgen mehr? Und irgendwie hat man es dann ja doch geschafft, wieder aufzustehen, und zu merken, dass auch andere Mütter schöne Töchter bzw. Söhne haben. Von daher fällt es auf Anhieb leicht, Peter trotz seiner Heulkrämpfe und seiner ungesunden Fixierung auf Sarah sympathisch zu finden, mit ihm mitzufiebern und ihm alles Gute zu wünschen. Und hier haben wir das Herz der Geschichte: Den Heldenweg, den Peter durchläuft, um am Ende aus dieser Erfahrung gelernt zu haben und mit seinem Leben weitermachen zu können, und das erfolgreicher denn je (Jetzt sagt nicht, dass ihr das nicht erwartet hattet!).

Leisure Suit Larry in the Land of the Lost Lover´s Lu´au.

Aber der Weg dahin ist in dieser Komödie mit herrlichstem Humor gewürzt, der von "erfrischend" bis hin zu "einfach nur geschmacklos" reicht, und dabei wunderbar zu unterhalten weiß. Star und Autor Segel hat dabei dafür gesorgt, dass es ein ganzes Raster an interessanten Nebencharakteren gibt, die seinem Peter auf dem Weg zum Glück zur Seite stehen. Diese werden von einer Reihe erstklassiger Schauspieler verkörpert. Besonderes Lob gehört hier der wunderschönen Kristen Bell, welche im Prinzip sich selbst spielt, und sich dabei nicht zu schade ist, als echte "Bitch" rüberzukommen. Aber auch Darsteller wie Russell Brand, Mila Kunis (bekannt aus DIE WILDEN SIEBZIGER und als Stimme der "Meg" aus FAMILY GUY) und Judd Apatows Allzweckwaffe Jonah Hill wissen zu begeistern.

Deutsche Komödienfans sollten sich nicht von dem unsäglichen Titel abschrecken lassen und NIE WIEDER SEX MIT DER EX eine Chance geben. Zwar ist dies nicht unbedingt die Königin aller Komödien, aber hier wird so wenig falsch, und soviel richtig gemacht, dass man nicht anders kann, als den Streifen zu mögen. Natürlich ist so mancher Witz Geschmackssache - aber welcher guter Gag ist das nicht? Übrigens: In den prüden USA bekam der Film Probleme mit der Altersfreigabe wegen einigen "Full Frontal Nudity" Szenen... von Hauptdarsteller Jason Segel... Wenn das mal kein Argument für NIE WIEDER SEX MIT DER EX ist... ;)

So finster die Nacht

2009-01-26T21:49:00.000+01:00

Der 12jährige Oskar (Kåre Hedebrant) lebt in den frühen 80ern in einer Hochhaussiedlung Stockholms. Ständig wird er von seinen Mitschülern auf das Übelste drangsaliert. Seine ihn allein erziehende, arbeitende Mutter hat kaum genug Zeit, um mitzubekommen, wie sehr ihr Sohn leidet. Daher ist es nicht verwunderlich, dass Oskar die verschneiten Winternächte entweder mit seiner morbiden Sammlung von Zeitungsausschnitten über Katastrophen und Kriege oder allein auf dem Spielplatz vor dem Haus verbringt. Eines Tages ziehen neue Nachbarn in die Wohnung neben Oskar ein. Es ist die junge Eli (Lina Leandersson) und Håkan (Per Ragnar), ein älterer Mann. Oskar trifft das Mädchen, das von sich behauptet "ungefähr 12 jahre" alt zu sein, eines Abends auf dem mit Schnee bedeckten Friedhof. Sie trägt keine Winterkleidung, weil sie vergessen hat, wie es ist, zu frieren. Und obwohl sie es eigentlich nicht will, freundet sie sich mit dem einsamen Oskar an... Während Håkan durch die Nacht zieht und jungen Männern nachstellt, um ihnen die Kehle aufzuschlitzen und ihnen so das Blut abzuzapfen - um es Eli zu bringen, damit sie ihren Durst stillen kann. Auch Oskar erkennt schließlich, dass seine neue Freundin ein Vampir ist. Doch seine Zuneigung und Neugier sind größer als seine Angst. Und als Håkan von der Polizei gestellt wird, erkennt auch Eli, dass Oskar der einzige ist, dem sie vertrauen kann...

Ich habe ihn gefunden. Nach all den Jahren. Nach all den "Draculas", "Blades", "Underworlds" usw. Endlich. Ich habe ihn gesehen. Den perfekten Vampirfilm. Den Film, der die Thematik des blutsaugenden Wiedergängers mit all seinen Facetten, Emotionen und Ebenen in eine mitreissende, ernstzunehmende, gruselige, brutale, aber auch schöne Geschichte packt. Dies ist der Vampirfilm, den ich immer sehen wollte. Und hier ist er. Und es ist keine amerikanische und auch keine englische Produktion. SO FINSTER DIE NACHT (2008) stammt aus Schweden, dem Land der ewig-dunklen Wintermonate und den düsteren Krimis des Spätprogramms der öffentlich-rechtlichen Sender.

Oskar ist ein einsames und gestörtes Kind.

SO FINSTER DIE NACHT ist die Verfilmung des Romans "Låt den rätte komma in" (engl. LET THE RIGHT ONE IN - abgeleitet von einem Morrissey Song) von John Ajvide Lindquist. Der Autor, der vor seiner Schriftstellerkarriere Stand-Up Comedian war, schrieb das Drehbuch selbst und arbeitete eng mit Regisseur Tomas Alfredson zusammen. Obwohl einige Handlungsstränge und Hintergrundinfos der Vorlage der eingeschränkten Länge des Films weichen mussten, ist Lindquist begeistert und erwartet mit Spannung die unausweichliche US-Neuverfilmung, welche bereits nächstes Jahr in die Kinos kommen soll. Da man davon ausgehen darf, dass dieser die Geschichte in TWILIGHT-Bahnen lenkt und dadurch verweichlicht, hoffe ich, dass man scheitert, damit SO FINSTER DIE NACHT weiter als einzig "echte" Verfilmung des Stoffes für sich stehen kann.

Es ist schwer, Worte zu finden, für diesen Film, der bereits mehrfach Preise abgeräumt hat. Aber ich will es versuchen: Wer in Anbetracht der Storyzusammenfassung eine Art DER KLEINE VAMPIR erwartet, soll sich enttäuscht sehen. SO FINSTER DIE NACHT hat zwar kindliche Protagonisten, doch ist der Stoff keineswegs für ein jüngeres Publikum geeignet. Sowohl vom Stoff, als auch von einigen wenigen (dafür aber äußerst harten) Bildern richtet sich der Film eher an Erwachsene.

Eli ist unsterblich und hat keinen Platz in dieser Welt.

Erst heute - Jahre nachdem wir dies selbst erlebt haben - können wir erkennen, wie brutal Kinder zueinander sind, und wie schrecklich so manche Stunde unserer Schulzeit gewesen ist, weil da irgendjemand war, der uns das Leben zur Hölle gemacht hat. Und insgeheim haben wir uns alle eine Freundin wie Eli gewünscht. Es ist schön, dass Alfredson sich eben nicht auf Gore und Splatter verlässt, sondern die winterlichen Landschaften und die trostlosen Betontürme für sich sprechen lässt, um eine Atmosphäre zu erzeugen, die irgendwo zwischen Tod und Erstarrung angesiedelt ist, und in der die beiden Hauptfiguren zueinander finden, weil sie sich in dieser feindlichen Welt brauchen - ohne es anfangs zu wissen. Die wenigen (teilweise CGI-)Spezialeffekte sind äußerst subtil eingesetzt und wirken oft völlig verstörend, da sie für einen kurzen Augenblick das Befremdliche der ganzen Situation durchscheinen lassen.

Bei aller Grausamkeit, bei allem Horror (SO FINSTER DIE NACHT ist einer der wenigen Vampirfilme, bei denen ich mich wirklich gruseln konnte), sind es die leisen Töne, die den Film zu dem Meisterwerk werden lassen, das er ist. Hier gibt es keine "kleinen" Szenen. Egal, ob es die Momente zwischen Oskar und Eli, oder aber die wenigen Augenblicke, in denen der Junge und seine Mutter wie eine glückliche Familie wirken, sind. Auch die schrecklich spannenden Auftritte der Schulrowdys oder das brutale Vorgehen Håkans. SO FINSTER DIE NACHT verbindet das Schöne mit dem Grässlichen. Und all das gipfelt im Finale, das so schrecklich und gleichzeitig so wunderschön ist.

Oskar und Eli brauchen sich. Aber wie lang kann ihre Freundschaft bestehen?

Stellen wir einmal die filmische Poesie des Streifens hinten an, so muss man Alfredson und Lindquist dafür loben, dass sie eine Geschichte erschaffen haben, die es schafft, altbekannte Klischees rund um den Vampir in einen realistischen und glaubwürdigen Kontext zu setzen. In mancherlei Hinsicht ist der Film dabei dem Buch noch überlegen, da er Dinge andeutet, ohne sie ausgiebig zu erläutern, und dadurch die Fantasie des Zuschauers auf besondere Weise anregt. Während alle Schauspieler gut spielen, muss man die beiden jungen Hauptdarsteller besonders hervorheben: Kåre Hedebrant spielt für sein Alter bemerkenswert, aber es ist Lina Leandersson, die alles in den Schatten stellt. Ihre Eli ist ein Bündel aus Kindlichkeit, Sehnsucht, Wahn, Androgynität und Aggression. Elis Verlangen nach Blut wird von ihr wie die krankhafte Sucht eines Heroinabhängigen gespielt. Was für eine Leistung für so eine junge Künstlerin. Glücklicherweise verzichten Afredson und Lindquist auf eine kitschig-verklärende Darstellung ihre Protagonisten. Obwohl Oskar und Eli klare Sympathieträger sind, so besitzen sie genug schlechte Eigenschaften, um sie zu mehrdimensionalen, sprich: realistischen Figuren werden zu lassen.

Wer glaubt, dass ich es hier übertreibe, der sollte schleunigst ein Programmkino auftun, wo SO FINSTER DIE NACHT noch immer läuft, und sich davon überzeugen, dass jedes meiner Worte absolut gerechtfertigt ist. Ja, es ist ein Vampirfilm. Aber es ist gleichzeitig soviel mehr. Zuviel, um hier aufgelistet zu werden. Aber eines, das kann ich sagen: SO FINSTER DIE NACHT ist der Film, welcher mich in den letzten Jahren am stärksten bewegt hat.

Dead Space

2009-01-26T20:20:00.000+01:00

Electronic Arts ist einer der erfolgreichsten, gleichzeitig aber auch unbeliebtesten Publisher auf dem Games-Sektor. Dies liegt in erster Linie daran, dass sich der Software-Gigant in erster Linie darauf beschränkt, jedes Jahr mehr oder weniger sinnige Updates bekannter Reihen (EA SPORTS oder NEED FOR SPEED) oder einen Teil einer etablierten Serie nach dem nächsten (HARRY POTTER) auf den Markt zu werfen. Seit Jahren leidet die Qualität unter dieser Strategie. Dem Verkaufserfolg der Spiele schadet dies aber (leider?) nicht. Dennoch will man sich seitens Electronic Arts aber nicht gänzlich auf dem Erfolg bekannter Marken ausruhen und entwickelt daher von Zeit zu Zeit völlig neue Game - in der Hoffnung hier den Startpunkt eines neuen Franchises zu haben.

Der SF-Horrorschocker DEAD SPACE erschien im Spätherbst des letzten Jahres und konnte dank superber Wertungen der Fachpresse, eindrucksvoller Technik und einem großen Werbeaufgebot großen Erfolg verbuchen. Natürlich verwundert es daher nicht, dass bereits eine Fortsetzung in der Mache ist... DEAD SPACE wurde für die Xbox 360, die PS3 und den PC veröffentlicht (zusätzlich erschien die Vorgeschichte als Animationsfilm auf DVD). Letztere Version heimste allerdings große Kritik ein, da es sich aus Kopierschutzgründen nur fünfmal auf der eigenen Festplatte installieren lässt. Wen wundert es bei solch idiotischen Maßnahmen, dass der PC als Spieleplattform im Sterben liegt? Doch zurück zu DEAD SPACE... Worum geht es denn hier?

Die monströsen Gegner lauern überall.

Im Auftrag der CEC (Concordance Extraction Corporation) ist das Minenschiff USG Ishimura im All unterwegs, um Planeten ihrer wertvollen Rohstoffe zu berauben. Eines Tages erhält die CEC einen Notruf der Ishimura, woraufhin die USG Kellion losgeschickt wird, um die Sache zu untersuchen. An Bord der Kellion befindet sich auch der Techniker Isaac Clarke, dessen Freundin Crewmitglied der Ishimura ist (war?). Als man das scheinbar unbelebte Minenschiff betritt, wird die Bergungscrew von grässlichen Monstern attackiert und zum größten Teil dezimiert. Isaac wird vom Rest der Gruppe getrennt und muss sich nun allein durchschlagen, will er sich, seine Freundin und die übrigen Überlebenden retten. Ihm wird schnell klar, dass die entsetzlich verwachsenen Kreaturen, die in den Schatten der Korridore nur darauf warten, ihn in Stücke zu reissen, einmal zur Besatzung der Ishimura gehörten...

METROID PRIME, RESIDENT EVIL IV, BIOSHOCK, SILENT HILL und ALIEN... Wirft man all dies in einen digitalen Kochtopf und rührt ein paar Mal um, so erhält man wahrscheinlich etwas, was große Ähnlichkeit mit DEAD SPACE hat. Aber getreu dem Motto "Besser gut geklaut, als schlecht selber erfunden" bedient man sich lediglich der besten Elemente der Vorbilder und variiert sie so, dass durchaus ein eigener Charakter dabei entsteht. Spielerisch erinnert DEAD SPACE stark an Capcoms letzten Teil ihrer Zombie-Saga. Dabei hat man Isaac allerdings etwas mehr Beweglichkeit spendiert. So kann unser Held im Gegensatz zu Ganado-Killer Leon S. Kennedy Seitenschritte machen und mit gezogener Waffe laufen. Der Waffenwechsel geht schnell von der Hand, und sämtliche Menüs werden als "In-Game" Hologramme dargestellt, so dass man zu keiner Zeit aus dem Spielfluß gerissen wird. Spezialfähigkeiten wie Telekinese erweitern das Repertoire. Witzigerweise wurde dabei auf ein HUD verzichtet. Sämtliche für den Spieler wichtigen Anzeigen (Lebensenergie, Munition etc.) finden sich auf der Rüstung bzw. den Waffen Isaacs, was der Atmosphäre äußerst zuträglich ist. Ebenfalls wichtig für die Stimmung ist die tolle Technik, mit der Electronic Arts einen hier bombadiert. Die Grafik ist sehr schön, doch vor allem das Sounddesign ist es, was wirklich hervorsticht. Die monströsen Geräusche der Necromorphe lassen einen die Haare zu Berge stehen.

Überhaupt ist die Inszenierung einfach nur genial ausgefallen. Dachte ich noch bei BIOSHOCK, dass mich so schnell nichts mehr aus den Socken hauen würde, löst DEAD SPACE Panik und blankes Entsetzen bei mir aus. Ich kann mich nicht erinnern, wann ich jemals Angst davor hatte, einen bislang unbekannten Raum zu betreten - fürchtend, was auf der anderen Seite der Tür auf mich warten könnte. Zusätzlich sind Episoden wie die schwerelosen Abschnitte oder die Ausflüge ins Vakuum des Weltalls perfekt dargestellt. Die deutsche Übersetzung ist gut gelungen und mit professionellen Sprechern vertont. Da das Spiel trotz erheblicher Brutalität hierzulande völlig ungeschnitten erschienen ist, macht daher einen Gang zum Importhändler unnötig.

"Küss mich, als wär´s das erste Mal!"

Klingt alles verdammt gut, oder? Leider blättert der Lack ab, wenn man sich eine Weile mit DEAD SPACE beschäftigt. Das ewige Gekämpfe, das seinen Schwerpunkt auf das gezielte Abtrennen von Körperteilen ausgerichtet ist, wird irgendwann lästig, und die simplen Rätsel können das nicht herausreißen. Wo Nintendos METROID PRIME Trilogie Backtracking dadurch auffrischte, dass es selbst in bereits betretenen Räumen immer wieder etwas neues zu entdecken gab, nervt in DEAD SPACE das Rumgerenne - trotz unversehens auftauchender Monster - irgenwann. Last but not least: Obwohl die Technik dem Spiel eine perfekte Horror-Atmosphäre verleiht, bietet die Handlung nicht mehr als 08/15-Grusel, den man bereits Ende der 80er Jahre aus diversen B- und C-Movies kannte.

Diese drei Kritikpunkte sind es letztlich, was die Langzeitmotivation bei DEAD SPACE empfindlich nach unten treibt, und sicher dazu führen wird, dass so mancher Spieler das Game nach mehrmaligen Scheitern an den schwereren Stellen frustriert das Handtuch werfen und DEAD SPACE nicht zu Ende zocken wird. Wer aber Spaß daran hat, sich hier festzubeißen, und sich an den eintönigen Kämpfen nicht stört, wird ein Horrorspiel genießen, das einem im positven Sinne Alpträume beschert.

Die nackte Pistole! (Police Squad!)

2009-01-26T08:14:00.001+01:00

Es gibt Serien, die ihrer Zeit weit voraus sind, und erst Jahre nach ihrer Entstehung den Respekt erhalten, den sie verdient haben. KAMPFSTERN GALACTICA ist so ein Fall. Zwar hat die Neuauflage der SF-Reihe nicht mehr viel mit dem Original gemein, dafür ist sie weitaus erfolgreicher. POLICE SQUAD! ist auch so eine Geschichte: Für diese nicht ernst gemeinte Polizeiserie zeichnet sich das unter "Spoof"-Freunden beliebte Trio Jerry Zucker, Jim Abrahams und David Zucker verantwortlich, die zuvor im Kino mit KENTUCKY FRIED MOVIE und DIE UNGLAUBLICHE REISE IN EINEM VERRÜCKTEN FLUGZEUG für Furore gesorgt hatten. So wie sich letzterer Film im wesentlichen Motive des Films ZERO HOUR bediente, nahmen sich Zucker/Abrahams/Zucker für POLICE SQUAD die Krimiserie M-SQUAD vor und kopierten diese in wesentlichen Teilen, um sie gleichzeitig zu verballhornen. M-SQUAD war Ende der 50er Jahre enstanden, hatte mit Lee Marvin einen echten Star als Hauptdarsteller und unterhält mit unfreiwilliger Komik auch heute noch unter dem Titel DEZERNAT M im Nachtprogramm diverser dritter Programme.

Für POLICE SQUAD! fanden Zucker/Abrahams/Zucker in Leslie Nielsen den geeigneten Schauspieler für die Rolle des "Helden" Lieutenant Frank Drebin. Nielsen hatte bereits im VERRÜCKTEN FLUGZEUG für die drei gearbeitet und war in der Lage, saudämliche Dialoge und die abstrusesten Situationen durchzuziehen, ohne auch nur einmal seine Grabesmiene zu verziehen. Mit Allan North als Captain Ed Hocken gesellte sich ein TV-Veteran. Die dritte Stammrolle des schusseligen Polizisten Nordberg wurde von Peter Lupus übernommen.

Fans von DIE NACKTE KANONE werden sich gleich heimisch fühlen.

Lieutenant Frank Drebin ist der beste Mann einer Spezialabteilung der Chicagoer Polizei (wobei das nicht immer ganz klar ist...), die immer dann anrückt, wenn besonders schlimme Fälle auf dem Tagesplan stehen. Dem Super-Cop ist dabei kein Tatort zu chaotisch und kein Mörder zu gefährlich: Wenn es sein muss, geht Drebin sogar undercover, um die Schurken zu überführen. Egal, ob Bomben explodieren, er es mit Schlägertrupps zu tun bekommt, oder es zu Schießereien kommt: Drebins silbernes Haar sitzt stets perfekt. Die Spezialabteilung (oder auch "Police Squad", wie sie im Original schlicht heißt) ist da, wenn Not am Mann ist. Und die ist es immer, weil man bei seiner Arbeit so chaotisch vorgeht, dass die Opfer oft nicht wissen, ob sie nicht ohne das Eingreifen der Polizei besser dran gewesen wären. Aber, nein, das stimmt so auch wieder nicht, da am Ende die bösen Buben jedes Mal im Staatsgefängnis landen, und das Gute siegt - zumindest bis zur nächsten Woche...

Obwohl POLICE SQUAD! (1982) mit dem gleichen Witz aufwartet, wie die beiden vorigen Zucker/Abrahams/Zucker-Kinoerfolge (Wortwitz, Runninggags, Slapstick, Anspielungen, Hintergrundwitze... kurz: mit einem hohen Gags-pro-Minute-Quotienten) aufwartet, fand POLICE SQUAD! kein Publikum beim amerikanischen Fernsehsender CBS. Nach nur sechs Folgen war Schluss. Das Comedy-Trio hatte aber das Potential erkannt, das sich hinter der Idee verbarg, und so schliffen sie weiter an POLICE SQUAD und machten sechs Jahre später mit DIE NACKTE KANONE einen Kinofilm daraus. Neben Leslie Nielsen, der glücklicherweise die Hauptrolle behielt, wurden sein Boss nun von George Kennedy und sein Kollege Nordberg von O.J. Simpson (was dem heutigen Ansehen des Films eine etwas gruselige Atmosphäre gibt...) gespielt. DIE NACKTE KANONE wurde zu einem gewaltigen Kinoerfolg, der zwei (qualitativ nachlassende) Fortsetzungen ermöglichte und Leslie Nielsen zum Star machte. Dass ein Großteil der Witze aus der kurzlebigen Serie POLICE SQUAD! recyclet worden war, bemerkten die Fans erst, als im Zuge des Kinoerfolges die sechs produzierten Episoden erst auf Video und schließlich auch auf DVD (hierzulande unter dem wenig witzigen Namen DIE NACKTE PISTOLE) veröffentlicht wurden.

Wenn diese Männer ernst dreinschauen, kann das nur eins bedeuten: Das Böse hat wieder zugeschlagen!

Es ist schön, die Anfänge von Lt. Frank Drebin zu sehen. Und es gibt auch heute nur wenige wirkliche "Comedy"-Serien, die so lustig sind, wie POLICE SQUAD! Dennoch merkt man spätestens in der sechsten Episode erste Ermüdungserscheinungen. Einige Witze - und damit meine ich nicht die Running Gags - wiederholen sich, und die Storys selbst bieten auch nichts, um den Charakteren wirklich nahe zu kommen. Das liegt auch an der Länge von knapp 30 Minuten pro Folge. Da ein Großteil der Zeit dafür genutzt wird, Humor zu verbreiten, wird nicht genug geboten, um einen vernünftigen Handlungsstrang zu entfalten. Das klappt erst mit DIE NACKTE KANONE, der - im Gegensatz zu seinen Fortsetzungen - über jeden Zweifel erhaben ist.

Aber was soll´s? Da es ja nur sechs Episoden von POLICE SQUAD! gibt, entsteht nicht die Möglichkeit, Leerlauf zu entwickeln, und so hat man es hier mit einer knackig kurzen und zum Totlachen komischen Serie zu tun, die sich Fans der Spoof-Filme nicht entgehen lassen sollten. Im Gegensatz zu den heutigen Streifen dieses Subgenres wird hier echte Komik geboten. Und vielleicht sollten sich auch Zucker/Abrahams/Zucker mal wieder anschauen, zu welchen Leistungen sie früher einmal fähig waren. Dann bleibt der Allgemein in Zukunft erzkonservativer Schrott wie AN AMERICAN CAROL erspart...

Big Nothing

2009-01-08T21:50:00.000+01:00

Es gibt Filme, die in Deutschland irgendwie unter das Radar rutschen, und nicht mehr auftauchen. Man wäre überrascht, wie viele Streifen bei uns keine richtige Kinoauswertung erfahren. Manche werden nur auf Festivals gezeigt oder in geringer Kopienzahl an den Start gebracht (die Herstellung von Filmkopien ist teuer; kleinere Verleiher müssen hier genau kalkulieren), die meisten erscheinen aber direkt auf DVD. BIG NOTHING (2006) ist so ein Film. Dabei ist bereits interessant, dass wir es hier mit einer englischen Produktion zu tun haben, die in Großbritannien und Kanada gedreht wurde, aber in Oregon spielt, bei der ein Franzose (Jean-Baptiste Andrea) Regie führte und hauptsächlich nordamerikanische Schauspieler vor der Kamera stehen. Was ein Wirrwarr...

Vielleicht der einzige Grund, weshalb die DVD im Verkaufsregal hervorsticht, ist, dass Simon Pegg, Star aus SHAUN OF THE DEAD und HOT FUZZ, mitspielt. Der eigentliche Star des Films is allerdings David Schwimmer, den man hierzulande natürlich aus der Serie FRIENDS kennt. Jedoch hat ihn das gleiche Schicksal wie den Rest seiner Kollegen von damals ereilt: Sie sind keine Zugpferde für neue Projekte mehr - abgesehen von Jennifer Aniston vielleicht. Pegg spricht jedoch sowohl ein jüngeres, als auch ein internationales, anglophil orientiertes Publikum an. Doch wer hier einen Film im Stile von Peggs großen Hits erwartet, könnte enttäuscht werden...

"Schatz, ich höre jetzt mit dem Telefonsex auf. Der neben mir lacht sich schon tot."

Der ehemalige Lehrer Charlie (David Schwimmer) ist frustriert. Sein von ihm verfasstes Buch findet keinen Verleger, und er selbst keinen neuen Job. Zwar ist seine Frau (Natascha McElhone) überzeugt, dass ihre Stelle als Polizisten ausreicht, um die kleine Familie zu versorgen, doch Charlie will ihr und seiner kleinen Tochter Emily (Olivia Peterson) einfach mehr bieten. Da hilft es natürlich nicht gerade, dass Charlie aus seinem eben angetretenen Job in einem Callcenter herausfliegt - weil er auf die "klugen" Ratschläge seines Kollegen Gus (Simon Pegg) gehört hat. Doch Gus eröffnet ihm, dass er an einem Plan arbeitet, an das große Geld zu kommen (um seiner bei seiner Ex-Frau lebenden Tochter eine Augenoperation zu finanzieren...): Gus will einen pädophilen Priester erpressen - und Charlie soll ihm dabei helfen. Anfangs ist dieser von der Idee ganz und gar nicht angetan. Doch die Verlockung des vielen Geldes ändert dies bald. Schnell zeigt sich jedoch, dass nichts nach Plan läuft, da sich Gus´ Geliebte Josie (Alice Eve) als dritte Erpresserin empfiehlt. Als sich der Priester bei der Lösegeldübergabe auch noch als äußerst kampfbereit entpuppt, eskaliert die Situation völlig.

An dieser Stelle mehr zu verraten, wäre unfair. Der Film steckt voller Wendungen, jeder Charakter ist mehr, als er zu sein vorgibt, und der schwarze Humor steht hinter jeder Ecke, um unvermittelt und gnadenlos zuzuschlagen. Wer VERY BAD THINGS kennt, weiß ungefähr, was für eine Art Film ihn mit BIG NOTHING erwartet. Dabei sollte man aber davon ausgehen, dass hier kein Happy End in Sicht ist... immerhin haben wir es mit einem britischen Film zu tun - unabhängig davon, wie international er nun ausgelegt ist. Die kagere Umgebung, in der die Story spielt, unterstützt dabei nur die Böswilligkeit des Ganzen.

"Zurück auf die Castingcouch... dabei habe ich bei FRIENDS noch Millionen verdient..."

Schauspielerisch gibt es nichts auszusetzen. Alle Darsteller sind mit großer Motivation bei der Sache, und es tut gut, Simon Pegg in einer bislang ungewohnten Rolle zu sehen. Dass er hier mal das richtige Arschloch raushängen lassen darf, scheint ihm viel Freude bereitet zu haben. David Schwimmer spielt abermals den sympathischen Loser, dem man nicht böse sein kann, da er ja eigentlich nur alles gut meint. Das ist zwar nicht sonderlich kreativ, durch ihn aber schon beinahe zu einer Kunst verfeinert worden.

BIG NOTHING ist kein ganz großer Wurf geworden, aber dennoch eine große Überraschung, von der ich absolut nicht gedacht hätte, dass sie so gut sein würde. Freunde des schwarzen Humors werden hier fündig, und Leute, die es ein wenig zarter mögen, freuen sich über die überraschende Auflösung des trickreichen Handlung. BIG NOTHING ist also ein Geheimtipp, den sich jeder Filmfan mal geben sollte.